Young Rebel Set, Werk 2, Leipzig
Sechs Leute, von denen nur einer nicht singen darf: Young Rebel Set im Werk 2.
Ich habe es gewusst. Schon am 29. September habe ich gewusst, dass es eine blöde Idee ist. Dass irgendwann dieser Moment kommen würde, in dem ich diesen Plan bereuen, mich selbst verfluchen, den Schmerz spüren werde. Jetzt ist der Moment da.
Der Plan lautet, dass ich im Oktober keinen Alkohol trinken werde. Das klappte sehr problemlos, obwohl es reichlich Grund gegeben hätte, sich zu betrinken: Eine 1:3-Niederlage von ManCity. Sondierungsgespräche. Eine Woche, in der auf den ersten vier Plätzen der deutschen Albumcharts Helene Fischer, Andrea Berg, Casper und die Kastelruther Spatzen stehen. All das habe ich einigermaßen problemlos und vor allem alkoholfrei überstehen können. Bis zu diesem Konzert im Werk 2. Young Rebel Set machen, man kann das nicht anders sagen, Musik, die danach schreit, Bier zu trinken oder Whiskey oder wenigstens Cider. Sie machen Musik, zu der man sich in den Armen liegen kann, an entfernte Freunde denken oder an die Tatsache, dass man diese Songs auch gut mit seinem Vater genießen könnte. Der Sound ist echt und hemdsärmelig, und ähnlich wie beim durchaus geistesverwandten Frank Turner oder dem auch nicht ganz weit entfernten Bruce Springsteen (in Borders wird die Nähe zu ihm an diesem Abend am deutlichsten) werden diese Lieder noch ein bisschen besser, wenn man ein Bier dabei in der Hand und ein paar Kumpels an seiner Seite hat.
Doch ich bleibe eisern, und das wird wirklich eine Tortur. Nicht nur wegen der feuchtfröhlichen Atmosphäre und der bierseligen Musik, sondern vor allem wegen Sänger Matty Chipcase. 70 Prozent seiner Ansagen, so nimmt es jedenfalls mein von der Abstinenz womöglich bereits in Mitleidenschaft gezogenes Hirn wahr, handeln vom Trinken. Eines seiner ersten Worte an das Publikum im Werk 2 heißt “Prost”, später grüßt er “all the drinkers in the house”. Irgendwann danach folgt die Aufforderung “raise your glass”, während der Zugabe lädt er die Fans für die Zeit nach der Show zum Trinken hinter die Bühne ein, ganz am Schluss bedankt er sich bei einem besonders enthusiastischen Zuschauer, der jeden Refrain mit dem Arm in der Luft (und einem Beck’s in der Hand) mitgesungen hat. Und seine letzten Worte lauten dann wieder: “Prost, let’s have a beer.”
Der Mensch, der an diesem Arm hängt, weiß, wie man ein Konzert von Young Rebel Set genießt.
Wäre ich abergläubisch, würde ich darin (oder in der Tatsache, dass gleich zweimal mein voller Colabecher von einem anderen, sicherlich sternhagelvollen Zuschauer umgekippt wird) das Wirken einer dunklen Macht erkennen, die mich dazu verführen will, eine der 13 verfügbaren Biervarianten im Werk 2 zu konsumieren, und der ich lieber folgen sollte, um es mir nicht mit dem Schicksal zu verscherzen. Aber ich zwinge mich, standhaft zu bleiben. Und Gott sei Dank ist es auch keineswegs so, dass man sich diese Show von Young Rebel Set schönsaufen müsste. Mit The Lash Of The Whip, Lion’s Mouth und Walk On steht ein famoses Triumvirat am Beginn des Konzerts, danach folgen erstaunlich viele ruhige Momente, eingeleitet von einem neuen Song namens One Love. Das Lied wirkt bisschen wie ein Aufeinandertreffen der Dire Straits mit den Pogues, klingt aber besser, als man bei dieser Konstellation vermuten würde. “It works in Germany”, lautet das zutreffende Fazit von Chipcase.
Von den sechs Leuten auf der Bühne (nur Bassist Chris Parmley darf bei Young Rebel Set nicht singen) hat der Sänger die schlechteste Frisur und das uncoolste Outfit, aber er ist dennoch der unbestrittene Mittelpunkt. Berlin Nights ist ein guter Beleg dafür: Chipcase spuckt Feuer und Pfeile und Gift, so viel Leidenschaft und Aufrichtigkeit stecken in seiner Stimme.
Spätestens im Zugabenblock ist die Musik dann berauschend genug, um jeglichen Durst vergessen zu lassen. Beim großartigen If I Was gehen nicht nur der eine oder andere Herzschlag, sondern auch reichlich Fäuste in die Höhe (und, jaja, Hände mit Bechern und Flaschen darin). Und Measure Of A Man, der Schlusspunkt der Show in Leipzig, wird – genau wie von Chipcase angekündigt – das Lied, das den Unterschied zwischen einem guten und einem sehr guten Konzert macht. Am Ende bin ich der womöglich einzig nüchterne Mensch im Saal, aber sehr zufrieden und sicher, dass Young Rebel Set ein bisschen stolz auf mich wären. Denn wogegen sich die im Bandnamen erwähnte Rebellion richtet, ist bei diesen sechs Männern aus Stockton-on-Tees offensichtlich: Gegen alles, was Fake ist. Gegen jeden, der es wagt, das Erbe von Oasis zu schänden. Und gegen Leute, die ihre eigenen Prinzipien verraten.
Hingehört: Volcano Choir – “Repave”
Alles verändert sich ständig. Das ist das zentrale Thema von “Repave”.
| Künstler | Volcano Choir |
| Album | Repave |
| Label | Jagjaguwar |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung |   |
Wohl selten ist eine Band so ungeplant entstanden wie Volcano Choir. Das Sextett war einmal ein Projekt, wohl nur als einmaliges Abenteuer gedacht, auch wenn niemand das formuliert hatte, weil die Flüchtigkeit und Spontaneität so groß war, dass sich die Frage nach einer Fortsetzung gar nicht erst stellte. Es gab ein paar Ideen, ein paar Fragmente, ein paar Sessions, und daraus wurde dann im Jahr 2009 ein Album namens Unmap. Weiter hatte keiner gedacht und die Wahrscheinlichkeit, dass die Beteiligten nie mehr zusammen arbeiten werden, war keinesfalls gering.
Heute sind Volcano Choir, das betonen sie auch selbst gerne, eine richtige Band, in der Justin Vernon (Frontmann von Bon Iver) als Sänger von Jon Mueller (Schlagzeug), Chris Rosenau (Gitarren), Daniel Spack (Gitarren), Matthew Skemp (Bass) und Thomas Wincek (Keyboards) von Collections Of Colonies Of Bees unterstützt wird. Dass es dazu kam, war eine Mischung aus Zufall, Neugier und Magie. Wirklich zusammengefunden haben die sechs Musiker beim Versuch, die Songs von Unmap live zu spielen und dann eine Tour durch Japan zu bestreiten. „Wir dachten, wir spielen in Japan ein paar Gigs für freundliche Menschen. Doch dann war da diese Energie… Uns war klar, dass es mit Volcano Choir weitergehen musste“, sagt Vernon.
Drei Jahre haben sie in den April Base Studios in Wisconsin am zweiten Album gearbeitet. „Die neuen Stücke sollten songorientierter sein, andere Strukturen vorweisen, unsere Energie zum Vorschein bringen“, umschreibt Vernon die Zielsetzung. Das ist gelungen: Lieder wie Comrade vereinen Wärme mit Größe und Klasse. Acetate ist ein gutes Beispiel für den Ideenreichtum der Band, der nichts Spinnertes oder Prahlerisches hat.
Am Beginn steht Tiderays, das die größte Nähe zu Bon Iver aufweist. Die ersten Takte auf diesem Album bieten Schönklang, mit Orgel, akustischer Gitarre, Vernons toller Stimme und ein paar bloß dahingetupften Klaviertönen. Dennoch ist da im Hintergrund die ganze Zeit etwas Ungestümes, das dann nach dreieinhalb Minuten zwar nicht zum Ausbruch, aber immerhin zum Vorschein kommt.
Byegone ist ein weiterer Höhepunkt, das Lied deutet erst ein Maximum an (an Melodie, Drama und Lautstärke), um das dann zurückzunehmen und schließlich doch zur Entfaltung kommen zu lassen. Das können Arcade Fire auch nicht besser. „Rely, rely, rely, rely / behave, behave, behave, behave / Spent all of that time not wanting to”, singt Vernon im Refrain des akustischen Alaskans, und diese paar Worte lassen voll und ganz verstehen, wie aus ihm ein so nachdenklicher, einfühlsamer Künstler werden konnte. „Der Song steht sinnbildlich für den Wandel, den wir durchleben. Wir haben keine Wahl, als uns ständig zu verändern und zu hinterfragen. Als Menschen. Und als Band sowieso“, sagt er dazu.
In Dancepack klingt er wie ein avantgardistischer Bruce Springsteen („There’s still a hole in your heart“, heißt die zentrale Zeile, und das klingt eher wie eine Diagnose als wie ein Vorwurf), in Keel setzt er zu flirrendem Hintergrund am eifrigsten die Kopfstimme ein, die bei Bon Iver zu seinem Markenzeichen geworden ist, auf Repave aber eher vermieden wird.
Der Abschluss Almanac wirkt zugleich futuristisch und uralt und führt hin zu einem spektakulären Echo-Finale, das zu brennen scheint vor lauter Energie und den Hörer nicht unbefriedigt zurücklässt, aber nach mehr verlangend. Spätestens da ist der Moment erreicht, in dem Volcano Choir endgültig als Formation erscheinen, die ihrem Namen voll und ganz gerecht wird. Als Einheit, als Kollektiv, als Band.
Zu Dancepack wurden schon in den Fifties die Hüften geschwungen:
Hingehört: Kings Of Leon – “Mechanical Bull”
Weniger Politur, mehr Swagger: Die Kings Of Leon sind wieder in Form.
| Künstler | Kings Of Leon |
| Album | Mechanical Bull |
| Label | RCA |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
„I walked a mile in your shoes“, singt Caleb Followill in Comeback Story, dem achten Lied auf diesem Album. Es ist ein Satz, der mächtig Spannung aufbaut. Was folgt danach, welche Erfahrungen hat er gemacht durch den Perspektivwechsel, durch das Hineinversetzen in eine andere Person, durch die bewusste Entscheidung zur Empathie? „Now I’m a mile away / and I got your shoes“, heißen die nächsten Zeilen. Das ist ein grandios nüchterner No-Bullshit-Vers. Die Botschaft lautet: Es ist nicht alles kompliziert, es gibt keine tiefere Ebene, es gibt nicht tausend Dimensionen. Es gibt nur das, was man ist, und das, was man tut – und das ist es auch, worauf es ankommt.
Noch in einer anderen Hinsicht ist die Zeile bemerkenswert für dieses Album. Denn nicht zuletzt kann man aus dem Aufbauen von Fallhöhe und der rotzig-lakonischen Fortsetzung auch so etwas wie Humor herauslesen – nicht gerade eine Eigenschaft, die man zuletzt mit den Kings Of Leon in Verbindung brachte, die unlängst sogar blasiert genug waren, ein Konzert abzubrechen, weil ein paar Tauben auf die Bühne (und auf die Musiker) geschissen haben. Comeback Story zeigt, dass die Band mit dem sechsten Album ihre Gelassenheit wieder gewonnen hat. Fast alles auf Mechanical Bull klingt wieder wie aus dem Ärmel geschüttelt, nicht wie am Reißbrett konzipiert.
Noch etwas fällt sofort auf: Die stolze Rückkehr und die trotzige Selbstvergewisserung sind wichtige Motive auf Mechanical Bull, nicht nur in der oben erwähnten Comeback Story. „Cuz it’s always the same / and I’m always the same“, heißt es beispielsweise in Don’t Matter, zu bratzigen Gitarren und einem Schlagzeug, das wie eine Todesmaschine klingt. „I can feel it coming back again“, wird im originellen Coming Back Again immer wieder betont, und im folgenden On The Chin ist dann spätestens mit der Zeile „I’ll take it on the chin for you“ auch das Gefühl vom unverbrüchlicher Kameradschaft und allgegenwärtiger Gefahr wieder da, das dieses Quartett zum Beginn seiner Karriere ausgemacht hat. Das Lied ist eine Wüstenballade, wie sie Creedence Clearwater Revival auch nicht besser hingekriegt hätten, verträumt, abendrot und romantisch.
Es gibt viele Gitarrensoli auf Mechanical Bull, auch ein paar schwächere Momente (Wait For Me plätschert etwas dünn dahin; Family Tree hat jenseits von markantem Bass und herrlich altmodischem Harmoniegesang nicht viel zu bieten), aber es gibt kein Geprotze und vor allem – im Gegensatz zu den letzten Kings-Of-Leon-Platten – keine überflüssige Politur. Das Album wird wirklich immer besser, je öfter man es hört – bei den letzten Werken der Followills musste man noch versuchen, sich diesen Effekt einzureden, bis man dann erkannte, dass es doch nicht funktionierte.
Dass es diesmal anders ist, liegt auch an etlichen Hits. Die Single Supersoaker (geiler Songtitel!) vereint den Sturm und Drang von Bruce Springsteen mit dem Mief des Landlebens, die Gitarren sind feurig und schnell wie einst bei Youth & Young Manhood, das Schlagzeug ist unbarmherzig und der Refrain ist famos. Wenn Caleb Followill, immerhin Spross einer Predigerfamilie, sein „I don’t believe it“ herausschreit, dann klingt es tatsächlich, als ob sich dieser Satz nicht nur auf die amouröse Flüchtigkeit bezieht, um die es in dem Track wohl geht, sondern auf alles.
„I was running through the desert / I was looking for drugs / And I was searching for a woman who was willing to love” (geiler Start!) beginnt Rock City, das nicht nur die Lässigkeit und Selbstverständlichkeit ausstrahlt, die man zuletzt an den Kings Of Leon vermisst hatte, sondern auch ihren Swagger zurückbringt. Das famose Temple hat ein Riff, bei dem jedem Kings-Of-Leon-Fan der ersten Stunde das Herz aufgehen muss, einen schönen Drive und den besten Refrain der Platte.
Beautiful War ist vom ersten Wort an ganz stoisch und doch nicht ganz in der Lage (und willens), die Leidenschaft zu leugnen, die dieser Trennungsszene zugrunde liegt, und die Zeilen „love don’t mean nothing / unless there’s something worth fighting for“ zu glauben. Das Ergebnis ist eine erstaunliche Schnittmenge aus U2-Pathos und Rolling-Stones-Coolness. Auch Tonight setzt auf die ganz große Geste, hat aber genug Herzblut, um sogar einen Bon-Jovi-Chor, mächtig viel Drama und einen Gesang zu rechtfertigen, der wie die Stimme eines Besessenen klingt.
Dass sogar die Bonus Tracks der Deluxe Edition bestens funktionieren, ist ein weiterer Beweis für den kreativen Aufschwung. Work On Me konzentriert sich auf das Nötigste, und doch gibt es nichts, was diesem Song fehlt, der ebenfalls von der Besinnung auf die wahren Werte, auf das Früher, das Sich-treu-Bleiben und das alte Ich handelt, das trotzdem nicht einer Weiterentwicklung im Wege stehen muss. Last Mile Home wird, der Titel lässt es erahnen, wunderbare Autofahrmusik und zeigt (gerade weil hier im Hintergrund so viel passiert), wie sehr die Stimme von Caleb Followill den Sound der Band nach wie vor dominiert.
„It’s loose and down to earth“, hat der Rolling Stone über Mechanical Bull geschrieben, und dieses Urteil, das eigentlich auf Halbherzigkeit hindeuten könnte, muss im Kontext der letzten Alben der Followill-Bande als ein Kompliment betrachtet werden. Mit dieser Platte schaffen es die Kings Of Leon, die Rotzigkeit der Anfangsjahre mit der Stadiontauglichkeit der jüngeren Vergangenheit zu vereinen, wie der Rolling Stone in einem schönen Bild ebenfalls anerkennt: „You can imagine them bashing it out in a shed, albeit a very large one.“
Nicht auf Mechanical Bull, aber so genial, dass es hierhin gehört: Die Kings Of Leon covern Robyn:
Bruce Springsteen, Red Bull Arena, Leipzig
Eindeutig: Der Boss hat die “Elvis-Presley-Schule der Bühnenposen” besucht. Foto: Sony Music
Es ist ein besonderes Lied, mit dem Bruce Springsteen seine Show in Leipzig eröffnet. Roulette erklingt, zum ersten Mal auf dieser Tour. Der Boss ist diesmal nicht so überpünktlich wie sonst, aber schon diese kraftvollen ersten Minuten in der Red Bull Arena sind beeindruckend.
Es ist ein besonderer Song, der dann folgt (denn Bruce Springsteen hat nur besondere Songs): Lucky Town, bei den bisherigen Stationen der schon seit zwei Jahren laufenden Wrecking Ball-Konzertreise ebenfalls noch nie gespielt.
Und es ist ein ganz besonderes Lied, das dann ansteht (und bei dem dann auch die Zuschauer auf den Tribünen in Leipzig aufstehen): Badlands. Als Bruce Springsteen am 19. Juli 1988, vor einem Vierteljahrhundert also und noch vor dem Fall der Mauer, in Ost-Berlin spielte, eröffnete er mit diesem Stück sein Set. Nach inoffiziellen Schätzungen waren damals 300.000 Fans bei seinem Konzert an der Radrennbahn Weißensee, das entsprach sage und schreibe 2,5 Prozent aller erwachsenen DDR-Bürger. Es war eine Show, die Epoche machte, die ein Gefühl von Freiheit hinter den Eisernen Vorhang brachte, von Rebellion, von Mündigkeit und Unbeugsamkeit. Keiner, der dabei war, dürfte dieses Konzert je vergessen können.
Bruce Springsteen ist nicht David Hasselhoff, er würde nie von sich behaupten, die Mauer zu Fall gebracht zu haben mit seiner Musik (auch wenn sein aktuelles Album übersetzt „Abrissbirne“ heißt). Aber er weiß, wie viel dieses Konzert den Menschen im Osten bedeutet hat und noch heute bedeutet. Selbst wenn er es vergessen hätte, würde er in Leipzig wieder daran erinnert: Vor der Bühne halten die Fans Transparente und Schilder hoch, auf denen „Thank you for 1988“ oder „From Berlin to Leipzig – 25 years“ steht. Als Springsteen als erstes Stück im Zugabenblock zwei Stunden später Born In The USA anstimmt, geht er in der Ansage noch einmal auf diese legendäre Show ein, die auch für ihn zu den „most memorable“ in seiner Karriere zählt. Es ist ein Gänsehautmoment.
Das Stück wird frenetisch gefeiert, und das hat einen erstaunlichen Effekt. Denn es wird eindeutig missverstanden, noch immer. Das ist schon oft passiert bei diesem Lied, das eigentlich ein USA-kritischer Song ist, aber schnell als blindes patriotisches Bekenntnis interpretiert werden kann, wenn man nicht allzu genau hinhört. So kam Ronald Reagan auf die aberwitzige Idee, den Song für seinen Wahlkampf zu nutzen. Und so konnte 1988 die DDR-Jugend (zumal sie noch mit Russisch als erster Fremdsprache aufgewachsen war) Born In The USA als Hymne auf den Westen missverstehen, als Lobpreis all dessen, was sonst allenfalls noch Coca Cola in derart purer Form verkörpert.
An diesem Abend in Leipzig wirkt diese Interpretation nach, und Born In The USA wird so auch zu einem Lied über den eigenen historischen Triumph. Seit der friedlichen Revolution kann man in Leipzig wirklich Coca Cola trinken, in die USA reisen, einen Cadillac kaufen – viele der hier Anwesenden hätten das niemals für möglich gehalten, erst recht nicht 1988, als Bruce Springsteen noch der Botschafter eines beinahe irreal erscheinenden Sehnsuchtslands war.
Auch diese neue Wahrnehmung des Songs strapaziert das, was der Autor damit sagen wollte, deutlich über Gebühr, und legt man die verhaltenen Reaktionen auf die durchaus charmanten, witzigen und rührenden Ansagen von Bruce Springsteen zugrunde, dann muss man davon ausgehen, dass ein beträchtlicher Teil der 45.000 Menschen im Leipziger Publikum nach wie vor nicht allzu viel Englisch versteht. Aber das ist egal: Die Botschaft steckt im Sound, im Feeling, in dem, was Bruce Springsteen verkörpert. Und diese Botschaft heißt: Du kannst es schaffen, du kommst irgendwie raus aus dem Dreck, und du sollst dafür verdammt noch mal die harte Route wählen, also die, auf der du anständig bleibst und nicht deine Seele verhökern musst.
Es ist nicht zu fassen, mit wie viel Inbrunst, Begeisterung und schierer Autorität der 63-Jährige drei Stunden lang Musik macht. Wo andere Künstler in diesem Stadion ausgetüftelte Effekte brauchen, gibt es bei Bruce Springsteen bloß: Pappschilder, auf denen die Fans ihre liebsten Lieder notiert haben (und ein paar, auf denen Fotos von Babys zu sehen sind, die nach Bruce-Springsteen-Songs benannt sind). Diese Schilder zappeln vor der Bühne herum wie Fische in einem Aquarium, das bis zum Anschlag gefüllt ist mit Romantik, Intensität und Aufrichtigkeit. Sie halten Bruce Springsteen Abend für Abend vor Augen, wie großartig sein Repertoire ist, wie innig es geliebt wird, was inmitten von politischem Engagement und Jetset-Annehmlichkeiten der Kern seines Lebenswerks ist.
Back Into Your Arms gerät herzzerreißend, Spirit In The Night kündigt er mit dem heiligen Ernst eines Predigers an, bei Hungry Heart überlässt er den Gesang größtenteils dem Publikum. Die Coverversion von Rockin’ All Over The World bereitet ihm kurz vor Schluss sichtlich Freude und die akustische Version von Thunder Road ganz am Ende des Konzerts ist eine Offenbarung.
Open All Night wird eine tolle Party, bei Waitin’ On A Sunny Day herrscht in Leipzig die pure Glückseligkeit (nicht nur bei dem strahlenden blonden Mädchen, das der Boss auf die Bühne holt). Überhaupt erweist sich Springsteen als erstaunlich ausgelassenes Showtalent: Er tanzt mit der Frau vom Roten Kreuz, die eventuelle Kollabierende versorgen soll und dann wohl selbst am meisten in Gefahr gerät, in Ohnmacht zu fallen. Er lässt ein paar Elvis-Posen wieder auferstehen, er gibt Autogramme mitten im Song und er gönnt sich einen Becher deutsches Bier, der aus dem Publikum gereicht und von Springsteen in einem Zug geleert wird.
Natürlich trägt auch die E Street Band ihren Teil dazu bei, dass diese drei Stunden niemals langweilig werden. Chuck Berrys You Never Can Tell, ein weiterer Wunsch aus dem Publikum, wird von den knapp 20 Musikern auf der Bühne spontan improvisiert. Saxofonist Jake Clemons hat reichlich spektakuläre Auftritte und Steve van Zandt darf immer wieder unter Beweis stellen, dass er nicht nur der schildkrötigste Mensch aller Zeiten ist, sondern auch ein Monster-Gitarrist. Jeder Moment, jede Silbe, jede Gitarrennote, jedes Saxofonsolo hat dabei einhundert Prozent Intensität, und daran ändert sich nichts, bis Light Of Day als letztes Lied des regulären, gut zweistündigen Sets erklingt, sagenhaft heavy und energisch.
Bei all dieser Musikalität beeindruckt am meisten aber die Stimme von Bruce Springsteen. Man fragt sich, wo dieser 63 Jahre alte Mann all die Energie her nimmt, all die Wut, all die Liebe, die darin steckt. Man muss anerkennen: Es wäre schlicht ungerecht, wenn Bruce Springsteen bei so viel Talent und Engagement kein Weltstar wäre. Und man muss gestehen: Man kann die feurigsten, aufrichtigsten der aktuellen Stars nehmen (Frank Turner meinetwegen oder The Gaslight Anthem) und man wird nicht dergleichen finden.
Dazu trägt auch bei, dass Bruce Springsteen derart uneitel ist. Er flirtet in Leipzig per Videoleinwand mit einer Dame, die sagen wir: eine ganze Menge hat, mit der sie eine Zeile wie „wiggle your legs“ illustrieren könnte. Er erzählt davon, wie ihm der Schweiß den Arsch herunter rinnt. Er liefert ehrliche Arbeit, mit ehrlichen Liedern, und er erntet dafür von 45.000 Menschen ehrliche Bewunderung und Dankbarkeit. Er läuft etwas langsamer über die Bühne als 1988, und er schnauft ein bisschen länger durch. Aber er ist noch nicht müde, beteuert er, auch nach zwei Jahren auf Tour, auch als 63-Jähriger. Man kann sich nach diesem Konzert in Leipzig nicht vorstellen, dass das Feuer in Bruce Springsteen jemals erlöschen wird. Wenn irgendwann alle seine Organe versagen, wird sein Herz noch schlagen.
Thunder Road, ganz am Schluss und ganz famos:
Hingehört: Frank Turner – “Tape Deck Heart”
Frank Turner ist auch auf “Tape Deck Heart” so cool, weil er nie cool sein will, sondern bloß echt und gut.
| Künstler | Frank Turner |
| Album | Tape Deck Heart |
| Label | Xtra Mile Recordings |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung |  |
Es gibt ein paar Dinge, die tut man als Mann viel zu selten. Seine Kumpels in den Arm nehmen. Seine Schwester anrufen. Um seine Vorfahren weinen. Seien wir ehrlich: Die meisten von uns Kerlen sind emotionale Wichte.
Zum Glück haben wir aber Frank Turner. Einen Mann, der für BlutSchweißUndTränen steht, für NoBullshitAuthentizität, für DasHerzAmRechtenFleck. Wir können seine Musik hören. Seine Stimme, die immer ein bisschen lauter, höher und leidenschaftlicher singt, als sie eigentlich zu vermögen scheint. Seine Lieder, die Pferde stehlen, Trost spenden, Leben retten können. Und dann können wir für einen kurzen Moment merken, wie schön, intensiv und hoffnungsvoll das Leben doch wäre, wenn man nicht ständig versuchte, cool zu sein.
An Frank Turner kleben eine Menge Begriffe, die absolut nicht cool sind: sympathisch, ehrlich, politisch. Seinem stetigem Aufstieg stand all das nicht im Weg: Der 31-Jährige, der als Sänger der Post-Hardcore-Band Million Dead begann, hat mittlerweile 300.000 Platten verkauft und durfte im vergangenen Jahr gemeinsam mit Paul McCartney, Duran Duran und den Arctic Monkeys die Olympischen Sommerspiele in London eröffnen. Natürlich macht ihn all das dann doch unfassbar cool.
Tape Deck Heart, sein fünftes Studioalbum, kann mit einigem Recht als bisheriger Höhepunkt seiner Karriere angesehen werden. Nicht nur, weil die Platte ihm mit Platz 2 in seiner englischen Heimat die mit Abstand höchste Chartplatzierung eingebracht hat. Sondern vor allem, weil es ein Meisterwerk von zwölf famosen Songs ist, die einen Künstler zeigen, der genau weiß, was er will und kann, ohne auch nur in die Nähe von Abgehobenheit zu gelangen.
Dazu passt auch ein gut funktionierender Shit Detector, der Frank Turner davor bewahrte, Tape Deck Heart zu überfrachten. Das Album sollte auf keinen Fall länger als 45 Minuten werden, hatte er sich vorgenommen: „Wir hatten rund 25 Songideen, als wir uns ins Studio begaben, und nicht alle davon waren wirklich gut“, sagt er. „Also dampften wir das Material auf die besten zwölf Songs zusammen. So passt es auch ganz wunderbar auf eine Seite einer C90-Kassette.“
Am Beginn steht die erste Single Recovery, ein Lied, das vordergründig von Liebeskummer, Schuldgefühlen und Flucht in den Rausch erzählt, aber eigentlich von Romantik und Zusammenhalt handelt. Schon in den ersten Sekunden, wenn nur Gesang und Gitarre zu hören sind, kann man sich der Dringlichkeit nicht entziehen, die Frank Turner ausstrahlt. Im Refrain steckt dann all die Hoffnung und Zuversicht der Welt: Er singt wie ein Gefangener, der endlich seine Ketten gesprengt hat, wie ein Taugenichts, der sein erstes selbst verdientes Geld in der Tasche hat, oder wie ein Jungspund, der gerade ein Kuss von einem Mädchen bekommen hat, von dem er sich nicht mal ein Lächeln zu erhoffen gewagt hätte.
Immer wieder überrascht Tape Deck Heart mit enormer Eingängigkeit. Produzent Rich Costey (Franz Ferdinand, Weezer) dürfte daran einigen Anteil haben. Vielleicht hat auch die kalifornische Sonne während der Aufnahmen in Burbank mitgeholfen. The Way I Tend To Be beispielsweise ist schlicht ein sehr hübscher Popsong über Einsamkeit und die Suche nach dem Glück. Das beinahe pompöse Oh Brother gönnt sich ein paar Flöten, ein mächtiges Klavier und ein Gitarrensolo. Losing Days ist damit beschäftigt, sich mit dem Älterwerden abzufinden, und nicht nur wegen der prominenten Mandoline klingt das wie REM oder gar die Hooters.
Den Vogel schießt Four Simple Words ab, das bisher schlicht und ergreifend beste Lied des Jahres: Der Track beginnt wie eine Musicalnummer, wird dann zum Folk-Schunkelliedchen und zum Punkrockfeger, jeder Part ist dabei grandios gelungen. Wenn dann nach dem zweiten Refrain nichts weniger als die Essenz des aufrichtigen Rock’N’Roll eingefordert wird, dann ist das schlicht atemberaubend.
Bei allem Hitpotenzial wird die Platte dennoch niemals oberflächlich oder gar anbiedernd. Immer wieder bricht Frank Turner aus aus dem mitunter glamourösen Sound, gönnt sich reduzierte, intime Momente wie das Break in The Way I Tend To Be oder das akustische, wehmütige Good & Gone (mit der wunderbaren Textzeile „Fuck you Motley Crue“).
Nicht zuletzt sind seine Themen mitten aus dem Leben. Polaroid Picture trauert den noch gar nicht so lange zurückliegenden Jahren des eigenen Sturm und Drang nach und erkennt doch an, dass eine neue Generation nachfolgt, die ihre eigene Party feiert. Das am Ende hymnische The Fisher King Blues blickt sagenhaft weise und gelassen auf das Leben („We’re all broken boys and girls, at heart / Come together fall apart“), schüttelt beinahe amüsiert den Kopf über all das amouröse Treiben und ist dennoch kein bisschen immun gegen den Schmerz, den dieses Treiben mit sich bringen kann. Anymore erzählt ganz unsentimental vom Ende einer Liebe, und wird gerade deshalb so herzzerreißend.
Plain Sailing Weather handelt von Unrast und Verlockungen, mit einem blutenden Herzen gesungen und einem Geist, der die eigene Unvollkommenheit zu 99 Prozent verflucht und doch zu 1 Prozent genießt: „The problem with falling in love in late bars / Is that there’s always more nights, there’s always more bars / The problem with showing your lover your scars / Is that everybody’s lover is covered in scars“, singt Frank Turner, und wenn es gegen Ende dazu reichlich Schlagzeugwirbel gibt, dann könnte man ihn fast für einen Flagellanten halten ob all dieser Aufrichtigkeit und Selbstanklage.
Nach einem Song wie dem unfassbaren Tell Tale Signs dürfte man eigentlich keinen anderen auf der Welt mehr guten Gewissens als „Liebeslied“ bezeichnen, so viel Gefühl, Bitterkeit und Wärme steckt in diesen 253 Sekunden. Es ist eines von vielen Liedern, die man gerne so schnell wie möglich selbst auf der Gitarre spielen möchte, um ihnen noch ein bisschen näher zu kommen, um sie noch ein bisschen besser nachfühlen zu können.
Ganz wenige Musiker haben diese Mischung aus Echtheit und Feuereifer hinbekommen, aus Bodenständigkeit und Attraktivität, aus dem, was unser aller Leben ist, und der Kunst, daraus die ganz besonderen Momente (und Zeilen) zu destillieren. Bruce Springsteen hat es vor langer Zeit geschafft, The Streets, die Arctic Monkeys in ihren Anfangsjahren. Frank Turner gelingt das jetzt schon seit sieben Jahren, immer intensiver, immer besser. Tape Deck Heart ist ein Album, das man sofort an alle Freunde verschenken will, auf dass auch sie daraus Kraft schöpfen können. Frank Turner ist ein Name, den man sich sofort tätowieren lassen muss. Mitten aufs Herz.
Ein Making Of von Tape Deck Heart:
Hingehört: Elliott Murphy – “It Takes A Worried Man”
Ohne Reue blick Elliott Murphy auf seine 40-jährige Karriere zurück.
| Künstler | Elliott Murphy |
| Album | It Takes A Worried Man |
| Label | Blue Rose |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | **1/2 |
Man könnte meinen, mit Amerika habe Elliott Murphy nicht mehr viel am Hut. It Takes A Worried Man, das 33. Album seiner Karriere, hat der gebürtige New Yorker, der seit mehr als 20 Jahren in Frankreich lebt, unter anderem in Belgien aufgenommen, mit Mitstreitern aus Frankreich und für eine deutsche Plattenfirma.
Eine gute Dosis Entfremdung von der Heimat könnte man sogar nachvollziehen. Die USA sind heute ein ganz anderes Land als vor 40 Jahren, als Murphys erster Longplayer Aquashow erschien: Der Präsident ist nicht Nixon, sondern Obama, die US-Truppen ziehen nicht aus Vietnam ab, sondern aus Afghanistan, und statt einer Öl- gibt es eine stattliche Finanzkrise. Doch Elliott Murphy trägt die Geschichte, die Kultur, den Sound seines Heimatlandes so sehr im Herzen wie nur irgendjemand.
Auf It Takes A Worried Man gibt es reichlich Beweise dafür, und der eindeutigste davon ist Eternal Highway kurz vor Ende des Albums. Das Lied lässt zwangsläufig Trucker-Romantik aufkommen, mit viel Entspanntheit und einem kleinen Rest von Abenteuerlust. Vor allem aber beeindruckt es mit seinem fast stoischen Blick auf die Endlichkeit des Daseins. Jede Straße ist irgendwann zu Ende, jeder Tank ist irgendwann leer, jedes Leben ist vergänglich. „I might be burning with light / but my flame will go out one day, I know, I know“, singt Elliott Murphy zu beinahe prototypischen Americana-Klängen (inklusive Mundharmonika). Doch es ist keine Spur von Fatalismus dabei. Dieser Mann, gerade 64 Jahre alt geworden, ist schlicht und ergreifend mit sich im Reinen.
Noch klarer wird das ein Lied später, im Rausschmeißer Even Steven. Nur Gesang und Klavier gibt es da, und dazu diese Zeilen: „Success is such a dirty word / it changes meaning all the time / And what I have that I know is mine / is not the same as I wanted when I was 29 / you tell me who my heroes are / no fucking falling rock stars.” Das zeigt: Elliott Murphy, einst (wie so viele) als “neuer Dylan” gefeiert und im Dunstkreis von Velvet Underground, den Ramones, Patti Smith oder den Talking Heads an der Spitze dessen, was als musikalisch wegweisend galt, trauert keiner einzigen verpassten Chance nach, auch wenn er es nie ganz nach oben in den Hitparaden geschafft hat.
Dieser Blick zurück ohne Zorn ist beinahe ein Leitmotiv auf It Takes A Worried Man. In Day For Night, mit schönem Drive und einer etwas düsteren Tarantino-Atmosphäre, gesteht Murphy selbst: „It’s a long way back to 1972.“ Aber auch hier spürt man überdeutlich seine Freude an dem, was er jetzt hat, an der Gegenwart.
Dazu gibt es auch allen Grund: Olivier Durand zeigt wieder sein Können als Gitarrist (und hat an einigen Stücken auch mitgeschrieben), dazu glänzen die übrigen bewährten Normandy All Stars: Laurent Pardo (Bass) und Alan Fatras (Schlagzeug). Auch Gaspard Murphy, der Sohn des Altmeisters, trägt als Produzent und Musiker einen guten Teil zu einem unspektakulären, aber sehr souveränen Americana-Album bei.
Litte Bit More profitiert von einer schönen Trompete und klingt wie Bruce Springsteen, wenn der sich mal ein Stückchen zurücklehnt. I Am Empty beginnt akustisch und gebrochen, wird nach dem ersten Refrain aber zu einer trotzigen Kampfansage, an deren Ende ein üppiges Gitarrensolo steht, und in der Patti Scialfa (die Ehefrau von Bruce Springsteen) sehr hübschen Hintergrundgesang beisteuert. Little Big Man hat reichlich kalifornische Luft geatmet, ist dezent tanzbar irgendwo in der Nähe von beschwingteren Eagles-Songs und hat die schönste Zeile des Albums zu bieten: „Love’s a tired idea / but it’s making a fast comeback.“
Im folkigen Titelsong kommt Murphys eigenartige Stimme am besten zur Geltung. Man kann sich wenige Sänger vorstellen, aus deren Mund die Zeilen „It takes a worried man / to sing a worried song“ so überzeugend klingen würden. Und was es ist, was Elliott Murphy im Jahr 2013 beunruhigt? Die Unberechenbarkeit der Liebe (He’s Gone), die Stolpersteine des Lebens (Then You Start Crying) oder die Kraft, die die Versuchung auch auf einen 64-Jährigen noch ausüben kann (das knackige, in der Nähe von Tom Petty anzusiedelnde Angeline).
Die Musik ist ganz unzweifelhaft die Medizin, mit der Elliott Murphy längst gelernt hat, all das zu ertragen. It Takes A Worried Man hört man an, wie sehr er es nach wie vor genießt, zusammen mit ein paar Kumpels zu rocken. Der vierte Track des Albums ist wieder so einer, der reichlich von dieser Lust auf Musik verströmt, mit ein bisschen Nostalgie, aber keiner Spur von Reue. Er heißt so, wie die wahre Heimat von Elliott Murphy, die längst weder in New York noch in Paris liegt. Sondern in Murphyland.
Elliott Murphy spielt Angeline live:
Hingehört: The Killers – “Battle Born”
Die Killers spielen die Killers – das ist das Prinzip von “Battle Born”.
| Künstler | The Killers |
| Album | Battle Born |
| Label | Island |
| Erscheinungsjahr | 2012 |
| Bewertung | **1/2 |
Battle Born – geboren in der Schlacht. Wer aus diesem Titel schließt, dass bei den Aufnahmen zum vierten Killers-Album so richtig die Fetzen flogen, liegt falsch. Nach Day & Age (2008) und der längeren Pause, die drei Viertel der Band für eigene Projekte nutzten, kamen die Killers zwar zunächst etwas schwer in Gang. Aber nach allem, was man hört, liefen die Sessions dann recht harmonisch.
Battle Born steht vielmehr für etwas anderes. Die zwei Wörter zieren die Fahne von Nevada, der Heimat der Killers, und sie erinnern daran, dass der Bundesstaat 1864 auf den Trümmern des amerikanischen Bürgerkriegs gegründet wurde.
Ihr eigenes Studio in Las Vegas haben die Killers ebenfalls „Battle Born“ genannt, und dass nun auch das dort entstandene Album diesen Titel trägt, kann nur eins bedeuten: Die Killers wissen, wo sie herkommen, und sie sehen (mittlerweile) keinen Grund mehr, sich dafür zu entschuldigen. Das ist nicht nur geografisch gemeint, sondern auch musikalisch. Die eigene Geschichte, die Irrungen und Wirrungen, die Täler und Triumphe haben das Ego dieser Band geprägt und gefestigt. „Man hört einfach, dass wir uns heute sehr viel wohler fühlen mit dem, was wir sind – ja, dass wir inzwischen sogar stolz sind auf das, was wir sind“, sagt Sänger Brandon Flowers.
Das Prinzip von Battle Born sollte deshalb sein: Hier gibt es The Killers pur, also Brandon Flowers, Dave Keuning, Mark Stoermer und Ronnie Vannucci bei dem, was sie am besten können. Große Gefühle, große Show, große Gesten, große Refrains. Las Vegas eben. Die Fans lieben das: In England erreichte die Platte (wie alle Killers-Alben) die Spitze der Charts, in Deutschland gab es Platz 2 für Battle Born, in den USA immerhin Platz 3.
Als Prototyp für das Album kann die erste Single gelten, Runaways. Die ersten Ideen für den Song trugen die Killers schon eine ganze Weile mit sich herum, aber sie wussten „nie so recht, wo wir dieses Stück unterbringen sollten. Auf Day & Age haben wir schließlich eher versucht, unsere poppige Seite nach außen zu kehren – doch Runaways ist nun mal Roots-Rock, durch und durch amerikanisch, und das passte so nun mal nicht zusammen“, sagt Brandon Flowers. „Trotzdem war mir die ganze Zeit klar, was für ein großer Song das war. Als es dann jedoch darum ging, dieses neue Album zu machen, waren wir uns sofort darüber einig, dass wir ausnahmslos nur das machen wollten, was wir richtig gut können: The Killers schreiben nun mal eine gewisse Art von Song – und daran sollte sich auch nichts ändern. Insofern war Runaways eine Art Startschuss für den neuen Longplayer.“ Und der klingt jetzt tatsächlich sagenhaft amerikanisch und mega-dramatisch. Die Strophe ist Bruce Springsteen, der Refrain ist Meat Loaf – es gibt nur eine Band, die sich an diese Kombination wagt, ohne mit der Wimper zu zucken: die Killers.
Auch der Opener Flesh And Bone strotzt vor Ambitionen, mit Eighties-Sound (eher Erasure als die Pet Shop Boys) und großem Coldplay-Finale. Die Theatralik von The Way It Was erreicht beinahe Musical-Dimensionen. Ganz am Schluss erklingen im Titelsong ein Monsterschlagzeug, reichlich Computergeigen und ein Neonlichtgitarrenriff, wie das Bon Jovi auch nicht schamloser kombinieren könnten. Der Ballade Here With Me gelingt eine tolle Balance aus Plastik und Herzblut, wie das früher auch Suede hinbekommen haben. A Matter Of Time könnte nicht einmal dann bombastischer sein, wenn irgendwo in den Songwriting-Credits der Name Roland Emmerich auftauchen würde.
Wirklich alles auf Battle Born ist im roten Bereich, wird bis zum letzten ausgereizt und nicht selten auch überzeichnet. Das verleiht dem Album einen erstaunlich einheitlichen Sound, denn die Arbeit an der Platte war weitgehend Stückwerk für The Killers. Die Band hätte gerne mit einem festen Produzenten gearbeitet, aber Terminprobleme ihrer Wunschkandidaten ließen das nicht zu. Deshalb sind nun insgesamt fünf Produzenten vereint (zum Beispiel drei Tracks von Brendan O’Brien und zwei von Stuart Price). Diese Notlösung habe der Band aber „gezeigt, dass The Killers eine ganz spezifische Herangehensweise verfolgen, einen ganz eigenen Ansatz als Songwriter. Immerhin waren wir mit fünf verschiedenen Produzenten im Studio, und trotzdem klingt das Resultat durch und durch nach uns“, stellt Schlagzeuger Ronnie Vannucci im Rückblick ganz zutreffend fest.
Daniel Lanois, einer aus der illustren Fünfer-Riege, griff sogar selbst zur Gitarre und sorgte so dafür, dass Heart Of A Girl entstand. „Wir haben das Stück komplett live in einem Take eingespielt, und doch hat es nur eine Stunde gedauert, bis alles im Kasten war: ein paar Versuche und fertig. Die Nummer aufzunehmen hat wahnsinnig viel Spaß gemacht“, sagt Ronnie Vannucci. Man hört der wunderbaren Atmosphäre des Songs diese Spontaneität an, und am Ende erwächst aus der Zurückhaltung dann eine stattliche Menge Erbauung – das kennt man auch von U2, für die Lanois ebenfalls schon am Werk war.
Auch The Rising Tide ist eher gitarrenlastig und hätte gut auf Sam’s Town gepasst. Zudem ist der Track ein gutes Beispiel für die Düsternis, die dieses Album durchzieht. „The truth’s gonna come and cut me open wide / And you can’t escape the rising of the tide”, singt Brandon Flowers hier. Auch sonst sind seine Texte diesmal oft geprägt von unsichtbaren Bedrohungen, verfallenen Kulissen und Desperados, die sich in diesen schlimmen Zeiten nur noch an sich selbst und ihresgleichen aufrichten können.
Selbst die Liebeslieder sind davon durchzogen, wie die wundervolle Ballade Be Still. „Life is short / to say the least / we’re in the belly of the beast”, heißt es da. „Wir haben noch nie so lange an einem Album gearbeitet, und ich habe auch noch nie so lange an den Texten gesessen“, sagt Brandon Flowers. Die Mühe hat sich durchaus gelohnt. Natürlich gibt es bei ihm hin und wieder Ausrutscher à la „Are we human or are we dancer?“ (Prize Fighter, einer von drei Bonustracks auf der Deluxe Edition von Battle Born ist so ein Fall), aber insgesamt sorgen die Texte dafür, all das Melodrama dieses Albums ein wenig zu erden und so etwas wie eine stimmige Atmosphäre zu schaffen.
Ein Problem hat Battle Born (neben dem hohlen und substanzlosen Deadlines And Commitments) aber doch: Es fehlt der Über-Hit. Vieles ist okay, aber wenig ist herausragend. Selbst eine zweite Single nach Runaways lässt sich schwer ausmachen. Natürlich ist da noch Miss Atomic Bomb (der Titel bezieht sich auf einen Schönheitswettbewerb in Las Vegas in jener Zeit, als überirdische Atomtests noch eine Touristenattraktion in Nevada waren), das herrlich weit ausholt und mit seiner Gitarre am Ende kurz Mr. Brightside zitiert. Auch das zackige From Here On Out (dessen Refrain allerdings fatalerweise wie von Chris de Burgh klingt) ist vergleichsweise auf den Punkt. So viel Punch haben aber die wenigsten Songs auf dieser Platte – ein paar Mal kippt die neue Zufriedenheit der Killers leider in Selbstgefälligkeit.
Für den Auftritt bei Letterman hatte die Hälfte der Killers leider ihre Lederjacken vergessen:
Im März gibt es die Killers dreimal live in Deutschland zu sehen:
04.03.2013 Hamburg, o2 World
05.03.2013 München, Zenith
07.03.2013 Köln, Lanxess Arena
Hingehört: Dropkick Murphys – “Signed And Sealed In Blood”
Weniger Konzept, mehr Hits: Das ist das Konzept für “Signed And Sealed In Blood”.
| Künstler | Dropkick Murphys |
| Album | Signed And Sealed In Blood |
| Label | Cooperative Music |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | ***1/2 |
Ganz ehrlich: Die Dropkick Murphys auf Platte, das ist auch beim achten Album der Band noch immer ein wenig so, als würde man einen richtig guten Whiskey aus einer Plastikflasche trinken. Das echte Erlebnis gibt es bei der Band aus Massachusetts in den Konzerten, bei denen man gewiss sein kann, dass man nicht am Türsteher vorbei kommt ohne ein paar Tattoos, ein paar Bier intus und ohne das Herz am rechten Fleck.
Signed And Sealed In Blood ist dennoch ein Riesenspaß, auch auf Platte. In den USA hat das Werk schon Platz 9 der Charts erklommen, auch hierzulande wird es die Fans der Dropkick Murphys begeistern. Denn in gut 45 Minuten Folkpunk gibt es viel Power, Leidenschaft und ein bisschen Romantik. Und für alle, die auf das Live-Erlebnis warten, ist es auch nicht mehr lange hin: Ab Ende Januar ist das 1996 gegründete Septett in Deutschland auf Tour.
Dass die Shows eine große Sause werden, ist so gut wie garantiert. Denn nach dem Quasi-Konzeptalbum Going Out In Style gibt es diesmal wieder weniger Hintergrund, dafür mehr Hits. Signed And Sealed In Blood bietet „just us having fun and making the most catchy, singalong kind of songs we can”, umschreibt Bassist Ken Casey die Herangehensweise. “We wanted to make an aggressive and over-the-top album that exuded what we love about this band. Everything is a little bit bigger, a little bit louder, and a little bit clearer. We wanted to turn up the guitars and background vocals and make it sound like 10,000 people in a stadium. That’s the feeling.” The Boys Are Back klingt dementsprechend gleich zum Beginn nach Irland, Kneipe und Fußballstadion. Oder aber: Nach Gaslight Anthem plus Adrenalin plus Testosteron.
Burn entwickelt mit seinem Knüppelschlagzeug irre viel Druck, The Battle Rages On ist nicht mehr weit von Metal entfernt. Das packende My Hero hat viel Wut im Bauch, so ähnlich wie Don’t Tear Us Apart würde Bruce Springsteen wohl heutzutage klingen, wenn er noch Lust auf richtig plakative, mitreißende Momente hätte. Und Out On The Town lässt vermuten, dass der patentierte Status-Quo-Boogie in einer Hafenkneipe erfunden wurde.
Jimmy Collin’s Wake ist als fünftes Lied das erste Stück, das nicht mit blutendem Herzen und vollkommen atemlos daherkommt, sondern so etwas wie Gelassenheit ausstrahlt. Aber auch wenn das Akkordeon erklingt oder es mit anderen Mitteln etwas traditioneller wird, bewahren die Dropkick Murphy’s immer ihre Kraft. Die Single Rose Tattoo (einige Fans dürften den Song schon kennen, denn er erklang beispielsweise schon bei den Fesitivalauftritten im vergangenen Sommer) demonstriert das. Der Song bleibt beinahe akustisch, Atmosphäre, Thema und Attitüde lassen an eine Ballade denken, trotzdem bleibt das Lied schmissig.
Das gilt auch für The Season’s Upon Us, den perfekten Weihnachtssong (samt Tamburin und Flötensolo) für die dysfunktionale Familie. “Everybody was like, ‘Write a Christmas song!’”, erinnert sich Ken Casey. “So I sat down with a pen and paper, and I thought, ‘Fuck, there are million Christmas songs? How do you top the greats?’ I decided to go the other way and write something for the large percentage of the population who either don’t like the day itself or their families. I wanted to point out some realities. It’s more fun that way. There’s some sarcasm, humor, and truth. I think the world has enough timeless Christmas classics…it needs a few more for the poor jerk who has lost it all and has nobody or worse off has tons of family members who all suck worse than the next.”
Natürlich wird in diesem Lied an Heiligabend gebechert, und auch sonst sind Whiskey, Guinness & Co. auf Signed And Sealed In Blood allgegenwärtig. Besser als Out Of Our Heads kann ein Soundtrack für ein Saufgelage nicht klingen, und der schunkelnde Rausschmeißer End Of The Night ist so etwas wie das Nein Mann, ich will noch nicht gehen für den bekennenden Eckkneipenromantiker.
Unterm Strich bleibt eine Platte für alle, die Mumford & Sons ganz nett finden (deren Winston Marshall spielt übrigens das Banjo auf Rose Tattoo), aber sich einfach ein bisschen mehr Action wünschen. Vielleicht sogar das ultimative Dropkick-Murphys-Album, das Ken Casey einmal so umschrieben hat: ”It makes you want to laugh. It makes you want to cry. It makes you want to punch someone in the face. It makes you want to be happy.” Bei Signed And Sealed In Blood kann er hinter jeden Satz ein Häkchen setzen.
So kaputt kann Weihnachten sein: Das Video zu The Season’s Upon Us:
Homepage der Dropkick Murphys.
Hingehört: The Lumineers – “The Lumineers”
Mumford & Sons auf echt Amerikanisch – so könnte man The Lumineers zusammenfassen.
| Künstler | The Lumineers |
| Album | The Lumineers |
| Label | Dualtone |
| Erscheinungsjahr | 2012 |
| Bewertung | *** |
Preisfrage: Wie klingt die Musik einer Band, die entstand, als der beste Freund des Sängers und Bruder des Schlagzeugers im Alter von 19 Jahren an einer Überdosis starb, die per Kleinanzeige nach einem Cellisten sucht und die einen Song namens Dead Sea in ihrem Repertoire hat?
a) wie Katy Perry, nur bunter
b) wie DJ Ötzi, nur lauter
c) scheißtraurig
Richtig. The Lumineers, das in den USA schon im April veröffentlich wurde (Platz 11 in den Charts, Goldstatus und zwei Grammy-Nominierungen sprangen dabei heraus), ist ungefähr das Gegenteil einer Partyplatte. Es gibt stattdessen viel Liebes- und anderen Kummer. Das Wunderbare dabei ist die Form, die Sänger Wesley Schultz, Drummer Jeremiah Fraites (beide aus New Jersey, mittlerweile aber in Denver zuhause) und Multi-Instrumentalistin Neyla Pekarek (sie war es, die sich auf die Kleinanzeige gemeldet hat) dafür gefunden haben: feine, unprätentiöse, leidenschaftliche Americana-Klänge.
Eigentlich müsste man den Lumineers vorwerfen, sie würden schamlos Mumford & Sons nachahmen, wenn die nicht ihrerseits all die amerikanischen Vorbilder in ihrem Sound verschmolzen hätten, die auf diesem Debütalbum ebenfalls Pate standen. Flowers In Your Hair könnte am Beginn des Albums als Track von Bob Dylan durchgehen, in Classy Girls wird der Gesang danach noch ein bisschen gewagter, kaputter und weiser, bis im Refrain die typische Mumford & Sons-Dramaturgie greift: Steigerung, Feuer und 2/4-Takt. Fast möchte man wetten, dass Wesley Schultz gleich „I will wait, I will wait for you“ singen wird.
Das vom Klavier getragene Submarines ist etwas abstrakter und findet damit so etwas wie die Mitte zwischen den Cold War Kids und Clap Your Hands Say Yeah. Big Parade ist extrem reduziert und zugleich so souverän, wie das eigentlich nur Altmeister wie Bob Dylan, Tom Petty oder Bruce Springsteen hinbekommen. Der wichtigste Bezugspunkt kommt aber aus Jacksonville: Das bereits erwähnte Dead Sea klingt, als würde Ryan Adams nur mit seiner Gitarre und gebrochenem Herzen (und ein bisschen Schlagzeug) durch Nashville ziehen. Slow It Down klingt dann wenig später so, als würde Ryan Adams nur mit seiner Gitarre und gebrochenem Herzen (und zwei Flaschen Whiskey) in seinem Schlafzimmer heulen.
Das ist alles denkbar klassisch, aber auch genau so gewollt. “Wir erfinden das Rad nicht neu. Die Songs sind extrem einfach, die Ideen sind sehr einfach. Jeder, der ein Instrument beherrscht, kann einen Lumineers-Song spielen. Aber ich denke, unsere Musik hat ein ganz besonderes cinematisches Flair”, sagt Schlagzeuger Jeremiah Fraites. Am deutlichsten wird das in Flapper Girl, dessen Melodie beinahe Revue-Charakter hat. Auch der Morning Song ganz am Ende des Albums passt zu dieser Umschreibung, denn er klingt episch und groß – und muss das letzte Lied sein, weil die Band hier wirklich alles reinlegt, was in ihr steckt.
Bei aller Melancholie und aller Intensität wird The Lumineers aber niemals niederschmetternd. Charlie Boy beispielsweise ist so aufrichtig verloren wie die schönsten Momente der Band Of Horses. Trotzdem steckt auch mindestens ein Fünkchen Hoffnung in dem Lied. Und dann ist da ja noch Ho Hey, der Song, der den Lumineers den Durchbruch beschert hat. Zu so etwas wie einer Countryballade schreit da jemand im Hintergrund immer abwechselnd „Ho“ und „Hey“, und diese Ausgelassenheit wird dann im tollen, packenden, entwaffnenden Refrain noch gesteigert. „I belong to you / You belong to me / You’re my sweetheart“ lautet der Text dazu. Könnte doch fast von Katy Perry stammen, oder?
Das Video zu Ho Hey lässt vermuten, dass The Lumineers doch nichts gegen Party haben. Und zwar bevorzugt in Kraftklub-Outfits:
Im Frühjahr sind The Lumineers übrigens für vier Konzerte in Deutschland:
27.02.2013 Köln | Luxor
28.02.2013 Berlin | Postbahnhof
02.03.2013 München | Muffathalle
04.03.2013 Hamburg | Grünspan
Hingehört: Mumford & Sons – “Babel”
Innigkeit + Wucht + Ergebenheit = “Babel”.
| Künstler | Mumford & Sons |
| Album | Babel |
| Label | Gentlemen Of The Road |
| Erscheinungsjahr | 2012 |
| Bewertung | *** |
Eigentlich ist das alles kein Wunder. Die Kids heutzutage laufen ja schon als Achtjährige durch die Straßen, als wären sie mindestens so cool wie Samuel L. Jackson (und hätten Haare am Sack). Mit 13 werden sie schwanger und mit 21 haben sie einen Hochschulabschluss. Da ist es wahrscheinlich nur konsequent, dass sie als 25-Jährige schon klingen wie alte Männer.
Mumford & Sons haben aus diesem Rezept eine Erfolgsformel gemacht. Ihr Sound, irgendwo zwischen Folk, Rock und Country, klingt wie die Musik, die vor ein paar Jahren noch liebend gerne vom Blue-Rose-Label exklusiv an alte Säcke verkauft wurde. Sie klingt wie Bob Dylan beim Hootenanny. Wie Eddie Vedder in der Einwanderungsbehörde von Texas. Wie Mark Knopfler auf seinem letzten Album. Wie, mein Gott, die Pogues und die Hooters.
Dieser Sound wird Marcus Mumford, Ben Lovett, Winston Marshall und Ted Dwane förmlich aus den Händen gerissen: Ihr Debüt Sigh No More (2009) hat sich sagenhafte acht Millionen Mal verkauft. Dazu kommen Grammy-Nominierungen und die erstaunliche Tatsache, dass junge Männer, infiziert vom Mumford-Virus, sich wieder reihenweise einen Bart wachsen lassen und der weltweite Absatz von Banjos sich seit 2009 schätzungsweise vervierfacht hat.
Babel, das gerade erschienene zweite Album von Mumford & Sons, knüpft nahtlos an diese Erfolge an: In England ist die Platte auf Platz 1 und in Deutschland auf Platz 2 der Charts eingestiegen. In den USA hat Babel in der ersten Woche seit der Veröffentlichung schon mehr als 600.000 Einheiten verkauft. Das ist der bisherige Bestwert für dieses Jahr. In Worten: mehr Absatz als Justin Fucking Bieber.
Das Erfolgsgeheimnis ist dabei gar nicht so schwer zu erklären. Das Quartett um Frontmann Marcus Mumford bietet genau das, was in diesen Krisenzeiten heiß begehrt ist: Authentizität, Leidenschaft, Identifikation. Dass die Endlichkeit der Dinge („I know that time has numbered my days“ lautet eine der ersten Zeilen dieses Albums) nicht nur das Taschengeld und die Sommerferien meint, das müssen in der Post-Lehman-Brothers-Ära wohl selbst Teenager begreifen, und bei Mumford & Sons können sie sich aufgehoben fühlen mit ihrer Wut, ihrem Trotz und ihrer Angst. Die Musik findet dafür eine entsprechende Größe, trotzdem wirken Mumford & Sons dabei wie die bodenständigen Jungs von nebenan. Sie sind die Arcade Fire, die man sich nicht mehr bloß im Tempel, sondern auch noch am Lagerfeuer vorstellen kann.
Der Titelsong am Beginn hat sofort all die Power und Unbedingtheit, die Whiskystimme und den heiligen, alttestamentarischen Zorn, der auch Sigh No More zu einem solchen Erlebnis gemacht hat. Die Single I Will Wait brennt förmlich vor Innigkeit, setzt auf tollen Harmoniegesang und ein klasse Arrangement. Das ist, auch wenn der Albumtitel etwas anderes suggeriert, eine Sprache, die jeder versteht. Man kann bei diesem unwiderstehlichen Sound gar nicht anders als mitfühlen. Echte Gefühle, echte Musik – so einfach ist das manchmal.
Wäre emotionale Aufrichtigkeit die Kategorie, an der Bands grundsätzlich gemessen werden, dann müssten alle anderen sofort ihre Instrumente an den Nagel hängen im Angesicht von Zeilen wie „Better not to breathe / than to breathe a lie“ (aus dem bedrohlichen Broken Crown) oder so viel Ernst und Beschleunigung wie in Hopeless Wanderer. Marcus Mumford drischt darin derart in die Saiten, dass man nicht ganz sicher sein kann, ob man um ihn oder seine Gitarre mehr Angst haben soll. Der beinahe erstaunlich unhymnische Rausschmeißer Not With Haste hätte mit seiner Intimität problemlos auch auf Bruce Springsteens Nebraska gepasst – mit ihm standen Mumford & Sons übrigens, ebenso wie mit Bob Dylan, bereits auf der Bühne.
Denn mit den Helden von einst teilen Mumford & Sons nicht zuletzt auch die klassische Liebe zur Liveshow. Viele der Lieder von Babel wurden bereits eifrig bei Konzerten getestet und weiterentwickelt. Das verleiht dem Album nicht nur Schwung, sondern Urgewalt. „As a band, we’ve never been closer or more collaborative, all working to our strengths“, haben Mumford & Sons zur Veröffentlichung von Babel mitgeteilt, und in der Tat klingen sie hier in manchen Passagen, als seien sie zu zwölft.
Freilich würde dieser Sound nicht funktionieren, wenn die 2007 gegründete Band tatsächlich klingen würde wie Veteranen. Das forsche Whispers In The Dark beispielsweise hat eine Frische, wie sie auch das Debütalbum der Kings Of Leon ausgezeichnet hat (die damals noch Teenager waren). Below My Feet geht in seinem fulminanten Schluss mindestens ebenso in die Beine wie zu Beginn ans Herz.
Holland Road endet nach einem reduzierten Beginn ebenfalls in einem meisterhaften Bläser-Finale. In Lover Of The Light ist das Klavier tonangebend und Marcus Mumford klingt wie Adam Duritz (noch einer, der fast doppelt so alt ist wie er), wenn der plötzlich die Kampfeslust in sich entdeckt hätte. Ghosts That We Knew ist quasi Gospel, auch Lover’s Eyes steckt voller Sehnsucht nach Sinn, Bedeutung, Anleitung.
Das ist ein unverkennbares Leitmotiv des Albums – und versucht man, den Erfolg vom Mumford & Sons zu erklären, ist es wohl ein mindestens ebenso wichtiger Faktor wie ihre sagenhafte Live-Präsenz. Auf Babel wird immer wieder ein imaginäres Gegenüber angesprochen, gerne auch angeklagt. Ob das eine Angebetete ist, von der man verschmäht wurde, die Eltern, der Staat, die Welt oder gar Gott, ist dabei nicht immer klar. Trotzdem schafft diese Strategie ein Wir-Gefühl und, noch wichtiger, ein Wir-gegen-die-anderen-Gefühl. In dieser Musik kann man sich, vor allem als junger Mensch, aufgehoben fühlen, sie ist einig und einend.
Bedenklich ist allerdings, woher sich Mumford & Sons die Antwort auf ihre Sinnfrage erhoffen: von irgendwo, von irgendwem. Ganz oft sagen diese Lieder „Nimm mein Leben und mach irgendetwas Gutes damit!“ Die Idee, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen, ist in ihrer Welt undenkbar. Quasi in jedem Lied finden sich Belege für diese Mentalität.
“Learn your lesson, lead me home”, fleht Marcus Mumford in Whispers In The Dark. ”So give me hope in the darkness / that I will see the light”, heißt es in Ghosts That We Knew. Gerne gibt er auch den reuigen Sünder, der Strafe verdient hat und Vergebung nicht mehr erhoffen darf, wie in I Will Wait: „So tame my flesh / and fix my eyes / a tethered mind freed from the lies / (…) Raise my hands, paint my spirit gold / Bow my head / keep my heart slow.” Und so geht es immer weiter: ”Stretch out my life and pick the seams out / take what you like but close my ears and eyes.” (Lover Of The Light). ”I have no strength from which to speak / Where you sit me down and see I’m weak.” (Not With Haste) “So I watched the world tear us apart / A stoic mind and a bleeding heart.” (Reminder) “I do not ask the price I paid / I must live with my quiet rage.” (Lover’s Eyes) Und schließlich sogar, in Hopeless Wanderer: “Hold me fast, hold me fast / Cos I’m a hopeless wanderer.”
Das Gefühl von Ohnmacht, das gut in die Zeit passt, wächst sich hier manchmal zu einer fast masochistischen Passivität aus, was auf Dauer einigermaßen schockierend erscheint. Und noch eine Schwäche offenbart Babel: Ein bisschen zu oft setzen Mumford & Sons auf das Rezept, beschaulich zu beginnen und sich dann zu einem Wirbelsturm zu entwickeln, der alles und jeden mitreißt. Das ist immer wieder eindrucksvoll, ein bisschen mehr Abwechslung hätte hier dennoch gut getan. Wenn das zauberhafte Reminder zwischendrin tatsächlich einmal von dieser Formel abweicht und durchweg ganz sanft bleibt, dann ist das ungemein wohltuend. Aber Mumford & Sons können ja noch dazu lernen. Schließlich sind sie noch längst nicht so alt wie die Männer, nach denen sie klingen.
Mumford & Sons spielen I Will Wait live für Q:
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