Hingehört: Paul McCartney – “New”
“New” entstand in Sessions mit vier Produzenten – und viel Inspiration.
| Künstler | Paul McCartney |
| Album | New |
| Label | MPL |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung |   |
Es gibt einen Moment auf New, dem neuen Album von Paul McCartney, da wirkt er wie ein 71-jähriger Multimillionär mit glorreicher, aber lang zurückliegender Vergangenheit, der einigermaßen verzweifelt versucht, noch einmal aktuell zu klingen. Dieser Moment heißt Appreciate, mit Computerbeat, vielen Gitarreneffekten und einem mega-tiefen Bass. Das Lied ist nicht schlecht. Aber – und das ist die gute Nachricht – es ist mit Abstand der schwächste Moment auf dieser Platte.
Denn erfreulicherweise schafft es Paul McCartney in den restlichen elf Titeln, zeitgemäß zu klingen, ohne die gängigen Soundzutaten des Jahres 2013 nutzen zu müssen. “More than a sentimental journey, it’s an album that wants to be part of the 21st-century pop dialogue”, hat der Rolling Stone über New geschrieben, und dem ist uneingeschränkt zuzustimmen. McCartney hat mit Paul Epworth und Mark Ronson zwei der angesagtesten britischen Produzenten angeheuert, aber New erreicht seine Frische nicht durch deren Studiotricks, sondern durch eine einzige Zutat: Qualität.
Schon der Auftakt Save Us, das erste Lied, das für diese Platte aufgenommen wurde und die erste von drei Kollaborationen mit Paul Epworth (der bei allen drei Stücken nicht nur produziert hat, sondern auch einen Songwriting-Credit bekommt), hat sagenhaft viel Schwung, einen tollen Refrain und eine noch tollere Bridge. Zeilen wie „Got a feeling there’s a jungle rhythm beating in me / when I’m close to you” zeigen wieder den ewig jungen, ewig verliebten Paule, und wie zu seinen besten Zeiten schafft es Macca, eine sehr kompakte Form für ein Übermaß an Ideen zu finden. Noch besser wird Queenie Eye, noch eine Epworth-Produktion und „based on the refrain from a traditional street game that I played as a kid in Liverpool”, wie McCartney sagt. Man hört dem Lied mit viel Schmackes, Drive und einem witzig assoziativen Text an, wie viel Spaß der Ex-Beatle beim Musizieren hat.
„Es ist lustig: Wenn ich Leuten das Album vorspiele, sind sie überrascht, dass ich es bin. Viele der Songs sind sehr verschieden und ähneln nicht unbedingt dem Stil, den man von mir gewohnt ist. Ich wollte nicht, dass alles gleich klingt. Und ich habe es sehr genossen, dieses Album aufzunehmen. Es ist immer toll, die Möglichkeit zu haben mit einer Hand voll neuen Songs ins Studio zu gehen“, sagt er passend dazu.
Giles Martin, der Sohn von George Martin, hat mit fünf Liedern (und ein bisschen Unterstützung bei einigen anderen Tracks) den Löwenanteil der Produktion bestritten. Mit ihm entstand unter anderem das sehr feine On My Way To Work. Das Lied hat einen erstaunlichen Effekt, denn es lässt zunächst an Noel Gallagher denken, kehrt also die Quellen der Inspiration um. Wie beim Ex-Oasis-Boss klingt auch dieses Lied zugleich bodenständig und nach ganz großer Geste, es erfasst das Ewige im Alltäglichen. McCartney gibt dabei, begleitet von Streichern und Akkordeon, den Schwärmer, Träumer und Romantiker: „How could I have so many dreams / and one of them not come true.“
Dass New insgesamt gleich vier Produzenten hat, war einfach der Produktivität der Sessions zu verdanken, erklärt Paul McCartney: „Die Grundidee war es, zu einigen meiner Lieblingsproduzenten zu gehen, um dann zu schauen, mit wem es am besten laufen würde. Aber wie sich herausstellte, lief es mit allen hervorragend! Mit jedem von ihnen machten wir etwas total Eigenständiges. Ich konnte mich nicht entscheiden und so arbeitete ich letztendlich mit allen vier zusammen. Mit allen hatte ich auf verschiedene Weise eine sehr gute Zeit.“ Wie er verrät, ist noch jede Menge Material übrig, das es nicht aufs Album geschafft hat, aber in anderer Weise das Licht der Welt erblicken soll.
Mark Ronson, der übrigens auch auf der Hochzeit von Paul und Nancy Shevell im Jahr 2011 aufgelegt hat, ist für zwei weitere Volltreffer verantwortlich: Alligator behandelt im Text den Wunsch nach Zufriedenheit, Heimkehr und Harmonie und verpackt das in einen großen, souveränen Song mit einer klassischen Macca-Leadgitarre. Der Titelsong (mit New ist auch hier in erster Linie das Frischverliebtsein gemeint) kommt zunächst mit einem famosen Beatles-Beat daher, entwickelt dann aber eine erstaunliche Komplexität mit Takt- und Tonartwechseln und am Ende sogar einem kleinen Barbershop-Teil.
Das ist durchaus typisch für New: Es gibt wunderschöne Arrangements, viel Dynamik und immer wieder unerwartete Wendungen innerhalb der Lieder. Ein iPad kommt ebenso zum Einsatz (im zärtlichen Hosanna, das die Freuden einer gemeinsamen Nacht besingt) wie der “McCartney familiy chorus” (bei Everybody Out There, das geradezu verliebt ist in seinen eigenen Gitarrensound).
Gegen Ende sinkt das Niveau ein wenig: Looking At Her (das von der Qual berichtet, in eine Frau verknallt zu sein, die der Rest der Welt ebenfalls vergöttert) ist kein großer Wurf, aber sehr hübsch und mit gelungenen Modernismen. Road wird man in zehn Jahren vergessen haben, mit spannender Atmosphäre und tollem Bass zeigt auch dieses Stück aber, das McCartney noch immer Lust auf Neues hat. I Can Bet ist dezent funky und inspiriert, der Bonustrack Scared ist kein Klassiker, aber eine Klavierballade mit rührender Melancholie und Verletzlichkeit.
Und dann ist da noch Early Days, der sicherlich erstaunlichste Track auf diesem Album, produziert von Ethan Jones. Das Lied ist “based on my reminiscences of formative times with John before The Beatles, when we were first starting out”, sagt McCartney, und er singt mit einer grandiosen Mischung aus Stolz und Nostalgie von diesen Tagen. Vor allem aber singt er, fast nur von einer akustischen Gitarre begleitet, mit einer Stimme, die man noch nie so von ihm gehört hat: alt, verwittert, mit einer Schwere und Ernsthaftigkeit, die man in der Nähe von Johnny Cash ansiedeln kann – und die ihm ausgezeichnet steht.
New mit Livebildern, Spielfreude und Text:
Hingehört: Paul McCartney & Wings – “Wings Over America”
Präsenz zeigen – das ist das Prinzip auf “Wings Over America”.
| Künstler | Paul McCartney & Wings |
| Album | Wings Over America |
| Label | Universal |
| Erscheinungsjahr | 1976 |
| Bewertung |  |
Im Jahr 1976 war Paul McCartney längst nicht mehr unfehlbar. Es gab eine Menge, was er falsch machen konnte, man muss sich dazu nur den Gesang von Linda anhören oder seine grauenhafte Vokuhila-Frisur anschauen. In einer Hinsicht blieb er allerdings makellos: als Entertainer. Wings Over America ist der Beweis.
Mehr als 600.000 Menschen wollten die Beatles-Nachfolgeband damals bei den 31 Konzerten in Nordamerika sehen. Als Wings Over America als dazugehöriges Tondokument erschien, erreichte das Dreifach-Album Platz 1 in den US-Charts und immerhin noch Platz 8 in der englischen Heimat.
Jetzt gibt es das Werk als Neuauflage, das Remaster wurde stilecht in den Abbey Road Studios angefertigt und neben einer profanen Doppel-CD gibt es für gut betuchte Fans auch ein Deluxe-Edition-Box-Set, die zusätzlich eine Bonus-CD, eine DVD und vier (!) Bücher enthält. Doch schon die knapp zwei Stunden auf der Doppel-CD reichen aus, um die beiden wichtigsten Ziele von Paul McCartney zu erkennen: Er will hier unbedingt beweisen, dass die Wings eine echte Band sind. Und er will seinem Publikum eine tolle Party liefern.
Wenn man bedenkt, wie lange er mit den Beatles als Live-Künstler pausiert hat, dann ist es durchaus erstaunlich, wie perfekt und gekonnt er hier den Mittelpunkt der Show gibt und die Konzerte zu einem Happening macht. Es gibt viel 1970er-typische Opulenz und noch mehr USA-typische Professionalität.
Den Anfang macht gleich mal ein gut zehnminütiges Medley aus Venus And Mars, Rock Show und Jet. Die Show beginnt also mit einer Ballade und sanftem Picking, erst nach anderthalb Minuten wird daraus Bluesrock, der nicht weit weg ist von Thin Lizzy (und den es auf Wings Over America immer wieder zu hören gibt). Schließlich wird das Ganze zu Soul- und Bläser-infiziertem Spitzen-Pop, wie es ihn damals auch (schon) von Elton John und (noch) von The Who gab, und in den sich auch gerne ein Hardrock-Gitarrensolo einschleichen darf. Schon nach diesem Medley ist das Konzept klar: Paul McCartney bietet einen bunten Strauß, ein Rundum-Glücklich-Paket, das Disneyland des Pop.
Let Me Roll It wird zur innigen Ballade in der Nähe von Eric Clapton, Call Me Back Again ist ein toll gesungener Soul-Schleicher. Lady Madonna erklingt in einer deutlich schnelleren Version als bei den Beatles, und fast meint man, da eine ironische Distanz herauszuhören. Dafür gerät The Long And Winding Road grandios – und lässt fast vermuten, Macca habe sich doch noch mit dem opulenten Arrangement angefreundet, das Phil Spector dem Lied einst verpasst hatte. Live And Let Die ist schön dramatisch und profitiert tatsächlich vom Bestreben aller Beteiligten, zu beweisen, was für tolle Musiker sie sind.
Diese Momente von Muckertum sind nicht selten auf Wings Over America, und sie sorgen auch für einen beträchtlichen Anteil an Langeweile. Allerdings muss man dem Werk zum einen zu Gute halten, dass die 1970er Jahre einfach verrückt waren nach Extravaganz, noch mehr Instrumenten, noch mehr Stilen, noch mehr Soli, noch mehr Tempo. Zum anderen wollen die Wings sicherlich besonders gerne beweisen, dass sie kein Konstrukt aus der Retorte sind. Medicine Jar ist ein gutes Beispiel dafür: Gitarrist Jimmy McCulloch singt ausnahmsweise, dafür darf Paul McCartney als Bassist glänzen, dazu gibt es eine satte Dosis Rhythmus, Gitarre und Spaß am Zusammenspiel.
Beim an CCR gemahnenden Spirits Of Ancient Egypt darf dann auch noch Gitarrist Denny Laine singen, der später mit Picasso’s Last Words, Time To Hide, Go Now und Richard Cory noch weitere Auftritte am Mikro hat. Danach darf Paul McCartney wieder ran, er lässt I’ve Just Seen A Face eher nach Nashville klingen denn nach Nottingham, gibt Blackbird zauberhaft wie eh und je und beweist am Schluss von CD1, dass Yesterday nichts von seiner Majestät verliert, wenn man es mit der Gitarre spielt statt mit dem Klavier.
Die zweite CD bietet weniger Höhepunkte, dafür mehr Überraschungsmomente. You Gave Me The Answer klingt old-timey und verspielt, Magneto And Titanium Man wird ein inspirierter Roker, Go Now kann einigen Soul-Klassikern das Wasser reichen. Listen To What The Man Said lässt noch einmal die sagenhafte, magische Balladenstimme von Paul McCartney glänzen, Silly Love Songs hat viel Drive, Band On The Run zeigt vielleicht am deutlichsten das ganze Ausmaß seiner Ambitionen und Fähigkeiten.
Bezeichnend ist auch Beware My Love: Man spürt, dass er an dieses Lied glaubt, es verströmt genau die Innigkeit, die beispielsweise der Interpretation von Lady Madonna abgeht. Soily, das letzte von 28 Liedern, unterstreicht noch einmal, dass „live“ hier auch für „lebendig“ steht.
Aus heutiger Sicht fehlt Wings Over America in etlichen Passagen das Zwingende. Es gibt nichts auf diesen zwei CDs, das an die größten Momente von Paul McCartney heranreicht, und es gibt auch eine Menge, das nicht einmal sein durchschnittliches Niveau erreicht. Doch darum ging es damals auch gar nicht. Es ging darum, Präsenz zu zeigen, für die Künstler und für die Fans jeden Abend aufs Neue zu beweisen, dass Paul McCartney nach den Beatles, Musik nach den Beatles, ein Leben nach den Beatles möglich ist. Sir Paul wählte dafür eine Methode, die wunderbar zum Titel des Albums passt: Er setzt auf Könnerschaft und Akribie, er gibt den Dienstleister für seine Fans. Sehr amerikanisch.
Paul McCartney live 1976. Die Frisur bitte wegdenken:
Hingehört: Beady Eye – “BE”
Beady Eye entwickeln sich auf “BE” deutlich weiter. Leider in die falsche Richtung.
| Künstler | Beady Eye |
| Album | BE |
| Label | Sony |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Dave Sitek! Dave Sitek! Dave Sitek! Eine Menge Aufhebens wurde gemacht um die Tatsache, dass der Ex-TV-On-The-Radio-Mann das zweite Album von Beady Eye produziert. In der Tat ist die Wahl eine Überraschung: Sitek war bisher eher der Avantgarde im Rockgeschäft zugeneigt (Foals, Yeah Yeah Yeahs), nicht den Traditionalisten.
„Mit Sitek zu arbeiten, hat uns eine neue Welt eröffnet. Er ist ohne Zweifel der beste Produzent, mit dem ich jemals gearbeitet habe, ein richtiger Outlaw – er schert sich einfach einen Dreck um Regeln“, schwärmt Liam Gallagher über die Zusammenarbeit. Der Produzentenmeister selbst erklärt, er habe mit den Songs auf BE „richtig herumspielen können. Die Instrumentierung ist die einer Rockband, die allerdings ganz anders zum Einsatz gebracht wird.“ Sein Einfluss auf BE ist in der Tat unüberhörbar. Er hat Beady Eye nicht zur Avantgarde gemacht, aber wohl eine entscheidenden Beitrag dazu geleistet, dass sich der Noel-lose Rest von Oasis im Vergleich zum Debüt Different Gear, Still Speeding deutlich weiterentwickelt hat.
Schon Flick Of The Finger beweist das. Es gibt ein denkbar simples Schlagzeug (Mucky Fingers lässt grüßen), dann Bläser à la Live And Let Die, später sogar ein Sample aus einem Theaterstück. Das ist definitiv überraschend und in jedem Fall interessant. Es offenbart aber auch schon das Problem von BE: Es sind hier nur die Tricks der Produktion, die das Lied davor bewahren, vollkommen langweilig zu sein.
„Come on“, singt Liam Gallagher am Beginn der zweiten Strophe. Aber diese Worte haben nichts von der Kraft, die einst in seiner Stimme steckte. Dieses „Come on“ klingt nicht nach Gift und Galle. Es klingt nicht, als wäre er der Anführer einer aggressiven, aufsässigen, ultracoolen Gang. Sondern so, als würde er auf dem Sofa sitzen und es nebenher ins Mikro raspeln. Es folgen später noch vier andere Lieder, in denen die Aufforderung „come on“ vorkommt. Aber nirgends wirkt sie glaubwürdig, sexy oder gar aufstachelnd.
In Second Bite Of The Apple (das ebenfalls auf Bläser und Percussion-Hokuspokus setzt, aber kaum Substanz hat) wirkt das „come on“ vollkommen unglaubwürdig. In Iz Rite kommt es wie ein Manierismus daher, sodass man sich beinahe wünscht, dieser Mann hätte niemals in seinem Leben von der Existenz der Beatles erfahren. Inmitten des unkoordinierten Shine A Light (wilde Drums treffen auf ein Flötensolo, eine Pinball Wizzard-Gitarre auf Synthesizer) geht das „come on“ beinahe unter. Das „Come on“ in I’m Just Saying ist vollkommen beiläufig, und auch den programmatisch gemeinten Zeilen „I’m feeling fine / this is my time to shine“ fehlte jede Magie, jeder Funke von etwas Besonderem. Nie hätte man gedacht, dass man sich an dieser Stimme einmal satt hören könnte. Doch spätestens in diesem Moment tritt dieser Effekt ein.
Es gibt auch reichlich andere Imperative auf diesem Album, und es gibt weitere Stellen mit dem Versuch, Enthusiasmus zu verbreiten. „Let’s go“ lautet eine Aufforderung in Ballroom Figured, einem von vielen Songs auf einem Niveau, das bei Oasis mit etwas Glück für eine B-Seite hätte reichen können. Aber wen meint dieses „Let’s go“ und wohin soll man dieser Stimme folgen? Man weiß nur: auf jeden Fall wird nicht, wie in den seligen Tagen von Oasis, die ganze Welt angesprochen, und es meint als Ziel auch keinen sonderlich aufregenden Ort.
Das „yeah, yeah, yeah“ in Start Anew, dem besten Lied der Platte, ist noch so ein Fall. Auch diese Wörter singt Liam Gallagher bloß wie ein Klischee. „Liams Gesang ist unglaublich, man muss lediglich das Mikrofon anmachen und denkt nur noch: ‚Das klingt ja wie auf Platte!’“, sagt Dave Sitek. Doch da hat er sich blenden lassen vom Mythos dieser Stimme. Genau im Gesang liegt das Kernproblem von BE. Liam Gallagher gefällt sich hörbar zu sehr in dem, was er tut, statt es allen (und vor allem dem großen Bruder) beweisen zu wollen. Er klingt satt und genügsam, manchmal beinahe gelangweilt von sich selbst, wie ein fetter Elvis. Sitek lässt ihn so klingen – und er beraubt die Band damit ihrer größten Stärke.
Freilich gibt es noch andere Probleme bei Beady Eye. Soul Love ist solide, aber mehr als fünf Minuten lang, obwohl die Band schon nach zwei Minuten keine neue Idee für den Track mehr hat. Auch dem akustischen Don’t Brother Me (7:37 Minuten) würde nichts fehlen, wenn es nur halb so lang wäre oder sogar nur ein Drittel oder ein Viertel seiner Spielzeit beanspruchte. Das ähnlich gelagerte Soon Come Tomorrow ist hübsch, aber es gibt einfach zu viele dieser harmlosen, belanglosen, zahnlosen Lieder auf dieser Platte.
Face The Crowd ist der einzige Song auf BE, in dem so etwas wie Aufregung und Gefahr steckt (auch wenn man bei dem Wah-Wah-Gitarrensolo am Ende ausgerechnet an Kula Shaker denken muss). Ein krachiges Riff macht den Anfang, doch dann sorgen der psychedelische Gesang und das verschachtelte Schlagzeug dafür, dass daraus doch kein straighter Rocker wird.
Beady Eye verhielten sich zu Oasis wie die Foo Fighters zu Nirvana, hatte mir die Band nach dem Debütalbum im Interview erzählt. Man habe einen Teil des Publikums übernommen, aber man sei eine eigenständige, neue Band, die sich ein neues, eigenes Publikum erspielt und neuen, eigenständigen Erfolg haben wird – das war die Strategie für Liam Gallagher, Andy Bell, Gem Archer, Chris Sharrock und Jay Mehler. BE enthält so viel kreuzbraves Muckertum, schlechte Texte und pure Langeweile, dass man eher sagen muss: Beady Eye verhalten sich zu Oasis wie die Wings zu den Beatles.
Das Video zu Flick Of The Finger hat wohl in erster Linie das Ziel, nicht von der Musik abzulenken:
Hingehört: Rover – “Rover”
Rover entpuppt sich auf seinem Debüt als Pop-Fantast.
| Künstler | Rover |
| Album | Rover |
| Label | Cinq7 |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Auch in Zeiten von Google, Wikipedia und Facebook, in denen jede fein gesponnene Legende allenfalls eine Woche überlebt, bevor sie als Lügengeschichte enttarnt wird, beschäftigt die Musikindustrie noch ganze Heerscharen von jungen Menschen, die möglichst originelle Gründungsmythen, Referenzen und Biografien für gerade ins Rampenlicht drängende Bands erfinden sollen. Manche Geschichten sind allerdings so gut, dass sie niemals ausgedacht sein könnten. So wie die von Timothée Régnier.
Der junge Mann aus Frankreich kann nicht nur auf die Tatsache verweisen, dass er ein Weltenbummler ist und während seiner Zeit in New York zum Schulkameraden der Strokes wurde. Er hat (oder besser: wir haben) sein Debütalbum auch dem eher wenig ausgeprägten liberalen Sinn des Regimes im Libanon zu verdanken. Als er dort mit der Punkband The New Government aktiv war, wurde er vor zwei Jahren kurzerhand ausgewiesen, unter dem Vorwand von Visaproblemen.
So landete Régnier in der Bretagne, in einem Haus voller Musikinstrumente, und er hatte nichts Besseres zu tun, als Lieder zu schreiben. Genau die Lieder, die nun sein Debütalbum Rover ausmachen. Den Namen hat er gewählt, weil Rover so männlich klingt und seine Liebe zu britischen Autos unterstreicht („My parents drove nothing else when I was a kid“), aber auch, weil er das Leben als eine Serie von Reisen sieht.
Alle Songs schrieb, komponierte, spielte, sang und arrangierte er selbst. Das Album wurde ganz altmodisch mit analoger Technik produziert. Und es zeigt Timothée Régnier von der ersten Sekunde an als einen großen Pop-Fantasten.
Im Opener Aqualast wandelt er schon auf den Spuren von John Lennon, David Bowie und Wayne Coyne. Das verspielte Lou beweist, dass er auch Brian Wilson zu seinen wichtigsten Einflüssen zählt. Seine Vorliebe für Interpol klingt in Remember mehr als deutlich an, das zugleich rockig und klaustrophobisch wird, wie ein Joy-Division-Track beginnt, dann vom Gesang ein wenig in Richtung Placebo verschoben wird und schließlich in einem Oohoohoo-Finale mündet, das intensiv und nackt klingt wie die Lieder von Antony Hegarty.
Tonight hat eine Air-Atmosphäre und scheint kurzzeitig im Sinn zu haben, Cockney Rebels Sebastian wieder ins Leben zu rufen. Wedding Bells ist schwül wie Pulp und düster wie Lou Reed. Full Of Grace entwickelt viel Druck und Dröhnen, sodass man an REM in ihrem (selten gewordenen) Glamrock-Modus denken muss oder an eine spacige Ausgabe von Pearl Jam.
Rover kann auf eine verwaschene Orgel setzen wie in Late Night Love oder auf altmodische Synthesizer wie in Carry On, er kann beinahe straight sein wie in Queen Of The Fools, theatralisch wie Silver mit mächtig viel Hall auf dem Gesang oder fast frühlingshaft wie Champagne, das es auf der Deluxe Version dieses Albums auch noch einmal als Demoversion gibt, umrahmt von fünf weiteren Bonustracks.
Father I Can’t Explain ist einer davon und zugleich einer von vielen Momenten auf dieser Platte, die an Mott The Hoople erinnern. Lonely Man ist mit seinem schönen Refrain der vielleicht klassischste Popsong des Albums, Berenice kreiert mit Klavier und federnden Drums ein reizvolles Radiohead-Feeling.
Das Zweitbeste an Rover ist der Bass, der sehr prominent im Mix vertreten ist und praktisch immer genau das Richtige macht. Das Beste ist die Kombination aus Einfallsreichtum, Stilsicherheit, Melodrama und Gefühl, die aus Rover ein wunderbares Debüt macht. Der libanesischen Engstirnigkeit sei Dank.
Rover spielt Aqualast live und akustisch in Paris:
Hingehört: The Thiams – “Ko Ok”
Eleganz, Liebe und Können sind die wichtigsten Werte auf “Ko Ok”.
| Künstler | The Thiams |
| Album | Ko Ok |
| Label | Ko Ok Entertainment |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Vielleicht, vielleicht hätte N’gone Thiam so etwas werden können wie der weibliche Xavier Naidoo. Wie der bekennende Sohn Mannheims hat auch sie große Freude an der schwarzen Musik, auf der ganzen Bandbreite von Soul bis HipHop. Wie er hat sie sich ihre ersten Meriten mit Backgroundgesang verdient (unter anderem für Seal, Mando Diao und Jan Delay, bei dem sie dann als Mitglied von Disko No. 1 gar nicht mehr so weit back im Background war). Und wie Naidoo verfügt auch sie über eine sagenhafte Stimme.
Aber sie wollte wohl weder ständig von der Erlösung singen („I believe in good love for eternity“, heißt stattdessen das hier an einer Stelle besungene Glaubensbekenntnis) noch für den ganz großen Durchbruch auf einen Gastauftritt bei Sabrina Setlur warten. Deshalb hat sie sich mit ihrer Schwester Boussa (im Hauptberuf Moderatorin bei Radio Energy Berlin) zusammengetan, mit der sie schon seit zehn Jahren gemeinsam musiziert. Als The Thiams legen sie nun mit Ko Ok ein äußerst angenehmes Debütalbum vor.
„Come down and relax a while / I know what’s on your mind / and it’s alright”, beginnt Big Chair, das dritte Lied der Platte, mit Bläsern und kokettem Gesang à la Vanessa Paradis, und diese Zeilen entsprechen genau der Atmosphäre, die hier herrscht. Wohlklang ist angesagt, es darf gerne geschmeichelt werden und sogar geschmust.
That Song illustriert das wunderbar, als toll gesungene Pianoballade. Nature ist ähnlich lässig und sexy wie die besten Momente von En Vogue – mit dem hier besungenen Ruf der Natur könnte ebenso ein Spaziergang ins verlockende Grüne gemeint sein wie die unwiderstehliche Kraft der Hormone. Kurz vor Schluss wird der Beatles-Schmachtfetzen Oh Darling! mit mächtig Soul-Leidenschaft aufgeladen. Cookie ist ein unfassbar selbstbewusstes und elegantes Liebeslied und ein Schlusspunkt, wie ihn nur echte Ladys setzen können.
The Thiams können aber auch Gas geben, wenn es sein muss. „Zwei Schwestern machen Krach in jedem Herzen“, heißt schließlich ihr Motto. Good News hat dementsprechend mächtig Punch. Der Opener Mercury ist kraftvoll im Stile der flotteren Sugababes-Stücke und wartet sogar mir einem Hardrock-Gitarrensolo auf (von Jerry Schmidt Jr., der das Album auch produziert hat). No Loosers erinnert mit seiner jazzigen Atmosphäre, dem komplexen Beat und dem Zusammenspiel der Stimmen von N’gone und Boussa Thiam nicht nur ein bisschen an TLC. Der Titelsong ist komplex, opulent und verspielt wie ein Musicalbeitrag. Mit Say Yeah Yeah gibt es zudem noch ein feuriges James-Brown-Cover.
Dass Ko Ok in Berlin, der Heimatstadt der Thiams, aufgenommen wurde und nicht in New Orleans, Memphis oder Atlanta, will man spätestens beim akustischen The Whatever nicht mehr glauben. Das Lied wird herrlich organisch und scheint fast privaten Charakter zu haben, als würden ein paar (sehr talentierte) Freunde sich zur Hausmusik treffen.
Nicht alle Lieder sind so rund, insgesamt fehlen ein paar Ecken und Kanten. Manchmal sorgt die Kompetenz aller Beteiligten auf Ko Ok auch dafür, dass die Songs ein bisschen zu sehr in die Nähe von Schema F geraten wie Every Single Day, das mit seiner Gesangsakrobatik (nur begleitet von einer Gitarre und ein paar Orgeltönen) zumindest für all jene nervig werden könnte, die gerade keinen Liebeskummer haben. Aber auch dann gerät keines dieser 13 Stücke herz- oder lieblos.
Mit dem fast zwölfminütigen Silence gibt es zudem noch einen absoluten Kracher. Der Song beginnt als Reggae, dann gibt es einen Dancehall-Teil inklusive eines Auftritts von Rapper Mello, danach viel afrikanische Ausgelassenheit. Eine Soul-Oper könnte man das Ganze nennen. Da dürfte man sich nicht wundern, wenn demnächst Jan Delay im Hintergrund steht – um diesen beiden Soul-Sisters zu applaudieren.
Der Dreh zum Video von No Loosers dürfte richtig Spaß gemacht haben:
Hingehört: Foxygen – “We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace & Magic”
Foxygen klingen so, wie man sich früher die Zukunft vorgestellt hat.
| Künstler | Foxygen |
| Album | We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace & Magic |
| Label | Jagjaguwar |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | **** |
We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace & Magic heißt das zweite Album von Foxygen. Der entscheidende Bestandteil dabei ist “21st century”. Denn dass dieses kalifornische Duo, bestehend aus Sam France und Jonathan Rado, in der Gegenwart zuhause ist, mag man im Angesicht dieser Platte kaum glauben.
In The Darkness, der erste von neun Titeln, vereint eine Sgt. Pepper-Trompete mit einem Come Together-Beat und einem Lady Madonna-Klavier. Die Beatles, also. No Destruction klingt, als wäre Lou Reed der neue Sänger von Creedence Clearwater Revival, der sich dann kurz vor Schluss allerdings in Bob Dylan verwandelt.
Freilich ist das Duo, das schon seit 2005 zusammen musiziert, weit davon entfernt, bloß den Helden von einst nachzueifern. Das von ihrem Entdecker Richard Swift (unter anderem Damien Jurado) produzierte We Are The 21st Century Ambassadors Of Peace & Magic klingt zwar retro, aber dennoch abenteuerlustig. Das Hören dieser Platte ist wie das Anschauen von alten Science-Fiction-Filmen, in denen man sehen kann, wie sich die Menschen vor zwei Generationen das Jahr 2013 vorgestellt haben.
Das instrumentale Bowling Trophies belegt das am besten: Ein Track mit Motorengeräuschen, Stimmeffekten und schrägen Bläsern wäre 1968 sicher futuristisch gewesen. Auch der seltsame Funk von Oh Yeah passt in diese Richtung: So etwas käme wohl heraus, wenn sich Beck mit MGMT zusammengetan hätte. Der komplexe Titeltrack nimmt einen patentierten Velvet-Underground-Sound als Grundlage, setzt aber reichlich Punk-Power und Irrwitz à la Ween obendrauf.
Dazu passt, dass Sam und Jonathan angeblich davon ausgehen, all ihre Ideen kämen in Wirklichkeit von kosmischen Wesen, und sie selbst dienten lediglich als Medium. Solche Theorien glaubt man sofort, wenn man den Rausschmeißer Oh No 2 hört, der am Beginn noch verträumt ist, dann aber völlig durchgeknallt. Oder das forsche On Blue Mountain, in dessen Strophe Mick Jagger erst schlimme Qualen zu erleiden scheint, um dann auf einen richtig miesen Trip zu geraten.
Der eindeutigste Einfluss sind allerdings die Kinks. Die Stimme von Jonathan Rado erinnert nicht nur an Ray Davies. Foxygen bieten in ihren Texten wiederholt auch deren lakonischen Witz. „She don’t love me / that’s news to me“, heißt die zentrale Zeile in der wunderhübschen Single Shuggie. Auch San Francisco könnte mit seinem feinen Wortspiel im Refrain (und dem Call-and-Response-Gesang, der von Flöten und Glockenspiel begleitet wird) gut zu den Kinks passen.
All das ist getragen von großer Lust auf Psychedelik und einer beeindruckenden Musikalität, die zugleich für Eingängigkeit und Abwechslung sorgt. Foxygen machen Pop für Leute, die Pop nicht mit Eindimensionalität gleichsetzen.
Das Video zu San Francisco, stilecht mit Sonne und Batikhemden:
Hingehört: Kaizers Orchestra – “Violeta Violeta Vol. III”
Zum Abschluss der Violeta-Trilogie haben Kaizers Orchestra ein Symphonieorchester im Gepäck.
| Künstler | Kaizers Orchestra |
| Album | Violeta Violeta Vol. III |
| Label | Petroleum |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | **** |
Was macht man bloß, wenn man eine Trilogie abschließen soll, deren erste beide Teile bereits zum Bersten gefüllt waren mit Leidenschaft, Ambition und Klassesongs? Im Falle von Kaizers Orchestra setzt man einfach noch einen drauf. Oder zwei. Violeta Violeta Vol. III ist ein unfassbares, atemberaubendes, im besten Sinne unerhörtes Album.
Kurze Rückblende: Im Jahr 2011, dem zehnten Jahr ihres Bestehens, kündigten Kaizers Orchestra eine Trilogie an. Das Sextett aus Norwegen wollte in drei zusammenhängenden Alben die Geschichte von Violeta, ihrer Mutter Beatrice und ihrem Vater Kenneth erzählen. “Es geht um die Kraft der Träume, um wahre und falsche Liebe, Betrug und Verrat, die verführerische Macht des Wodkas, und schließlich erscheint der Teufel auf der Bildfläche, als Doppelspieler, der verführt und richtet”, klärt die Plattenfirma auf.
Man kann auf diesen Plot aus den Texten schließen (wenn man Norwegisch kann). Zur Sicherheit ist der Fortgang der Handlung aber im Booklet auch noch einmal nachgezeichnet. Man kann diesen Hintergrund aber auch vollkommen ausblenden und sich einfach dieser ebenso ausgereiften wie abenteuerlustigen Musik hingeben. Schon Teil 1 der Trilogie bot sagenhaft intensive Lieder. Teil 2 gefiel mit hoch kreativen Rocksongs. Mit Violeta Violeta Vol. III schießen Kaizers Orchestra nun den Vogel ab.
Nehmen wir zum Beispiel Aldri Vodka, Violeta. Der dritte Track des Albums beginnt mit Piano und Streichern, einer tollen Melodie und viel Inbrunst. Dann wird daraus plötzlich eine Prog-Rock-Attacke, bevor ein Orchester mit himmlischen Trompeten und sanften Geigen das Lied auf einen eigenen Planeten entführt, der um einen seltsamen Chor kreist. Und mit dieser komplexen Dramaturgie ist Aldri Vodka, Violeta noch eines der reduziertesten Stücke auf dieser Platte.
Es ist schlicht sagenhaft, was Kaizers Orchestra in diesen zehn Tracks und 61 Minuten veranstalten. Ein so profaner Begriff wie „Rocksong“ wäre eine Beleidigung für die meisten dieser Stücke. Stattdessen wagt es die Band, in alle musikalischen Richtungen zu denken und sich alles zuzutrauen – inklusive Verstärkung durch das Symphonieorchester Stavanger. Janove Ottesen (Gesang), Geir Zahl (Gitarre), Terje Winterstø Røthing (Gitarre), Helge Risa (Orgel), Rune Solheim (Schlagzeug) und Øyvind Storesund (Bass) haben den Mut und die Fähigkeiten, im ganz großen Maßstab zu denken – als Bezugspunkt kann man da allenfalls noch die späten Beatles heranziehen.
Perfekt I En Dröm ist schockierend schön, wie Röyksopp ohne Beats, Siste Dans scheint Jay-Zs Hard Knock Life in einen intelligenten Rocksong zu verwandeln. Ein Megafon-Sprechgesang und Heavy Metal werden in Satan I Halsen problemlos zusammengeführt. Markedet Bestemmer setzt auf eine Sitar, Südstaatenrock und Peer Gynt-Anleihen, um am Ende dreimal so episch zu werden wie Queen und Muse zusammen.
In Begravel Sespolka stecken gleich zu Beginn des Albums mehr Ideen, als manche Bands in ihrer ganzen Karriere aufbieten können: Auf ein entferntes Klavier folgt ein Balkan-Trauermarsch, dann die Stimme eines geistesgestörten Herolds, ein Donkosakenchor und schließlich eine Passage à la Brecht/Weill. Forloveren vereint zu einem Offbeat schräge Streicher, arabische Elemente, und einen hymnischen Beatles-Refrain mit etwas, das erst wie der Soundtrack zu Sweeney Todd klingt, und dann wie gottverdammte klassische Musik.
Tvilling ist ein Klanggemälde, das im Kopf Bilder von Wüste, Seefahrt und einem Ball am königlichen Hofe entstehen lässt. Sollte James Bond jemals eine Verfolgungsjagd absolvieren müssen, die ihn aus einem Zirkus über einen Basar hin zum Kreml führt, dann wäre Det Polaroide Liv der perfekte Soundtrack dazu. Und ganz am Ende von Violeta Violeta Vol. III steht mit Seksløver eine tolle Ballade, die vermuten lässt, dass die Geschichte der Titelfigur ein Happy End hat.
„Durch das Arrangement mit dem Symphonieorchester erhalten wir einen komplett neuen Sound, behalten aber gleichzeitig all das bei, was Kaizers Orechstra ausmacht. Man könnte sagen, dass die Evolution von Kaizers Orchestra mit Violeta Violeta Vol. III ihren Höhepunkt erreicht“, sagt Frontmann Janove Ottesen über die neue Platte. Den Konjunktiv hätte er problemlos weglassen können, denn noch mehr Qualität ist kaum vorstellbar. Wenn man ein leeres Blatt Notenpapier ist, dann kann einem derzeit wenig Besseres passieren als in die Hände von Kaizers Orchestra zu geraten.
Kaizers Orchestra (und ein paar wenige Gäste) spielen Forloveren live:
Deutsche Fanpage von Kaizers Orchestra.
Hingehört: The Rolling Stones – “Grrr”
Mit 50 Songs auf 3 CDs feiern die Stones ihr halbes Jahrhundert.
| Künstler | The Rolling Stones |
| Album | Grrr |
| Label | Universal |
| Erscheinungsjahr | 2012 |
| Bewertung | **** |
Er wäre begeistert von Computern und würde sicher elektronische Musik machen. Das antwortete Yoko Ono vor zwei Jahren, als sie aus Anlass des 70. Geburtstags von John Lennon gefragt wurde, welche Musik ihr 1980 erschossener Mann wohl heutzutage machen würde. Sean Lennon, der gemeinsame Sohn des Paares, hatte eine andere Prognose: „In seiner Plattensammlung war nur Rock’N’Roll. Keine einzige Platte, die nach dem zweiten Album von Elvis erschienen ist. Er würde definitiv immer noch Rock’N’Roll machen.“
Erstaunlicherweise hinterfragte keiner von beiden, ob John Lennon heute überhaupt noch Musik machen würde, wäre er noch am Leben. Das ist vor allem deshalb überraschend, weil 70-jährige Rockstars unvorstellbar waren, als Lennon seine Erfolge mit den Beatles feierte – und auch dann noch wie eine absurde Vorstellung wirken mussten, als er in New York erschossen wurde.
Rockmusik wurde von vielen in ihren Anfangstagen für eine kurzlebige Mode gehalten, und auch als die Beatles ebenso wie die Rolling Stones und viele andere längst das Gegenteil bewiesen hatten, war sie weiterhin der Ausdruck von Revolte, Sex, Kraft – nicht gerade Begriffe, die man mit Senioren assoziiert. Ein Mann im Rentenalter in engen Jeans, mit offenem Hemd und in Posen, als hätte er Fellatio höchstpersönlich erfunden, wäre für eine ziemlich lange Phase der Menschheitsgeschichte undenkbar gewesen. Time Is On My Side, sangen die Stones zwar schon 1964 und bewiesen damit quasi prophetische Qualitäten. Aber den Ausblick, auch im Jahr 2012 noch in einer Band zu sein und auf der Bühne zu stehen, hätten sie damals wohl selbst als komplett lächerlich empfunden.
Dass das heute anders ist, dafür haben sie ganz und gar selbst gesorgt. Im 50. Jahr ihres Bestehens gelten die Rolling Stones noch immer als die Verkörperung des Rock’N’Roll-Lebensstils, als unantastbar und unkaputtbar. Ihr Jubiläum feiern sie entsprechend gebührend: mit Grrr, das 50 Lieder aus ihrer Karriere auf drei CDs versammelt (außerdem gibt es Grrr auch als 4-CD-Super-Deluxe-Version mit 80 Tracks, als Fünffachvinyl mit 50 Tracks und als Limited-Super-Deluxe-Edition, die fünf CDs, reichlich 7“-Vinyl, ein Buch und ein Tourposter enthält).
Man kann sich natürlich fragen, wer nach Jump Back, Forty Licks, Hot Rocks oder Story Of The Stones noch eine Compilation mit den größten Hits der Rolling Stones braucht. In der Tat haben die Stones jetzt ziemlich genau doppelt so viele „Best Of“-Alben veröffentlicht wie die Beatles während ihres Bestehens überhaupt Studioalben zustande gebracht haben (24:12 lautet das Verhältnis nach meiner Zählung).
Aber immerhin gibt es diesmal mit dem 50. Jubiläum einen würdigen Anlass, und zudem wird niemand meckern, wenn Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts und Ronnie Wood wieder einmal den Beweis für die Klasse und Einzigartigkeit ihrer Band antreten. Grrr vereint ihre Monsterhits, relevante Albumtracks und eher Ungewöhnliches (Waiting On A Friend, She Was Hot oder Doo Doo Doo Doo Doo hätten wohl nicht viele zu den 50 ultimativen Songs in der Karriere der Stones gezählt). Trotzdem gelingt es wunderbar, mit dieser Auswahl nachzuzeichnen, wie die Engländer von Epigonen zu Ikonen wurden. Am Beginn ihrer Karriere eiferten sie reichlich ihren US-Helden und versuchten sich gerne an Chuck-Berry-Covers wie der Debütsingle Come On, später produzierten sie massenweise Songs, die Hymnen und Klassiker geworden sind, auch ohne jemals ein Singlehit gewesen zu sein wie Sympathy For The Devil, Play With Fire, Wild Horses oder You Can’t Always Get What You Want.
Zudem gibt es zwei neuer Lieder, eingespielt mit Don Was in Paris, wo die Band erstmals seit den Aufnahmen für A Bigger Bang vor sieben Jahren wieder im Studio vereint war: Doom And Gloom ist ein erdiger und kraftvoller Rocker, dem man in keinem Moment anhört, dass hier knapp 70-Jährige am Werk sind. Das eher gebremste One More Shot ist fast noch erstaunlicher, denn da klingen die Rolling Stones plötzlich, als wären sie tief in ihrem Herzen lieber wieder eine Kneipenband als eine Rockinstitution, Stadionattraktion und die vierköpfige Verkörperung eines „Triumphzugs von Macht, Kraft, Perversion, Liebe, Sex, Drogen und Rock’N’Roll“, wie US-Journalist Edi Schwager die Band 1972 beschrieben hat.
Grrr hat noch zwei erstaunliche Effekte: Wenn man bedenkt, wie schnell die Rolling Stones das Image als Rabauken verpasst bekamen und wie dankbar sie es von Anfang an pflegten, dann klingen einige der frühesten Songs heute erstaunlich brav. Und letztlich zeigen diese drei CDs, worin die größte Leistung der Rolling Stones besteht, neben einem ganzen Sack voller fantastischer Songs: Sie sind der ultimative Beweis für die (nicht nur biologische) Überlebensfähigkeit des Rock’N’Roll.
Sie haben es wohl schon immer gewusst: Die Rolling Stones spielen Time Is On My Side live 1981, schon damals mit putzigen Rückblicken:
Draufgeschaut: How I Won The War
Gripweed (John Lennon) muss sich mit einem unfähigen Offizier durch Afrika kämpfen.
| Film | How I Won The War |
| Produktionsland | Großbritannien |
| Jahr | 1967 |
| Spielzeit | 106 Minuten |
| Regie | Richard Lester |
| Hauptdarsteller | Michael Crawford, John Lennon, Roy Kinnear, Jack MacGowran, Michael Hordern, Lee Montague, Karl-Michael Vogler |
| Bewertung | ***1/2 |
Worum geht’s?
Kurz vor Ende des Zweiten Weltkriegs gerät Lt. Ernest Goodbody in deutsche Gefangenschaft. Seinen Aufsehern erzählt er seine Lebensgeschichte, von der Offiziersausblidung über seinen Sondereinsatz in Afrika (wo er ein Cricketfeld hinter den feindlichen Linien errichten soll) bis zum Kampf am Rhein. Dass seine Truppe ihn für eine Witzfigur hält, verschweigt er dabei geflissentlich. Schließlich wird er doch noch zum Helden, denn er spielt eine entscheidende Rolle beim Sieg der Alliierten.
Das sagt shitesite:
Aus heutiger Sicht mag How I Won The War vor allem deshalb interessant ist, weil es den einzigen Auftritt von John Lennon in einem Nicht-Musik-Spielfilm zeigt. Der Brillenbeatle, zum Zeitpunkt der Dreharbeiten bereits so etwas wie ein lebender Gott, gibt hier den Soldaten Gripweed, der sich vor allem durch eine Vergangenheit als Nationalsozialismus-Sympathisant (“Faschismus ist etwas, aus dem man herauswächst”, urteilt ein Vorgesetzter gelassen) und eine Gegenwart als notorischer Schweißfußbesitzer auszeichnet.
Ob Lennon ein guter Schauspieler ist, lässt sich freilich kaum beantworten, denn How I Won The War ist viel zu surreal und grotesk, um Raum für dramatisches Talent zu lassen. Monty Python trifft Private Ryan – so könnte man diese Persiflage am treffendsten zusammenfassen. Das hält einige gute Gags bereit, überzeugt aber vor allem durch die Konsequenz, mit der Regisseur Richard Lester hier mit dem Militarismus abrechnet und mit der Glorifizierung des heldenhaften Siegs, die wohl auch eine Generation nach dem Ende des Krieges in England noch an der Tagesordnung war.
Er proträtiert die englische Armee als eine Truppe, die besessen ist von Tradition, Manieren und Egozentrik – lauter Eigenschaften, die man an der Front nun wirklich nicht gebrauchen kann. Sein Frontalangriff auf den Kriegskult nimmt wirklich alles ins Visier: die Pose, das Schauspiel und das Protzen, das dem Militär innewohnt. Den Fetisch rund um Ausrüstung, Geschichte, Tapferkeit und Patriotismus. Homoerotik, Feigheit, nationalistische Klischees. Die absurde Hoffnungslosigkeit von Truppenunterhaltung und die banale Sorge darum, was die Frau wohl zuhause treibt, während man selbst an der Front kämpft.
Im Mittelpunkt von How I Won The War steht das Verhältnis zwischen Offizieren und ihren Mannschaften: Die Unfähigkeit von Ernest Goodbody wird nur noch durch seine sagenhafte Arroganz übertroffen (herrlich zum Ausdruck gebracht in seinen abgehobenen Motivationsreden), während die unteren Dienstgrade ihm natürlich immer wieder den Arsch retten und den wirklich entscheidenden Anteil am Sieg haben. Man kann das als Metapher auf den Klassenkampf lesen, doch letztlich lässt How I Won The War niemandem die Gelegenheit, stolz auf seine Rolle im Krieg zu sein. Es gibt hier, unabhängig vom Dienstgrad, nur Wichtigtuer und Hanswürste – klarer könnte man die Absurdität von Krieg nicht zum Ausdruck bringen.
Bestes Zitat:
“Der Krieg ist zweifellos das erhabenste Spiel, das es gibt.”
Der Trailer zum Film:
Hingehört: Lena – “Stardust”
Souverän und sexy: So klingt die neue Lena.
| Künstler | Lena |
| Album | Stardust |
| Label | Universal |
| Erscheinungsjahr | 2012 |
| Bewertung | **** |
Um ihr erstes Album bekannt zu machen, hatte Lena Meyer-Landrut ein ganzes Fernsehformat zur Verfügung (Unser Star für Oslo). Die Promotion für ihre zweite Platte konnte noch auf die 120 Millionen Zuschauer setzen, die ihren Auftritt als Titelverteidigerin beim Eurovision Song Contest 2011 in Düsseldorf sahen. Jetzt geht Album Nummer 3 an den Start, und um die Fans für sich zu begeistern, hat sie nur noch: sich selbst.
Stefan Raab, der Lena entdeckte, förderte und zur ersten deutschen ESC-Siegerin seit fast 30 Jahren machte, hat nichts mehr zu tun mit dieser Platte. Die 21-Jährige hatte selbst die Fäden in der Hand, hat alle Mitstreiter selbst ausgewählt und auch an neun der zwölf Songs mitgeschrieben. Es wäre eigentlich konsequent, wenn dieses Album Lena heißen würde. Es heißt aber Stardust. Das ist vielsagend für eine Künstlerin, der einst ein Lied namens Satellite den Durchbruch brachte. Vielleicht ist der Ruhm jetzt verglüht, vielleicht bleibt nur noch Sternenstaub – die Möglichkeit des Scheiterns scheint der Albumtitel schon mitzudenken.
Im Booklet der neuen CD dankt Lena Meyer-Landrut ihrer Plattenfirma dafür, „in ein drittes Casting-Album“ vertraut zu haben und zeigt damit, dass sie selbst nicht so recht mit einer Musikkarriere jenseits von Eurovision und Pro7 gerechnet hatte.
In der Tat hatte sich die Hannoveranerin schon entschlossen, das Singen lieber anderen zu überlassen und sich an der Universität Köln eingeschrieben, um sich dort fortan beispielsweise mit „Grundfragen der Erkenntnis- und Sprachphilosophie” zu beschäftigen. Dann bemerkte sie aber, dass sie dort wohl die berühmteste Studentin seit mindestens Anne Will geworden wäre und die Idee mit dem Alltag doch nicht so gut funktioniert hätte. Dazu kam die Lust auf Musik nach ihren eigenen Regeln. „Ich wollte den Leuten beweisen, dass ich ganz cool bin, dass viel mehr in mir steckt“, hat sie dem Kulturspiegel gesagt.
Deshalb gibt es nun Stardust. Diese Entscheidung ist durchaus mutig, denn die Kurve der Lena-Begeisterung schien zuletzt noch deutlicher nach unten zu zeigen als das Interesse an Castingshows, denen Unser Star für Oslo doch scheinbar nachhaltig neues Leben eingehaucht hatte. Platz 10 beim ESC 2011 werteten manche als Enttäuschung. Die letzte Lena-Tournee wurde als Flop betrachtet, weil die Hallen nicht ausverkauft waren, obwohl Opel sogar noch Gratis-Tickets verteilte. Als ein Kollege von Spiegel Online das neue Album vorab vorgespielt bekam, begann er seinen Text dazu mit vier Worten, die das Risiko für Stardust auf den Punkt bringen: „Lena? Ist doch durch.“
In dieser Mentalität lauert die Gefahr für Lena. Es gibt wohl genug Leute, die sich freuen würden, wenn sich Stardust als Rohrkrepierer entpuppt, der die 21-Jährige als längst langweilig gewordenes Medienphänomen entlarvt. Zumal die Messlatte verdammt hoch hängt. Ihre beiden ersten Alben haben jeweils Platinauszeichnungen bekommen, zeitweise hatte Lena sechs Lieder gleichzeitig in den deutschen Top100. Es wäre verständlich gewesen, wenn es Lena Meyer-Landrut dabei belassen hätte. Stattdessen sagt sie jetzt über Stardust: „Ich bin ehrgeizig geworden, was ich vorher nicht so von mir kannte. Ich möchte gerne, dass es erfolgreich wird, weil: Das ist, was jetzt ich mache.“ Schauen wir uns die neue CD also an, Lied für Lied.
Stardust: Der Auftakt ihres dritten Albums ist enorm selbstbewusst: nur Schlagzeug, ein paar Klaviertöne und die unverwechselbare Stimme von Lena. Dazu kommen clevere Details wie das Glockenspiel, die leichte Variation des Gesangs am Schluss und natürlich ein umwerfender Refrain, mindestens so groß wie die Stadionhymnen von Coldplay. „Als ich das Lied zum ersten Mal gehört habe, war das Album eigentlich schon fast fertig. Aber hier hat echt alles gestimmt: Der Text ist wunderschön. Die Melodie ist toll“, schwärmt Lena über das Lied aus der Feder der Amerikanerin Rosi Golan, zugleich erste Single des Albums. „Musikwissenschaftler sprechen hier von einem sogenannten ‚Sehr-sehr-sehr-gute-Laune-Lied’“, scherzt Lena – und sie hat völlig Recht.
Mr. Arrow Key: Das Lied hat eine fast naive Unbeschwertheit im Stile von Lily Allen, aber einen alles andere als heiteren Text. Lena singt darüber, wie es sich anfühlt, wenn man erschöpft ist, überall herumgereicht wird und nicht mehr weiß, wo einem der Kopf steht. Mr. Arrow Key soll jemand sein, der Orientierung gibt und Vertrauen schenkt. „Jemand, der sagt: Das ist der richtige Weg“, erklärt die 21-Jährige. Manchmal braucht es einen guten Rat, damit man sich selbst wieder aufrichten kann – diese Erkenntnis setzt sie hier in einem herrlich munteren Swing-Sound um. Geschrieben hat sie das Lied gemeinsam mit der Schwedin Miss Li: „Die Sessions mit ihr waren superschön, weil wir viele 60er-Einflüsse drin hatten. Leichte Beatles-Geschichten, Trompeten, erdige Instrumente. Mein Anspruch war: Ich möchte gerne, dass man die Instrumente erkennt, wenn man das Lied hört.“
Pink Elephant: Diesen Anspruch hört man auch Pink Elephant an, das schmissig, eingängig und am Ende erstaunlich ausgelassen wird. Produziert wurde das Lied (wie vier weitere auf Stardust) von Sonny Boy Gustafsson, dem Ehemann von Miss Li. „Die müssen ein Gen für Pop haben“, sagt Lena über die Schweden. Pink Elephant handelt von einem Mädchen, das versucht, grazil zu sein, aber sich eher verhält wie der berühmte Elefant im Porzellanladen. „Ob das jetzt ich bin oder jemand anders, ist eigentlich egal“, sagt Lena. „Das Mädchen ist trampelig, aber sie hat Spaß daran und genießt das Leben.“
Neon (Lonely People): Auch hier hat Lena mitkomponiert, und das Ergebnis ist beeindruckend souverän und sexy. Erzählt wird eine Allerweltsszene, ein Flirt im Club, die Erkenntnis, dass man sich manchmal auch mitten in der Menge sehr einsam fühlen kann. Das Neonlicht über der Tanzfläche ist am Ende die einzige Orientierung, der letzte Hoffnungsschimmer für die Nachtschwärmer. Es sind wohl Lieder wie Neon, die den Rolling Stone zum Fazit gebracht haben, diesmal gehe es „wirklich um Lena, nicht um Stefan Raabs Vorstellung von Lena“.
Better News: Auch hier ist der Text beachtlich, denn er zeigt, dass man manchmal bloß unzufrieden ist, weil man maßlos ist. Die Musik setzt in der Strophe auf eine kleine Dosis Reggae und im unwiderstehlichen Refrain auf eine gute Dosis Avril Lavigne. Geschrieben hat Lena das Lied übrigens gemeinsam mit Ian Dench, der vor mehr als 20 Jahren als Gitarrist von EMF mit Unbelievable einen Riesenhit hatte und danach unter anderem für Shakira und Beyoncé gearbeitet hat.
Day To Stay: Das Lied, das ursprünglich ganz am Ende von Stardust stehen sollte, ist eine zauberhafte Ballade rund um die Idee, bei Mistwetter einfach im Bett zu bleiben und es sich gemeinsam mit dem Liebsten gut gehen zu lassen. Das Lied beginnt zart und zuckersüß und mündet dann in einem großen Finale mit Bläsern in bester Beatles-Manier. Seit sie in der Öffentlichkeit steht, habe sie eine „total emotionale und volle Zeit“ durchlebt, sagt Lena – in Day To Stay hört man am deutlichsten, wie sehr sie sich nach Ruhe, Abstand und einer Möglichkeit zum Reflektieren gesehnt hat.
To The Moon: Gemeinsam mit Alexander Schroer (Mobilée) hat Lena hier eine Liebeserklärung geschrieben, die alles auf einer Karte setzt. „Meine Welt ist besser, wenn du da bist“, lautet die Botschaft an den Liebsten, für den sie sogar bis zum Mond fliegen würde. Musikalisch ist To The Moon eines der wenigen Lieder, die nicht gut oder sehr gut sind, sondern nur passabel. Dafür kann Lena hier als Sängerin glänzen. „Lena nimmt die Emanzipation zur Songwriterin mit kleinen, aber spürbaren Schritten in Angriff. Das merkt man schon allein daran, dass sie sich nicht mehr so stark wie früher hinter Manierismen wie ihrem exaltierten englischen Akzent versteckt“, hat Spiegel Online richtig erkannt.
Bliss Bliss: Auch etwas schwächer als der Durchschnitt von Stardust ist dieses Lied, dessen Refrain stark an Ching Ching Ching von Nikka Costa erinnert. Produziert hat den Song übrigens Swen Meyer (Kettcar), der auch bei sechs weiteren Liedern den Sound bestimmte.
ASAP: Auch hier zeigt sich Lena als ungeduldige, fordernde Verliebte. Das Duett mit Miss Li ist sehr gute, moderne Popmusik, die sich längst nicht damit begnügt, auf bekannte Schablonen zu setzen. Miss Li lobt übrigens explizit den Gesang von Lena, auch wenn der nicht jedermanns Geschmack ist: „Es kommt doch vor allem darauf an, dass eine Stimme Charakter hat. Neil Young oder Bob Dylan sind auch keine brillanten Sänger – aber eben sehr besondere. Und Lenas Stimme hat zweifelsfrei etwas Interessantes.“
I’m Black: Spätestens mit diesem Lied kriegt Stardust wieder die Kurve. Die Strophe schwankt zwischen Flüstern und Rappen, der Refrain nimmt sich viel Raum, das Ergebnis ist wundervoll organisch und leidenschaftlich. Im Text singt Lena anscheinend über unnötige Streitereien, in denen man sich noch unnötigere Verletzungen zufügt.
Goosebumps: „Ein Lied, das für mich sehr emotional ist. Ein Herzenslied“, sagt Lena über Goosebumps. Wieder thematisiert sie die Sehnsucht nach Nähe, Wärme und Sicherheit. Ein sanftes Schlagzeug, akustische Gitarren, ein Cello und ein Kontrabass (der sogar ein kurzes Solo bekommt) sorgen für die passende Atmosphäre. Dass Lena zwei Jahre nach My Cassette Player so reif klingen könnte, hätten wohl niemand gedacht.
Don’t Panic: Ein versehentlich ausgelöster Feueralarm in London gab den Anstoß für dieses Lied, das Lena mit Johnny McDaid (Snow Patrol) geschrieben hat. „Mit Johnny zu schreiben war supertoll. Ich habe Snow Patrol vorher gar nicht so richtig wahrgenommen“, erzählt Lena. Nachdem sie die Band live gesehen hat, war sie aber „innerhalb von einer halben Stunde der totale Fan.“ Der Trubel nach dem ausgelösten Alarm kann auch gut als Metapher für das Leben im Rampenlicht gelesen werden. Ein bisschen Revue-Feeling kommt dabei auf und viel gute Laune. Und, Skandälchen: Die niedliche Lena singt das böse Wort „fuck“.
Hidden Track: Womöglich als Wiedergutmachung für die ganz jungen Fans gibt es nach 20 Sekunden Pause zum Abschluss von Stardust noch eine Überraschung: Auf Schwedisch singt Lena das Lied Lille Katt (Kleine Katze), bekannt aus dem Soundträck von Michel in Lönneberga. Das ist sehr putzig und passt durchaus zum Charakter des Albums und dem neuen Lena-Prinzip: Sie macht, worauf sie Lust hat.
Fazit: Stardust ist viel, viel besser als man es sich jemals hätte erträumen lassen, als Lena noch über die Pro7-Castingbühne hopste und Songs von Adele oder Kate Nash interpretierte. Jetzt sind ihre eigenen Lieder so gut wie die der Vorbilder. Sie hat etwas zu sagen, sie hat stimmlich neue Facetten entwickelt und sich dabei ihren Charme erhalten. Radiosender müssten begeistert sein von diesen Liedern, auch ohne den Hintergrund als Fräuleinwunder, Liebling der Nation und größtem Castingstar der Republik. Lena macht hier Pop mit solcher Selbstverständlichkeit und Stilsicherheit wie sonst kaum jemand in Deutschland. Stardust bringt in Erinnerung, dass sich die Nation einst nicht wegen des Konzepts von Unser Star für Oslo oder wegen der Retortenhits aus dem Hause Stefan Raab in sie verliebt hat. Sondern weil sie Lena ist.
Eine Kurzversion dieser Rezension als Fotostrecke gibt es bei news.de.
-
Neueste Rezensionen
Neueste Kommentare
-
Interview mit Sportfreunde Stiller Schön, wenn eine Band den Schlüssel zu ihrem Verständnis im Interview mitliefert: "Wenn der Te...
-
-
Durchgelesen: Christopher Clark - "Die Schlafwandler" wieso "erstaunlich"? Jeder, der sich vorurteilslos mit der Geschichte befasst, ohne zu moralisier...
-
Hingehört: Revolverheld - "Immer in Bewegung" Meine Worte, hätte ich nicht besser ausdrücken können. Am schlimmsten ist wirklich "Das kann u...
-
Young Rebel Set, Werk 2, Leipzig Hallo, auch ich war, gezwungen, nüchtern. Eine Korreukter zu deinen Text: der ganz besonder...
-
