Shoegaze-Sound und Jazz-Methoden vermischen Maribel auf "Reveries".

Es gibt solche Platten, die hört man, und merkt es gar nicht. Reveries, das zweite Album von Maribel aus Oslo, ist so eine Platte. Sie beginnt irgendwo in der Ferne und verflüchtigt sich dann immer mehr.

Man kann das durchaus reizvoll finden. Das Quartett, das sich nach dem Debüt Aestheircs komplett neu formiert hat, arbeitet im Prinzip mit einer klassischen Rock-Besetzung, kommt aber nie auch nur in die Nähe der Konventionen des Genres.

Falling Down The Stairs, das erste Stück auf Reveries, hat eine Gitarre wie Edwyn Collins, eine Sehnsucht wie Buddy Holly und Gesang, der bloß hingehaucht ist. Diese Kombination ergibt einen Sound, der filmisch klingt (Bandleader Pål Espen Kapelrud nennt unter anderem die  Filmmusik von John Barry, Henry Mancini und Ennio Morricone als wichtige Einfluss für Reveries), aber trotzdem unscheinbar.

Dann folgt Jezebel Jive – und es wird klar, dass Maribel keine Lieder machen, in denen sich eine klare Struktur erkennen lässt. “I wanted the recording sessions on this album to be more experimental and open. I always have some notions of how I want the songs to sound, but I this time I also wanted the songs to evolve and grow while recording”, sagt Pål Espen Kapelrud, und als Resultat hat Jezebel Jive, wie viele andere Lieder des Albums, keine Strophe und keinen Refrain, sondern ist bloß ein andauerndes, seltsames Statement.

Meow! lässt mit seinem komplexen Beat (das Schlagzeug kommt von Bjarne Stensli, der Reveries auch produziert hat) an Portishead denken, das ätherische You Bring The Sadness erinnert an Twin Peaks. Auch Perfumed setzt sofort das Kopfkino in Gang: Das Lied klingt nach High Noon und Wüste, aber die Stimmen, die man hier hört, sind nicht die der todesmutigen Kontrahenten, sondern die der verängstigten Zuschauer.

Am Ende entwickeln Slumber Street und Devil’s Sigh eine faszinierende Schönheit und profitieren dabei von der geheimnisvollen Stimme der aus Deutschland stammenden Maribel-Sängerin Rebekka Markstein. Auch Pretty Nights klingt vergleichsweise lebendig. Mit einer anderen Musik im Hintergrund könnte dieser Gesang von den frühen Cardigans kommen, aber hier erklingen dazu Gitarren wie aus einem Verlies und komatöse Percussions. “Rebekka has kind of a jazzy touch to her voice and it fit perfectly to the mood I wanted to create. Aesthetically speaking it doesn’t hurt that she looks like a French movie star from the 60s. She completed the album in many ways”, erklärt Kapelrud die wichtige Rolle der neuen Sängerin.

Insgesamt sind Maribel, die schon als Vorgruppe für Interpol gespielt haben, mit ihrem Mix aus Fifties-Ästhetik, Shoegaze und Jazz aber schlicht zu schüchtern und unnahbar, um wirklich zu gefallen. Reveries klingt wie die Raveonettes unter Narkose.

Hatte ich Twin Peaks gesagt? Im Video zu Jezebel Jive setzen Maribel eher auf Shining:

http://www.youtube.com/watch?v=zkL4_vAXYIE

Maribel bei MySpace.

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Der Arzt Malcolm (Bruce Willis) will dem kleinen Cole (Haley Joel Osment) sein dunkles Geheimnis entlocken.

Worum geht’s?

Malcolm ist Kinderpsychologe. Doch aus seinem neuen Patienten wird er nicht schlau: Der kleine Cole ist völlig verängstigt. Erst langsam gewinnt er Vertrauen zu dem Arzt und offenbart ihm sein Geheimnis: Er sieht tote Menschen.

Das sagt shitesite:

The Sixth Sense ist tolles Kino: großartig gespielt, spannend, rührend, gruselig und mit einer famosen Pointe.

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=VG9AGf66tXM

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http://www.youtube.com/watch?v=uj5uhaL1PEM

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Franck (Guillaume Canet) kümmert sich um seine Mitbewohnerin Camille (Audrey Tautou).

Worum geht’s?

In einer luxuriösen Wohnung in Paris finden drei Charaktere zusammen, die jeder für sich schräg und einsam sind: Die Putzfrau Camille, die kaum etwas isst. Der Stotterer Philibert aus adligem Haus. Und der Koch Franck, der seine schwerkranke Großmutter pflegt. Die neue Gemeinschaft stellt die Lebensentwürfe von ihnen allen in Frage.

Das sagt shitesite:

Zusammen ist man weniger allein bietet wenig Spannung und kaum Humor, aber sehr sympathische und authentische Charaktere und eine Atmosphäre zwischen Melancholie und Optimismus, wie sie wohl nur die Franzosen hinbekommen.

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=s9UzIAfbcNs

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Subversiv und doch massentauglich, das ist auch auf "Befehl von ganz unten" die Methode von Deichkind.

Wenn Deichkind eine neue Platte machen, dann sind die Ziele stets vergleichsweise klar umrissen: Sie wollen Spaß haben. Sie wollen subversiv sein. Und sie wollen, in erster Linie, allen anderen zeigen, dass sie noch immer die Coolsten sind.

Befehl von ganz unten schafft all das in unnachahmlicher Weise. Für den Spaßfaktor sorgt die Tatsache, dass hier quasi jeder Track ein Kracher ist, eine Steilvorlage zum Tanzen, Mitsingen, Springen, Grölen. Bei einer lediglich oberflächlichen Begegnung mit diesen Stücken könnte man fast meinen, dass eine derart krachige, plakative Musik auch von den Atzen kommen könnte.

Doch dem steht natürlich Punkt 2 auf der To-Do-Liste der Deichkinder entgegen: Wie schon auf dem Vorgänger Arbeit nervt verbinden sie ihren unvermeidlichen Irrsinn (an erster Stelle ist da Die rote Kiste zu nennen, eine Kollaboration mit Slime) mit ihrem untrüglichen Gespür für den Puls der Zeit. Und der gibt derzeit Themen vor, die Deichkind ohnehin am Herzen liegen: Revolte, Renitenz, Respektlosigkeit. „Zwischen Unterschicht und Untergrund versteckt sich genug intelligentes Leben, um damit ganze Kontinent zu retten“, heißt es im Presse-Info zum fünften Deichkind-Album, und Befehl von ganz unten unterstreicht, wie treffsicher die Hamburger Texte hinbekommen, die leicht zu verstehen und leicht zu konsumieren sind, ohne deshalb banal zu werden.

Und Punkt 3, die Coolness, ist hier ohnehin unvermeidbar. Dazu tragen Tracks bei, die herrlich detailverliebt sind und trotzdem niemals darauf aus, mit ihrer Cleverness zu protzen. Dass Deichkind nach dem Tod von Sebastian Hackert ihren Schaffensprozess ganz neu erfinden mussten, merkt man dem Album in keiner Weise an. Auch dank vieler Hits, die auf Platte schon genial klingen, die aber im Hinterkopf all derer noch ein Stückchen besser wirken dürften, die Deichkind schon einmal live erlebt haben. Ein Monstervergnügen ist mit diesem Album jedenfalls garantiert, wenn Kryptic Joe, MC Ferris Hilton, DJ Phono und Porky ab März wieder auf Tour gehen.

Famoser als mit Leider geil (Leider geil) kann man eine Scheiß-drauf-Attitüde nicht umsetzen und dabei zugleich noch Hedonismus (das Leben für den Moment) mit Slacker-Mentalität (das Genießen der kleinen Freuden des Alltags) versöhnen. Illegale Fans macht da weiter, wo Fettes Brot (die in diesem Lied auch kurz zitiert werden) mit Welthit aufgehört haben. Wenn die Piratenpartei demnächst den Bundestag erstürmen sollte und dann nicht als erste Amtshandlung alles verbietet, was man mit dem Schlagwort „NDW“ versehen könnte, dann dürfte dieser Geniestreich zur Nationalhymne erklärt werden. Bis es soweit ist, darf die Generation Praktikum sich mit dem unwiderstehlichen Bück dich hoch von der ernüchternden Gegenwart und den noch trostloseren Zukunftsaussichten ablenken. Und Christian Wulff kann die neu gewonnene Freiheit nutzen, um das packende Egolution auswendig zu lernen (und misszuverstehen).

Zur schlauen Verweigerungshaltung von Deichkind gehört aber auch, dass sie sich nicht überanstrengen. Im Falle von Befehl von ganz unten bedeutet das, dass die Platte genug Highlights hat, um als Ganzes zu gelingen, aber auch ein nicht ganz unbeträchtliches Qualitätsgefälle.

Insbesondere der Beginn von Befehl von ganz unten offenbart Schwächen. 99 Bierkanister hat zwar einen Mega-Beat, der klingt, als werde er von einer ganzen Phil-Collins-Armee gespielt, und hebelt laut Booklet „sämtliche unsichtbaren Gesetze der Musikbranche, der europäischen Lyrik und der Mittelalterszene aus“, hat aber sonst wenig Herausragendes zu bieten. Der Titeltrack ist aggressiv, aber auch etwas selbstverliebt. Der Mond klingt, als hätten sich Polarkreis 18 mit den Prinzen verbrüdert – nicht gerade eine Paarung, die man ungeduldig herbeigesehnt hätte. Gegen Ende ist Pferd aus Glas ein gut gezielter Schuss gegen abgehobene Catering-Sonderwünsche (zu Musik, die – vielleicht als gut getarnter Diss? – wie von den späten Fantastischen Vier klingt). Auch Der Strahl ist auf der Bühne sicher ein Höhepunkt, ohne das optische Spektakel dazu aber bloß Durchschnitt.

Man darf aber sicher sein, dass diese Defizite nicht mangelnder Inspiration geschuldet sind. Deichkind machen in jedem Moment von Befehl von ganz unten deutlich, wie meisterhaft sie ihr Metier beherrschen, mit welcher Leichtigkeit sie Dadaismus in eine faszinierende musikalische Form gießen oder eben einen massenkompatiblen Festival-Kracher aus dem Ärmel schütteln können. Sie haben bloß keine Lust darauf, das permanent zu tun. Sie nutzen ihre Anziehungskraft lieber, um die eine oder andere Gemeinheit, Wahrheit oder Schrägheit unters Volk zu bringen.

Am deutlichsten wird das in Partnerlook. Der Text scheint gegen Einfallslosigkeit in Mode, Geschmack und Lebensentwürfen anzukämpfen – und die Musik dazu ist 08/15-Rap, der sich völlig freiwillig selbst der Uniformität schuldig macht und dabei doch keine Rücksicht auf irgendetwas nimmt, was außerhalb des Willens des Künstlers liegt. Das ist wohl die einmalige Methode, die das Popkultur-Fachmagzin Focus wiefolgt auf den Punkt gebracht hat: „Sehr kluge Köpfe machen sehr prollige Musik.“ Ich würde es lieber so formulieren: Chagall und Remmidemmi.

Fast 800.000 Aufrufe – die Botschaft von Illegale Fans scheint sich für Deichkind bezahlt zu machen:

http://www.youtube.com/watch?v=dBLZOlUfWQk

Deichkind bei MySpace.

Im März sind Deichkind sehr fleißig, was Konzerte angeht. Die Tourdaten:

1.3. Rostock – Stadthalle

2.3. Bielefeld – Ringlokschuppen

3.3. Dortmund – Westfalenhalle

5.3. Düsseldorf – Mitsubishi Electric Halle

6.3. Frankfurt – Jahrhunderthalle

7.3. Stuttgart – Schleyerhalle

8.3. Saarbrücken – E-Werk

10.3. Chemnitz – Stadthalle

11.3 Mannheim – Maimarktclub

12.3. Balingen – Volksbankmesse

13.3. Kempten – Big Box

15.3. Nürnberg – Heinrich Lades Halle

16.3. Würzburg – S.Oliver Arena

17.3. München – Zenith

19. 3. Zürich – Maag Event Hall

20.3. Graz – Stadthalle

21.3. Wien – Stadthalle

22.3. Linz – Tips Arena

24.3. Erfurt – Thüringenhalle

25.3. Berlin – Columbiahalle

28.3. Braunschweig – VW Halle

29.3. Hamburg – O2 Arena

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Alex (Glenn Close) beginnt eine Affäre mit Dan (Michael Douglas) und kommt nicht von ihm los.

Worum geht’s?

Auf einer Party lernt Dan die geheimnisvolle Alex kennen. Als er sie wieder trifft und Dans Frau und Tochter gerade nicht da sind, verbringen die beiden ein leidenschaftliches Wochenende miteinander. Doch Dan will seine Familie nicht verlassen – und Alex klammert sich gefährlich eng an ihren Liebhaber. Als sie bemerkt, dass sie schwanger ist, schlägt ihr Begehren in Hass um.

Das sagt shitesite:

Eine verhängnisvolle Affäre ist vor allem deshalb so eindrucksvoll, weil der Film so plausibel ist. Die Versuchungen des Alltags zeigt Regisseur Adrian Lyne ebenso überzeugend wie die Idylle der Familie und den Terror der Einsamkeit – und er führt damit quasi zwei seiner anderen Werke, nämlich 9 1/2 Wochen und Untreu zusammen. Ohne dass der Film Partei bezieht, wie in Eine verhängnisvolle Affäre so gekonnt vor Augen geführt, wie eng Vernunft und Instinkt, Hass und Angst, Lüge und Moral beieinander liegen.

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=k1QuLIPFZL0

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Kampf oder Kapitulation? In "Freedom Of Speech" steckt beides.

Ein bisschen ärgerlich ist das schon, dass Speech Debelle den Mercury Prize schon vor drei Jahren für ihr Debüt Speech Therapy bekommen hat. Denn diesmal ist alles besser. Der Albumtitel Freedom Of Speech passt perfekt zu einer Künstlerin, die den ersten Schock des Ruhms verdaut hat, sich aber weder mit Selbstzufriedenheit begnügen noch in Rampenlicht-Wehleidigkeit ergehen will. Das Covermotiv zeigt die 28-Jährige in einer Pose, die ganz verschiedene Interpretationsmöglichkeiten zulässt: Speech Debelle könnte tanzen, mit einer Hand in der Höhe. Sie könnte protestieren. Oder sie könnte, darauf deutet die andere, defensive Handbewegung hin, sich ergeben, kapitulieren vor irgendeiner unbezwingbaren Macht, die vielleicht „Liebe“ heißt.

Auch die Musik ist auf Freedom Of Speech noch ein bisschen besser geworden. Speech Debelle demonstriert hier ein Selbstvertrauen, wie man das von Robyn kennt, grenzenloses Talent und ganz viel Musikalität. Im Kern ist ihre Musik noch immer HipHop, aber ohne eine Spur von Großmannssucht, sondern voller Wärme und Gefühl. Die Texte sind gelungen, der Gesang ist ein Genuss – und doch zählt es zu den Stärken des von Kwes produzierten Albums, dass Freedom Of Speech auch ausführliche Passagen ohne Stimme verträgt, ohne langweilig oder belanglos zu werden.

Studio Backpack Rap macht den Auftakt. Fast 15 Sekunden lang gibt es nur die Stimme von Speech Debelle. Dann ertönt ein Beat, der so mächtig ist, dass er definitiv auch die Goldketten von Run DMC zum Klingen gebracht hätte, schließlich gesellt sich ein famoser Bass dazu, der den Track weg von „kraftvoll“ und hin zu „funky“ führt. Das ambitionierte Blaze Up A Fire (mit Roots Manuva) setzt gleich ein ganzes Orchester ein und könnte mit seiner virtuosen Eleganz auch von Morcheeba stammen.

X Marks The Spot wird durch eine Gitarre und höchst kreative Drums bereichert und füllt nicht nur ein bisschen das Loch, das Lily Allen hinterlassen hat. Shawshank ist ein wundervoller Reggae-Ausflug, der beinahe glauben lässt, Lauryn Hill sei bei All Saints eingestiegen. I’m With It, das Speech Debelle gemeinsam mit Eg White (Lana Del Rey, Duffy, Adele) geschrieben hat, wird ein famos leichtfüßiger Discotrack.

Am besten ist Freedom Of Speech, wenn Speech Debelle sich ganz in ihre Gefühle stürzt. Zentrale Zeilen werden bei ihr nicht geschrien oder zum Refrain-Slogan gemacht, sondern immer wieder hintereinander aufgesagt, und mit jeder Wiederholung steigert sich ihre Wirkung. Im genialen Beziehungsdrama Elephant In The Living Room wird die Zerrissenheit, die in den Worten „I can’t do this anymore“ steckt, dadurch fast schmerzhaft spürbar. In Angel Wings könnte die Musik nicht angenehmer sein, aber der Gesang sorgt für ein Höchstmaß an Leidenschaft. Speech Debelle gibt gerne zu, dass sie auf diesem Album nichts zurückhält: “My personality comes through a lot on this album, it sounds like my life. The whole thing sounds like those moments when you’re re-telling a story to your mate – and that’s just me.”

Besonder stark wird dadurch das letzte Drittel von Freedom Of Speech. Ein bisschen Kate Nash, ein klasse Beat und ganz viel Weisheit stecken in The Problem. Explizit politisch wird Collapse, das ebenso wie das folgende Eagle Eye von einem schweren Piano dominiert wird.

Das Finale bildet Sun Dog. Ganz schüchtern beginnt Speech Debelle diesen Schlusspunkt, flüstert beinahe nur zu Cello-Begleitung, dann wird aus dem Lied eine siebenminütige Mini-Oper. „Of all the songs I’ve done I put more thought into this than any of the rest”, sagt Speech Debelle über Sun Dog, und den dann folgenden Teil ihres Satzes darf man als Versprechen interpretieren: „It’s definitely a level of thought and consideration I want to keep up in future work.”

Speech Debelle verrät in ihrem Video-Tagebuch, wer ihre Lieblings-Rapperinnen sind:

http://www.youtube.com/watch?v=hEi724S-TqA

Speech Debelle bei MySpace.

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Diana (Ellen van der Koogh) lädt Alexandra (Nienke Brinkhuis) ein, um ihr Sexleben aufzufrischen.

Worum geht’s?

Diana und Julian sind ein glückliches, erfolgreiches Paar. Doch ihr Liebesleben ist nicht mehr sonderlich spannend. Sie beschließen, zu Swingern zu werden und laden für ein Wochenende ein fremdes Paar zu sich ein. Alexandra und Timo sind erfahrene Swinger. Doch weder die Eifersucht noch die Probleme, die unter der harmonischen Oberfläche der beiden Paare lauern, lassen sich so leicht  ausschalten.

Das sagt shitesite:

Mit nur vier Figuren wird in Swingers ein sehr spannendes, vielschichtiges Psychodrama inszeniert, das Fragen über Eifersucht, Selbstfindung und den wahren Grad von sexueller Aufgeklärtheit und Offenheit aufwirft. Die sehr expliziten Bettszenen hätte es dafür fast gar nicht gebraucht.

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=vRfuWiizK7w

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Die Antwoord haben auf "Ten$Ion" leider nichts zu sagen.

Wenn es irgendwann irgendwo einen Freizeitpark geben sollte, der sich verschiedenen Musikstilen widmet, dann könnten Die Antwoord rund um die Achterbahn, Geisterbahn und Autoscooter in der Abteilung „Rap“ spielen. Denn das 2008 gegründete Trio aus Südafrika schafft es auf seinem zweiten Album Ten$Ion einerseits immer wieder, die Quintessenz des Genres ins Zentrum seiner Tracks zu stellen. Und andererseits klingen Die Antwoord so unauthentisch, kalkuliert und oberflächlich wie der Spaß, der in Freizeitparks verkauft wird.

Ninja, Yo-Landi Vi$$er und DJ Hi-Tek machen offensichtlich nur aus einem Grund Musik: Sie wollen ein bisschen stänkern und dabei mächtig Spaß haben. Das gelingt – Ten$Ion hat reichlich Wumms und Partypotenzial. Aber das Album krankt daran, dass man den Gedanken nicht aus dem Kopf bekommt, Die Antwoord könnten auch Jetski fahren, Hüpfburgen testen oder ihr Leben mit Tortenschlachten verbringen, um dasselbe Ziel zu erreichen. Musik ist für sie nur ein Mittel zum Zweck, und vor allem im HipHop, der Aggressivität und Herzblut braucht, zumindest aber Ehrgeiz, ist das ein Problem.

Ten$Ion beweist: Wenn man sich an Sprechgesang versucht, ohne dass man etwas zu sagen zu hat, dann muss das scheitern. Jedes zweite Wort scheint „Ninja“ oder „fuck“ zu sein, in Summe ist das Album sagenhaft eindimensional, und nicht selten wirken die Skits zwischen den einzelnen Stücken inspirierter als die Songs selbst. Fatty Boom Boom ist nur hart und sonst nichts, U Make A Ninja Wanna Fuck beweist, dass Verrücktheit kein Erfolgsrezept ist, wenn man sie nicht so gut kanalisieren kann wie das beispielsweise Outkast beherrschen. DJ Hi-Tek Rulez ist ermüdender Mega-Machismo.

Dabei hat Ten$Ion durchaus seine Momente. Der Opener Never Le Nkemise wird nach traditionell afrikanischem Gesang zu einer Electrorap-Kampfansage. I Fink U Freeky ist nervös und ansteckend und entwickelt dank schriller Eurodance-Keyboards (die auch in Baby’s On Fire prominent zum Einsatz kommen, das klingt, als sei Whigfields Saturday Night nach 15 Jahren aus der Psychiatrie ausgebrochen) einiges Hitpotenzial. Hey Sexy könnte eine Partyhymne sein – leider ist der Track fünf Minuten lang, obwohl Die Antwoord schon nach zwei Minuten die Ideen dafür ausgehen.

Dass sich dann ausgerechnet die Gangsta-Persiflage So What? als bester Song dieser Platte entpuppt, spricht Bände. Ten$Ion ist immer ein Spektakel, aber niemals spektakulär.

Wenn die Chipmunks mal ein Video wie The Prodigy machen wollten, dann käme wohl I Fink U Freeky von Die Antwoord dabei heraus:

http://www.youtube.com/watch?v=8Uee_mcxvrw

Die Antwoord bei MySpace.

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Doc Brown (Christopher Lloyd, links) schickt Marty McFly (Michael J. Fox) in die Vergangenheit.

Worum geht’s?

Marty McFly ist der erste, der die neuste Erfindung des schrägen Forschers Doc Brown gezeigt bekommt: eine Zeitmaschine. Damit reist er versehentlich 30 Jahre zurück und landet mitten in den Fünfzigern. Dort muss er nicht nur dafür sorgen, dass seine Eltern zueinander finden, sondern auch einen Weg zurück ins Jahr 1985 finden – und zudem noch dem jüngeren Doc Brown eine wichtige Botschaft übermitteln.

Das sagt shitesite:

Tolle Effekte, viel Humor und eine fantastisch-packende Story: Zurück in die Zukunft ist völlig zu Recht ein Klassiker.

Der Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=RVD6U63Tus8

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