Herbstabendmusik und Doors-Ersatz - so klingt "Hunter Not The Hunted".

Erst 70 Jahre nach dem Tod des Autors endet der Urheberrechtsschutz. Es sind also noch knapp 30 Jahre zu überstehen, bis sich jeder, wirklich jeder, über das Werk von Jim Morrison hermachen kann.

Gut also, dass es noch immer And Also The Trees gibt. Die Band, 1979 im beschaulichen Inkberrow/Worchestershire gegründet, ist mittlerweile der beste Doors-Ersatz, den man bekommen kann. Das liegt natürlich in erster Linie an der Stimme von Simon Jones. Von Singen kann man bei diesem Mann kaum sprechen: Er croont, er beschwört, er predigt. Die Texte wimmeln vor Metaphern über das Landleben und längst vergangene Zeiten. Und sein Bruder Justin Jones hat dazu immer wieder Gitarrenklänge zu bieten, als sei The End ein eigenes musikalisches Genre.

Mystisch, düster und erotisch aufgeladen ist Hunter Not The Hunted, das in einem Studio in England und einem verfallenen Haus in Frankreich aufgenommen wurde. Es gibt kaum mehr eine Katharsis aus Energie und Lärm, wie das früher bei And Also The Trees üblich war. Stattdessen bleiben Songs wie Burn Down This Town sehr reduziert und meist akustisch. Womöglich ist das der Einfluss des Vorgängeralbums When The Rains Come, auf dem die Band Akustikversionen ihrer alten Klassiker versammelt hatte.

Trotz dieses Minimalismus entwickelt jedes Lied eine ganz eigene Spannung, wie man das beispielsweise von Woven Hand kennt, und auch als Album hat Hunter Not The Hunted eine tolle Dynamik. Bloodline beispielsweise wogt wie die Wellen des Flusses, der hier besungen wird, integriert dezent mediterrane Einflüsse von Fado bis Sirtaki und hat auch noch einen Chor zu bieten, der beinahe nach den Donkosaken klingt.

My Face Is Here In The Wildfire (irgendwo im Père Lachaise rotiert jetzt womöglich jemand, weil ihm diese Zeile nie eingefallen ist) braucht nur Gitarre und Gesang, um ganz viel Verlorenheit, Tiefe und Unermesslichkeit zum Ausdruck zu bringen. Black Handled Knife pulsiert und pocht, als sei es in einem freischwebenden Magnetresonanztomographen aufgenommen, The Knave ist noch so ein sanft schunkelnder Sehnsuchtssong. The Woman On The Estuary könnte Leonard Cohen oder Scott Walker neidisch machen, Nick Cave hätte sicher gerne das eine oder andere Rendezvous mit der Whiskey Bride gehabt.

Unterm Strich ist das tolle Herbstabendmusik und in seiner konsequent melancholischen Romantik tausend Mal glaubwürdiger als all der Murks, den Interpol seit Jahren mit derselben Intention abliefern.

Auch das Outfit passt zu Mr. Morrison: And Also The Trees spielen The Woman On The Estuary:

http://www.youtube.com/watch?v=IwnMBWdmhqQ

And Also The Trees sind gerade live in Deutschland zu erleben:

18. Mai: Köln, Luxor

21. Mai: Hamburg, Knust

22. Mai: Berlin, Lido

23. Mai: Essen, Grend

24. Mai: Freiburg, Café Atlantik

And Also The Trees bei MySpace.

Mehr davon:

1. Hingehört: The Animals – “Good Times” Künstler Eric Burdon & The Animals Album Good Times Label...
2. Hingehört: Paul Smith – “Margins” Künstler Paul Smith Album Margins Label Billingham Records Erscheinungsjahr 2010...
3. Hingehört: Fujiya & Miyagi – “Ventriloquizzing” Künstler Fujiya & Miyagi Album Ventriloquizzing Label Full Time Hobby...

Jola (Grazyna Szapolowska) sucht bei Dora (Dagmar Manzel) Unterschlupf.

Worum geht’s?

Seit ihr Ehemann verschwunden ist, lebt Dora alleine in einer Plattenbauwohnung in Leipzig. Sie feiert ein bisschen mit den Leuten aus dem Haus und konzentriert sich ansonsten auf ihren Job als Postbotin und die Pflege ihrer Kakteen. Eines Abends steht plötzlich Jola in ihrer Wohnung, die eine Etage höher wohnt: Die Polin arbeitet als Kellnerin und glaubt, im Streit versehentlich ihren Chef erschossen zu haben. Sie will sich nicht der Polizei stellen, weil ihr dann die Ausweisung droht. Dora, die eigentlich gerade mit ihrer Schwester in den Urlaub aufbrechen wollte, nimmt sie bei sich auf.

Das sagt shitesite:

Dagmar Manzel schafft es als Dora fast ganz alleine, diesen Film zu tragen: Diese wortkarge Amazone, die ihren Liebeskummer am liebsten mit dem Handstaubsauger beseitigen würde, ist vor allem dank ihres Spiels eine beeindruckende Figur. Dora begegnet der sinnlichen Jola zunächst skeptisch, dann wird die Fremde zur Komplizin, zur Freundin und zu noch mehr – und es ist eine Freude, den beiden Hauptdarstellerinnen bei dieser Entwicklung zuzuschauen.

Nachbarinnen, das die Hochschul-Abschlussarbeit von Regisseurin Franziska Meletzky ist, gefällt aber auch als faszinierende Geschichte über einen intakten Kiez, der doch keinen Schutz vor Vereinsamung bieten kann. Und vor allem als sehr gut beobachteter Blick in die weibliche Psyche.

Bestes Zitat:

“Wer liebt, riskiert zu leiden. Wer nicht liebt, leidet schon.”

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=jB5432Z0YoI

Mehr davon:

1. Draufgeschaut: Freischwimmer Film Freischwimmer Produktionsland Deutschland Jahr 2007 Spielzeit 103 Minuten Regie...
2. Draufgeschaut: So glücklich war ich noch nie Film So glücklich war ich noch nie Produktionsland Deutschland Jahr...
3. Draufgeschaut: Berlin is in Germany Film Berlin is in Germany Produktionsland Deutschland Jahr 2001 Spielzeit...

Kommando Elefant vermählen die Sportfreunde mit Systemkritik.

In genau einer Woche spielen die Sportfreunde Stiller in Hamburg. Die 300 Tickets für das Konzert im Molotow in St. Pauli sind längst ausverkauft. Wem das noch nicht reicht für die These, dass die Münchner auch im 776 Kilometer von ihrer Heimat entfernten Norden ankommen: Im Dezember 2010 waren die Sportfreunde in der Hamburger O2 World zu Gast, Kapazität 16.000 Plätze.

Kein Wunder also, dass sie auch locker 400 Kilometer nach Südosten abstrahlen können. Bis nach Wien. Dort sind Kommando Elefant zuhause, und die machen auf ihrem dritten Album Scheitern als Show in etwa das, was die Sportfreunde in Deutschland so groß gemacht hat: klassischen Poprock, bestens geeignet fürs Radio, kraftvoll, mitreißend und eingängig.

„Wir sind auf der guten Seite“, singen sie in einer Zeile von Ein schöner Tag – das war einst der Slogan der Münchner – und die Musik dazu wirkt wie eine Neuauflage von Wellenreiten. Am deutlichsten ist die Parallele aber im hübsch hymnischen Ozean: Der Text spielt zwar auf Ton Steine Scherben an, die Musik klingt aber wie eine Mischung aus Im Dunkeln von Madsen und In unmittelbarer Ferne von den Sportis.

Das ist zumindest der erste Eindruck. Auf den zweiten Blick stellt man dann aber doch zwei wichtige Unterschiede zwischen diesen beiden Bands fest. Erstens: Kommando Elefant verstehen sich nicht bloß als Band, sondern als Gesamtkunstwerk. Die vierköpfige Besetzung wird mit Stefan und Michael Tiefengraber auch durch zwei Mitglieder ergänzt, die für das visuelle Musikerlebnis zuständig sind, zudem steht Bandleader Alf Peherstorfer inmitten eines umtriebigen Netzwerks inklusive eigener Plattenfirma. Zweitens: Wo die Sportfreunde Stiller meist das große Einverstandensein zum Prinzip, vielleicht sogar zu ihrem Erfolgsgeheimnis gemacht haben, da werden Kommando Elefant ungemütlich. Sie sind dagegen.

„Und die Welt brennt / das ist Entertainment“, heißt die erste Zeile auf Scheitern als Show. Mit Castingsformaten wird da abgerechnet, mit Wegwerf-Politik und der allgemeinen Leere. Ein Pfeifen und eine Liquido-Orgel gaukeln gute Laune vor, und wenn am Ende ein ganzer Chor die Worte D.A.S.I.S.T.O.K. buchstabiert, dann ist der herrlich over the top und die perfekte Form für diesen, nunja, Protestsong.

Wer das schon überambitioniert findet, sollte gewarnt sein: Von da an entwickelt sich Scheitern als Show zu einem Konzeptalbum. Die Anziehungskraft des Scheiterns, verbunden mit unserem allgegenwärtigen Voyeurismus, wird in elf Songs seziert. Den Reiz dieser Kombination erklärt sich Alf Peherstorfer damit, dass „man sich abgrenzen kann, damit mein kleines Leben größer und schöner erscheint als das der anderen“.

Vor diesem Hintergrund werden Figuren wie die Sternenmarie eingeführt, deren Drogenrausch mit Orgel und Selig-Psychedelik vertont wird. Jennifer stürzt sich lieber mit Garagenrock in den Abgrund. In Michaelas Tanzbar schwingt man das Bein hingegen zu Quasi-Country, der an das jüngste Kettcar-Album erinnert.

Ansonsten gibt es auf Scheitern als Show, das in der zweiten Hälfte hörbar abbaut und sich gelegentlich auch ein bisschen arg schlau vorkommt, auch ganz normale Liebeslieder. Dein Fallendes Herz wird ein gebührend opulenter Rausschmeißer. Fluchtpunkt Kairo, inspiriert von einem Håkan-Nesser-Roman, lebt den Traum vom Abtauchen in die Anonymität, derart heiter und zackig, als hätten Superpunk neuerdings einen Sänger, der Nichtraucher ist. Das allerletzte Liebeslied ist fast akustisch und dürfte alle glücklich machen, die Virginia Jetzt nachtrauern. Und mit Wir sprengen Krokodile gibt es einen irren Track, der Deichkind mit einer sehr zynischen Variante von Franz Ferdinand vermählt, und die Popstar-Karriere als Selbstzweck geißelt.

Das Angenehme dabei: Kommando Elefant werden niemals belehrend, sondern schließen sich selbst gerne in ihrer Kritik ein. Das sehr amüsante Ich bin ein Arschloch ist das beste Beispiel dafür. Die Musik klingt, als würde sich Funny van Dannen an einem NDW-Track versuchen, der Text entlarvt die Strategie, sich freiwillig selbst als Arschloch zu titulieren – um dann erst recht einen Freifahrtschein für Schlechtigkeiten zu haben. Ein bisschen sind Kommando Elefant nicht zuletzt auch selbst an dieser Platte gescheitert: Als sie das ganze Material für Scheitern als Show im Kasten hatten, musste aussortiert werden – und ausgerechnet der Titelsong schaffte es dann nicht mehr ins endgültige Tracklisting.

Die schlechtesten Plattencover aller Zeiten vereinen Kommando Elefant im Video von Wir sprengen Krokodile:

http://www.youtube.com/watch?v=5t5XAcjkJZ0

Kommando Elefant bei MySpace.

Mehr davon:

1. Hingehört: The Blood Arm – “Turn And Face Me” Künstler The Blood Arm Album Turn And Face Me Label...
2. Hingehört: Tocotronic – “The Best Of Tocotronic” Künstler Tocotronic Album The Best of Tocotronic Label L’Age D’Or...
3. Hingehört: Madsen – “Labyrinth” Künstler Madsen Album Labyrinth Label Universal Erscheinungsjahr 2010 Bewertung ***...

Die vier Töchter von Don Manolo verdrehen Fernando den Kopf.

Worum geht’s?

Der Winter 1930/32 ist in Spanien von einer einzigen Frage geprägt: Monarchie oder Republik? Fernando, der gerade aus der Armee desertiert ist und beim alten Don Manolo unterkommt, hat aber bald noch eine ganz andere Entscheidung zu treffen. Die vier Töchter von Don Manolo kommen über den Sommer zu Besuch, und sie alle verdrehen ihm den Kopf.

Das sagt shitesite:

Traumhafte Musik, eine wundervolle Requisite, lauter schöne Menschen: Regisseur Fernando Trueba zieht alle Register, um aus Belle Epoque ein herrliches Kino-Erlebnis zu machen.

Ein so flüchtiges Wort wie “Flirt” wäre viel zu ordinär, um zu beschreiben, welcher Situation sich Fernando inmitten der vier Töchter ausgesetzt sieht. Hier geht es um Verführung, sehr erotisch und mit der Leichtigkeit einer Shakespeare-Komödie inszeniert. Der politische Wankelmut des Landes, das binnen Tagen von konservativ zu liberal und wieder zurück umschwenken kann, ist in Belle Epoque nur die Folie, vor der sich der emotionale Wankelmut abzeichnet.

Alle Figuren sind ihren Gefühlen so gut wie wehrlos erlegen, und sie können diese Ohnmacht nur deshalb ertragen, weil sie wissen, dass sie selbst genauso gut zu Verführern wie zu Verführten werden können. Das erklärt auch die erstaunliche Tatsache, dass es in Belle Epoque keine Spur von Eifersucht gibt, obwohl alle vier Töchter in Fernando verliebt sind und er sich offensichtlich nicht entscheiden kann oder will. Statt Neid regiert hier überall bloß der Wille, das Leben zu genießen. Ganz am Ende packt Belle Epoque diese Botschaft auch in eine rührende Abschiedsszene: Das einzig wirklich schlimme Gefühl ist die Einsamkeit.

Bestes Zitat:

“Ich war niemals dazu im Stande, zu rebellieren. Weder gegen die Kirche noch gegen die Armee noch gegen die Ehe. Und die ist, neben den Banken, wohl die reaktionärste, spießigste Einrichtung, die du dir vorstellen kannst.”

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=8CmrOiIAsEY

Mehr davon:

1. Draufgeschaut: Volver Film Volver Produktionsland Spanien Jahr 2006 Spielzeit 121 Minuten Regie...
2. Draufgeschaut: Blow Film Blow Produktionsland USA Jahr 2001 Spielzeit 122 Minuten Regie...
3. Draufgeschaut: Elegy Film Elegy Produktionsland USA Jahr 2008 Spielzeit 106 Minuten Regie...

Schwarz, clever, innovativ: So klingt "Awe Naturale" von Thee Satisfaction.

Das Cover sagt eine Menge aus über Awe Naturale. Darauf sind Stasia Irons und Catherine Harris-White zu sehen, die beiden Damen aus Seattle, die TheeSatisfaction bilden. Ihre Silhouetten wirken geheimnisvoll, ihre Pose selbstbewusst, der Blick in die Zukunft gerichtet.

Das sind die wichtigsten Eckpunkte für dieses Debütalbum. Es gibt hier, um aus dem Presse-Info zu zitieren, „positive energy“ und „black purity”, und zwar in Form von „funk-psychedelic feminista sci-fi epics“. Man kann auch einfach sagen: HipHop, clever, warm, innovativ und mit Sendungsbewusstsein.

Aw ist als Intro so etwas wie Jazz, aber rückwärts abgespielt, und dann noch einmal durch die Mangel von Lee Scratch Perry gedreht. Bitch besteht danach nur aus Bass, Percussions und Gesang, wobei die Stimmlage problemlos innerhalb einer Silbe von Raubkatze zu Schmusekätzchen umschwingen kann. Earthseed hat eine sehr schicke und doch bedrohliche Piano-Atmosphäre à la Portishead.

Damit sind nicht einmal fünf Minuten von Awe Naturale vergangen, und TheeSatisfaction haben schon einen enormen Klangkosmos entworfen. So geht es weiter: HipHop, komplex und mutig – da muss man natürlich an The Roots denken. Auch Ursula Rucker, Lauryn Hill oder das Ethos von Arrested Development sind offensichtlich Bezugspunkte für TheeSatisfaction, die 2008 mit ein paar Mixtapes anfingen, dann selbstgemachte CDs unters Volk brachten und auf selbst finanzierten Tourneen neue Fans gewannen.

TheeSatisfaction wissen um die betörende Kraft des Repetitiven. Vieles klingt opulent, ist aber in Wirklichkeit mit recht reduzierten Mitteln erschaffen. Niemals hat diese Musik so etwas wie Punch (auch wenn es zum Schluss in Naturale pulsierende, wilde Drums gibt), dafür aber eine Menge Sexappeal (wie im sanften Existinct). In Deeper wird nicht gerappt, sondern doziert. Der verschleppte Beat von Sweat kontrastiert schön mit den Latin-Bläsern, die aus einem Earth-Wind-And-Fire-Track gesamplet sind. Juiced klingt wie Jay-Z unter Wasser, Crash schafft es, den denkbar warmen Sound eines Fender Rhodes mit der denkbar kühlen Thematik des binären Zahlensystems zusammenzubringen.

Das sicher beste Beispiel für den faszinierenden Sound dieses Duos ist Needs. Ein irrer Track entwickelt sich da, mit flirrendem Bass und einem verschachtelten Beat, bis ganz am Schluss nur noch die beiden Stimmen von Stasia Irons und Catherine Harris-White zu hören sind. Und erst dann merkt man, was für die Minuten zuvor gilt und für Awe Naturale als Ganzes: Hier rumort es gewaltig.

Ha! Sendungsbewusstsein! TheeSatisfaction performen Deeper für eine Radioshow:

http://www.youtube.com/watch?v=rC-lTwQ8Dt8

TheeSatisfaction bei MySpace.

Mehr davon:

1. Hingehört: Lupe Fiasco – “Lupe Fiasco’s The Cool” Künstler Lupe Fiasco Album Lupe Fiasco’s The Cool Label Atlantic...
2. Hingehört: Beastie Boys – “Hot Sauce Committee Part 2″ Künstler Beastie Boys Album Hot Sauce Committee Part 2 Label...
3. Hingehört: Emeli Sandé – “Our Version Of Events” Künstler Emeli Sandé Album Our Version Of Events Label Emi...

Maite (Valerie Donzelli) sieht ihren Ehemann Vincent (Bruno Todeschini) nur noch ein paar Minuten pro Tag.

Worum geht’s?

Zu sieben Jahren Haft ist Vincent verurteilt. Seine Frau Maite besucht ihn regelmäßig und versucht, die Liebe am Leben zu erhalten. Doch dann lernt sie vor dem Gefängnis Jean kennen, der ihr erzählt, sein Bruder habe ebenfalls sieben Jahre abzusitzen. Die beiden beginnen eine Affäre – und die wird zu einer perfiden Dreiecksbeziehung, als Maite herausfindet, dass Jean in Wirklichkeit ein Aufseher ist, der sich mit Vincent angefreundet hat.

Das sagt shitesite:

Drei große Stärken hat diese Low-Budget-Produktion: Erstens die sehr eindrucksvollen Schauspieler. Zweitens die Fähigkeit, das Leben hinter Gittern in authentische, einfühlsame Bilder und eine passende Atmospäre zu packen. Es gibt viel Schweigen in 7 Ans, und die Frage nach der erzählten Zeit ließe sich unmöglich beantworten.

Was diesen Film wirklich so gut macht, ist aber die dritte Stärke: seine famose Pointe. Maite vergöttert ihren Mann, aber alles, was ihr von ihm geblieben ist, ist seine Wäsche. Die Affäre mit Jean erscheint zunächst wie ein kühl kalkulierter Versuch der reinen Bedürfnisbefriedigung. Doch dann entpuppt sich Jean für sie als Brücke zu Vincent. Erst dadurch wird er für sie emotional interessant – und erst dadurch steht tatsächlich die Frage im Raum, ob er ihn ersetzen kann.

So wird in 7 Ans ein kluges Spiel aus Manipulation und unerfüllbarem Begehren entwickelt, das für alle drei Beteiligten zur Zerreißprobe wird. Am Ende müssen Maite, Vincent und Jean erkennen: Auch die maximale Selbstlosigkeit, die sich alle drei abverlangen, funktioniert nicht als Liebesbeweis.

Bestes Zitat:

“Er ist mein Mann und ich lasse ihn nicht im Stich. Glaube es oder nicht.”

Valerie Donzelli spricht über den Film:

http://www.youtube.com/watch?v=rjba-PkKbq0

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Direkt ins Stadion wollen Livingston mit "Fire To Fire".

Zwölf Lieder sind auf Fire To Fire, dem zweiten Album von Livingston. Alle zwölf klingen, als könnten sie eine Single sein. Mehr noch: Alle zwölf klingen wie ein einziger Appell: „Liebe uns! Häng uns als Poster an deine Wand!“

Das ist die Stärke, aber auch die Schwäche des Quintetts aus London, von dem vier Fünftel mittlerweile in Berlin leben. Fire To Fire klingt in vielen Momenten herrlich atemlos, gerne hymnisch und im Zweifel optimistisch, von Anfang an nach Hollywood, als wollten Livingston nach dem erfolgreichen Debüt Sign Language (2009) nun ohne Umwege in die Stadion-Liga. Sänger Beukes Willemse hat die Art von Stimme, die seit Jahrzehnten kleine Mädchen in Ekstase versetzt und A&R-Manager auf der ganzen Welt glücklich macht. Und ihre Songs sind auf diesem Album, das vom dreifachen Grammy-Gewinner David Bottrill (Tool, Placebo, Muse) produziert wurde, im höchsten Maße gelungener und professioneller Poprock, um Welten besser als das, was beispielsweise Sunrise Avenue oder Maroon5 in diesem Genre veranstalten.

Die Band ist stolz darauf. „Ich denke, dass wir reifer geworden sind“, sagt Gitarrist Jakob Nebel. „Man hört dem Debüt schon an, dass dies unser Anfang war, eine Art Tagebuch der Jahre, die wir von der Gründung bis zum Debüt miteinander erlebt haben. Da ist vieles zusammen gemischt worden, wohingegen Fire To Fire eine Platte wie aus einem Guss ist, weil wir sie ja auch so geschrieben haben. Natürlich spürt man auch, dass da jetzt noch ein paar Jahre mehr Erfahrung in der Band stecken, zumal wir in dieser Zeit ja auch extrem viele prägende Erfahrungen gemacht haben.“

Am deutlichsten ist dabei nach wie vor die Verwandtschaft zu den Killers. Das meint nicht nur den Sound, sondern auch deren Hang zu obskuren, aber bedeutungsvoll klingenden Texten (ja, ich meine die Sache mit human und dancer). Bei Livingston heißen die Entsprechungen „we’re all slaves to gravity“ (im saftigen Opener Perfect Dream), „before we go supernova / I don’t mind if you make me cry“ (in der Vorab-Single Supernova) oder eben “set fire to fire” im Quasi-Titelsong.

Manchmal klingen auch Jimmy Eat World an (wie im leicht gebremsten No More Promises). Das hoch theatralische Beautiful klingt, als würden Muse den Existenzialismus simulieren, Drop The Halo hat eine Placebo-Gedächtnis-Strophe und Sink Or Swim ist eine 1A-Green-Day-Ballade, in deren Text man unmöglich noch mehr abgenutzte Metaphern unterbringen könnte.

Das führt zum Problem von Livingston: So etwas wie Individualität lässt sich hier kaum erkennen. Fire To Fire, das im Frühjahr 2011 im Fisher Lane Studio von Genesis-Gitarrist Mike Rutherford aufgenommen wurde, hat als Album keine gelungene Dramaturgie. Es gibt vor allem in der zweiten Hälfte der Platte einige Momente, in denen die Belanglosigkeit regiert. Dass Fire To Fire in Summe ein gutes Stück zu lang wirkt, liegt auch daran, dass keine der Balladen richtig zündet. Immerhin: Vieles klingt, als wollten Livingston es live gerne ein bisschen weg aus der Radio- und hinein in die Rock-Ecke holen.

Dazu passt auch die Definition von Drummer Paolo Serafini, der Livingston sieht „als eine Band, die ohne jeden Firlefanz auskommt, die die Ärmel hochkrempelt, auf der Bühne hart arbeitet und sich für nichts zu schade ist“. Das hat bisher durchaus gut funktioniert. Gerade live hat sich die Band ihr Publikum erspielt. Die Bandbreite der Acts, mit denen Livingston schon auf Tour waren (unter anderem The Duke Spirit, Revolverheld, Ich+Ich, Apocalyptica, Thomas Godoj, Unheilig oder Blind) macht aber auch stutzig: Wie soll das alles zusammenpassen? Wahrscheinlich ist das das Problem von Livingston, und der Grund, warum Fire To Fire trotz vieler guter Ansätze bloß ein solides Album ist: Sie wollen es wirklich allen recht machen.

Der Albumtrailer zu Fire To Fire:

http://www.youtube.com/watch?v=myXyvwr-6iU

Livingston bei MySpace.

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Hilfe für verzweifelte Männer verspricht Natascha Sagorski in "Don't Call It Pussy".

„Auf der einen Seite wollt ihr, dass wir immer gut aussehen, auf der anderen Seite sollen wir aber kein Geld dafür ausgeben. Das passt doch irgendwie nicht zusammen, oder?“ Das ist eine typische Frage von Natascha Sagorski. Die Autorin, auch als Fernsehkolumnistin bei ProSieben bekannt, geht in ihrem Buch Don’t Call It Pussy – 33 Dinge, die Männer endlich über Frauen lernen sollten, den kleinen Missverständnissen und großen Katastrophen zwischen den Geschlechtern nach. Im Alltag, im Beruf und im Bett.

Sagorski, bisher im selben Verlag als Autorin von Krasse Abstürze (einem Buch über die Vielfalt und Peinlichkeit von Filmrissen) und Schuhe, Taschen, Männer (Frauen erzählen über ihr liebstes Accessoire) in Erscheinung getreten, richtet sich damit erstmals in erste Linie an ein männliches Publikum. Besonders an die Gruppe der männlichen Spezies, die endlich verstehen will, wie Frauen ticken und was sie vielleicht schon immer falsch gemacht hat. In ihren Recherchegesprächen für das Buch habe sie „von so vielen Frauen Horrorstories gehört, dass mir erst richtig klar wurde, wie viele hilfsbedürftige Typen da draußen rumlaufen müssen“, erklärt die 27-Jährige im Interview mit news.de ihre Motivation.

Mit Don’t Call It Pussy verspricht sie nun Antworten und Lebenshilfe. Man muss schon reichlich verzweifelt sein, um daran wirklich zu glauben. Schließlich macht sich Sagorski nicht die Mühe, ihre Thesen mit wissenschaftlichen Studien zu untermauern oder wenigstens ein paar passende Umfragen zu Rate zu ziehen. Stattdessen erzählt die Münchnerin von ihren eigenen Erfahrungen, von Freundinnen und ihrer Interpretation der weiblichen Natur an sich. Das ist zwar nicht besonders substantiell, aber dafür dann immerhin mitten aus dem Leben – oder eben gut ausgedacht.

Schnell entwickelt Don’t Call It Pussy dadurch aber auch den Charakter, den auch Frauenzeitschriften haben: Hier gibt es das weibliche Gegenstück zum Stammtisch, also Klischees und Zoten satt. Das fängt beim Titel an. „Pussy“ als Bezeichnung für das weibliche Geschlechtsteil ist ein Killer für jede Beziehung. Sagorski selbst nennt die Vagina in ihrem Buch „unsere kleine Freundin da unten“, und ansonsten empfiehlt sie Paaren selbst erfundene, individuelle Kosenamen.

Nachhilfe fürs Bett gibt es auch in einigen anderen Kapiteln (die übrigens durchweg durch sehr schlau ausgewählte Zitate eingeleitet werden). Die Bandbreite von Don’t Call It Pussy ist aber deutlich größer als es der Titel vermuten lässt. Der lernwillige Mann erfährt, was wirklich dahintersteckt, wenn Frauen rasend eifersüchtig sind (sie fürchten nicht nur, betrogen zu werden, sondern verachten auch die andere Frau, die sich einbildet, Chancen bei ihrem Partner zu haben). Sagorski erklärt, warum vergebene Männer nicht merken, wenn sie angeflirtet werden – und was für Probleme das mit sich bringen kann. Sie hat ein bisschen Anleitung für die Praxis zu bieten (kein Bier beim ersten Date!) und interessante Einblicke in die weibliche Psyche (nach einem One-Night-Stand haben Frauen das spontane Bedürfnis, so schnell wie möglich mit ihrer besten Freundin zu telefonieren).

Vor allem aber macht Don’t Call It Pussy auf erschreckende Weise deutlich, wie sehr sich moderne Frauen (oder zumindest solche, deren Leben sich in erster Linie inmitten der Münchner Schickeria abspielt) mit dem Weltbild von Sex And The City identifizieren – oder sich gar über diesen Lebensstil definieren. Immer wieder gibt es Handtaschen, Cocktails, Tratsch – dieser oberflächliche Materialismus nervt sehr schnell sehr gewaltig.

Auf der anderen Seite macht er die Schwarz-Weiß-Malerei, die in diesem Quasi-Beziehungsratgeber Prinzip ist, mitunter auch erst erträglich. Sagorski inszeniert sich selbst als Klischee-Frau, die nicht einparken kann, Schuhe liebt und Fußball hasst. Und immerhin versieht sie ihre 33 Kapitel immer wieder mit einem Schuss Ironie und einer guten Dosis Übertreibung.

Trotzdem ist Don’t Call It Pussy durchaus ernst gemeint als Beitrag für eine bessere Verständigung zwischen Männern und Frauen. Nicht zuletzt betont die 27-Jährige, dass sie keineswegs eine Männerhasserin ist. Sie will dem starken Geschlecht einfach nur helfen, noch toller zu werden.

Bestes Zitat: „Was Manolo Blanik für uns ist, war Steve Jobs (möge er in Frieden ruhen) wohl für euch. Ich habe zumindest selten etwas gesehen, das einen Mann derart in Verzückung geraten lassen kann wie ein iPad. Und dabei hat es nicht einmal Brüste.“

Eine Kurzversion dieser Rezension gibt es auch bei news.de – mit vielen Tipps aus dem Buch.

Mehr davon:

1. Durchgelesen: Cheryl Benard und Edit Schlaffer – “Grenzenlos weiblich” Autoren Cheryl Benard und Edit Schlaffer Titel Grenzenlos weiblich. Europas...
2. Durchgelesen: Hauke Broust – “Wie die lieben Kollegen ticken” Autor Hauke Brost Titel Wie die lieben Kollegen ticken Verlag...
3. Durchgelesen: Florian Huber – “Meine DDR” Autor Florian Huber Titel Meine DDR. Leben im anderen Deutschland...

Stella (Charlize Theron) will gemeinsam mit Chalie (Mark Wahlberg) den Tod ihres Vaters rächen.

Worum geht’s?

Sechs Gangster stehlen gemeinsam einen Tresor in Venedig. Charlie hat den Plan geschmiedet, und sein Lehrmeister John ist ebenfalls mit von der Partie. Der Coup hat sich gelohnt, denn im Tresor sind Goldbarren im Wert von 35 Millionen Dollar. Als sie die Beute in Sicherheit bringen, werden sie allerdings von einem ihrer Mitstreiter aufs Kreuz gelegt: Steve setzt sich alleine mit dem Gold ab, erschießt John, und meint auch die anderen Kumpanen erledigt zu haben. Doch die überleben und schwören Rache. Gemeinsam mit Johns Tochter, einer Expertin fürs Tresorknacken, wollen sie es Steve heimzahlen.

Das sagt shitesite:

Über weite Strecken klässt Ocean’s Eleven hier derart grüßen, dass man sich die ganze Zeit wundert, warum George Clooney so selten im Bild ist. Ansonsten bietet The Italian Job, Remake einer britischen Vorlage aus dem Jahr 1969, sehr solides Actionkino. Es gibt flotte Sprüche, ein bisschen Technik-Improvisation wie beim A-Team, spektakuläre Verfolgungsjagden und reichlich Product Placement.

Dazu kommt die nicht ganz neue Moral, dass Ganoven eben doch ihre Ehre haben. Vor allem aber funktioniert The Italian Job, weil die Gangster-Crew mit schillernden, weitgehend überzeugenden Charakteren besetzt ist, zwischen denen sich ein kurzweiliges Beziehungsgeflecht entwickeln kann.

Bestes Zitat:

“Ich traue jedem. Ich traue nur nicht dem Teufel, der in jedem steckt.”

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=E_k22ZefN1w

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Cats On Fire fügen auf "All Blackshirts To Me" problemlos Eurokrise und Liebeskummer zusammen.

Das hat man dann davon. Finnland, seit 2003 Seriensieger in der Pisa-Studie, hat die wohl schlausten jungen Leute der Welt. Und wie das so ist bei schlauen jungen Leuten: Sie fangen an nachzudenken. Sie werden überkritisch, und plötzlich kommen sie auf die wildesten Ideen. Womöglich stellen sie plötzlich sogar alles infrage.

So ist es jetzt auch bei Cats On Fire gekommen. Auf All Blackshirts To Me, ihrem dritten Album, werden sie unverhohlen politisch, frech, revolutionär. Smash It To Pieces etwa besingt die Rache des Steuerzahlers. Eine sinnlose, goldene, sündhaft teure Statue soll da zerstört werden, und man kann sie gut als Metapher für Rettungsschirme, Milliardenbürgschaften und Banken-Subventionen verstehen. Zu einem aufstachelnden Beat wird da ein fröhliches Liedchen angestimmt, das aber selbst durch das Pfeifen am Ende keine Spur von Harmlosigkeit bekommt. „They will never steal from us again“, heißt die stolze letzte Zeile – da steckt nicht nur eine Prise Occupy darin.

In 1914 And Beyond wird es noch ein bisschen grundsätzlicher. „The age of false kings will come to an end / this wicked system won’t survive this generation“, heißt die Prophezeiung. Mit einer Mischung aus Frust, Fatalismus und unerschütterliche Zuversicht in so etwas wie die Gerechtigkeit der Geschichte singt Frontmann Mattias Björkas darin, nur von einem Klavier begleitet, über die große europäische Krise, und es könnte fast ein Stück aus der Dreigroschenoper sein.

Freilich sind Cats On Fire nicht plötzlich zum Agit-Pop übergewechselt. Es gibt auf All Blackshirts To Me weiter sehr feine Indie-Songs voller Weltschmerz und Romantik, meist akustisch. Immer wieder sind selbst die Gitarrenmelodien so schön, dass man sie mitsingen möchte, permanent extrapoliert Mattias Björkas jede Zeile, die er singt, und lässt seine Texte damit mindestens so bedeutungsvoll klingen wie die Lyrik von Morrissey.

Es gibt bei Cats On Fire aber auch ein paar Neuigkeiten, auch jenseits der politischen Appelle. Mit Iiris Viljanen (Klavier, Gesang) und Yrjö Ylijoki (Schlagzeug) hat die Band zwei neue Mitglieder. Erstmals gibt es auf All Blackshirts To Me auch Synthies zu hören, und insgesamt ist der Klang des Albums etwas voller, vielfältiger als bei den Vorgängern The Province Complains (2007) und Our Temperance Movement (2009), was auch ihrer Live-Show zugute kommen dürfte.

Die Single My Sense of Pride ist ein gutes Beispiel dafür. Das Schlagzeug ist ausgelassen, die Gitarre von Ville Hopponen perlt und Kenneth Höglund sorgt am Bass für ein bisschen Polka-Feeling und reichlich Fifties-Atmosphäre. Auch A Different Light kommt danach fast wuchtig daher.

Das ist eine sehr willkommene neue Facette, denn sie lässt die zarten Momente von Cats On Fire noch ein bisschen besonderer wirken. Our Old Centre Back zählt dazu, fast übermäßig höflich für einen Opener, der zudem auch noch ein Hohelied auf einen Fußball-Verteidiger wird, There Goes The Alarm mit seiner Spontaneität und Belle & Sebastian-Zärtlichkeit, und auch It’s Clear Your Former Lover, das als Exegese einer Beziehung, die von einem Geist aus der Vergangenheit überschattet wird, auch sehr gut von Simon & Garfunkel stammen könnte.

Auch der Hintergrundgesang von Iiris Viljanen sorgt wiederholt für Höhepunkte. Das höchst elegante The Sea Within You hat auch dank ihres Beitrags den schönsten Refrain der Platte. Sie bringt auch ein bisschen Sonne in den Liebeskummer von Well Well What Do You Know.

Dazwischen entwickelt After The Fact eine herrliche Eighties-Szenerie im Stile von OMD, und ganz am Schluss strahlt und glänzt A Few Empty Waves mit einem herrlichen Refrain, tollem Zusammenspiel der Band und so viel Stil, dass man dieses wundersame Seefahrerlied am liebsten niemals in einer Hafenkneipe, sondern immer nur in einem todschicken Salon hören würde.

Vielleicht haben Cats On Fire mit All Black Shirts To Me tatsächlich ein sehr finnisches Album gemacht: ein bisschen schüchtern, ein bisschen wehmütig, sehr schön – und sehr schlau.

Der Albumtrailer zu All Blackshirts To Me:

http://www.youtube.com/watch?v=T7XcraCdvXA

Cats On Fire bei MySpace.

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