Hingehört: Sun Of Moon – “Sun Of Moon”
Eine Hälfte Pop-, eine Hälfte Filmmusik: Das ist das Debüt von Sun Of Moon.
| Künstler | Sun Of Moon |
| Album | Sun Of Moon |
| Label | Motor |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung |    |
Ich weiß nicht viel über Marcel Blatti, den Mann, der hinter Sun Of Moon steckt. Was ich in Erfahrung bringen konnte: Er treibt in seiner Schweizer Heimat seit einiger Zeit als Lleluja-Ha sein Unwesen und ist seit einer Weile in Berlin zuhause. Auf der Bühne mag er es, sich in geheimnisvolle Kostümierung zu werfen, Soundtracks für Leander Haußman hat er auch schon gemacht, ebenso wie Theatermusik für bekannte Regisseure wie Falk Richter (Schaubühne Berlin) und Stefan Pucher (Münchner Kammerspiele). Was ich nicht weiß, aber stark vermute: Seine Eltern müssen sehr überzeugte Hippies sein, und sie haben ihrem Sohn offensichtlich ein Leben lang immer dieselbe Botschaft mit auf den Weg gegeben: Entfalte dich, Junge!
Denn was Blatti alias Lleluja-Ha alias Sun Of Moon auf seinem Debütalbum unter diesem Namen anstellt, ist im höchsten Maße erstaunlich. Künstler wie OY, Disco Doom, Pola und Feist sind zwar lose mit Sun Of Moon assoziiert, bis auf einige Bassläufe hat er dieses Album aber komplett allein eingespielt, auch die Bläser- und Streicherarrangements hat er übernommen.
Als wäre das noch nicht genug an künstlerischer Entfaltung, ist Sun Of Moon auch gleich noch ein Doppelalbum geworden. CD 1 enthält opulenten Pop, für den Get Well Soon eine gute Orientierung ist. CD 2 ist bis auf zwei Ausnahmen gänzlich Instrumental. „Von meinem Soloalbum wollte ich, dass es wirklich meine Musik repräsentiert und nicht nur einen Teil meiner Musik. Deshalb habe ich beides miteinander kombiniert: eine CD mit Popmusik und eine CD mit Filmmusik“, erklärt Lleluja-Ha.
Den Hippie-Verdacht bestätigt dabei auch die Musik. „And then a sun came up on the horizon“, heißt die erste Zeile des Albums, begleitet von esoterischen Sounds, einer etwas windschiefen Orgel, dezenten Percussions und einer Stimme, die an Neil Tennant erinnert. Auch Past And Present Friends könnte man mit den Pet Shop Boys verbinden, wenn bei denen irgendwann einmal das Instrumentarium überschnappen sollte. Die Melodie von Who Will Fix Our Broken Hearts erinnert stark an Game On von Catatonia, das bemerkt man aber nur, wenn man der Versuchung widerstehen kann, bei diesem Lied an ein Lagerfeuer zu denken, an dem eine Blaskapelle vorbeimarschiert.
Journey To The Sun (Hippies!, ich sag’s doch) beweist, dass es bei Sun Of Moon auch sehr hübschen, eleganten Pop gibt, My Arms Around The World Tonight bringt erfreulichen Schwung in die zweite Hälfte von CD1, das Finale von Ride That Horse ist sogar richtig wild. Aufhorchen lassen auch The Brightest Lights In The Darkest Nights, das wie eine Fortsetzung des Soundtracks zu Eyes Wide Shut klingt, und New Morning, in dem es neben viel Simon&Garfunkel-Seligkeit sogar bellende Hunde und zwitschernde Vögel gibt. Das Lied ist damit typisch für diese Platte: Alles auf Sun Of Moon ist interessant oder sogar schön, aber nur wenig ist wirklich essentiell.
CD 2 bietet mal ausgelassenen Jazz wie Symphony, mal Orchestersounds wie Hotel New York Part I oder wunderbare Lounge-Momente für den Sommer wie Wilma, in denen Lleluja-Ha mit dem Mund sogar Scratching-Sounds imitiert. „Großes Kopfkino“, hat die Basler Zeitung über Lleluja-Ha geschrieben, schon bevor er Sun Of Moon war. Besser kann man es nicht ausdrücken.
Das Video zu My Arms Around The World Tonight berichtet aus dem Leben einer Stuntfrau:
Hingehört: Adel Tawil – “Lieder”
Nach 17 Jahren als Musiker hat Adel Tawil sein Soloalbum gemacht.
| Künstler | Adel Tawil |
| Album | Lieder |
| Label | Universal |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Ich habe gerade noch einmal nachgezählt: 180 Mal ist das Wort „ich“ auf dieser Platte zu hören (auch wenn Adel Tawil es natürlich stets als „isch“ ausspricht). Das macht also, über den Daumen gepeilt: 90 Mal Ich + Ich.
So viel zu den Kalauern. Die Verbindung zu dem Duo, das Adel Tawil mit Annette Humpe bildete und das im Januar 2012 sein letztes Konzert gespielt hat, ist auf dieser Platte allerdings sehr präsent. Zum einen ist da die Stimme des 35-Jährigen, die man sofort erkennt. Zum anderen verkörpert Lieder einen Sound, den man sich auch bei Ich + Ich hätte vorstellen können: Popmusik, meist harmlos, meist solide, meist schick.
Ein paar Unterschiede sieht Adel Tawil, der 1996 seinen ersten Plattenvertrag unterschrieben hat und nun – 17 Jahre später – erstaunlicherweise erstmals vor der Situation steht, ein Album unter seinem eigenen Namen zu machen, aber doch. „Es muss persönlicher sein, mir aus der Seele sprechen“, umschreibt er die Zielsetzung für seine neuen Stücke.
Am deutlichsten wird das im Titelsong. Adel Tawil besingt in Lieder seine Sozialisation durch Popmusik, mit lauter Referenzen an Songtitel und Interpreten und mit viel Leidenschaft. „Und ich singe diese Lieder…“, beginnt der Refrain – bei der letzten Wiederholung am Ende des Tracks wird daraus aber „Und wir singen diese Lieder…“, das ist ein cleverer Verweis auf den Zusammenhalt, der durch Pop entstehen kann.
Besonders viel Tiefgang und Introspektive bietet das Album ansonsten nicht. Kartenhaus handelt von der Vergänglichkeit, Auf Sand gebaut warnt vor einer Sintflut und lässt offen, ob das wörtlich mit Blick auf den Klimawandel gemeint ist, oder doch metaphorisch als eine Warnung vor dem moralischen Verfall. Der Rest sind Liebeslieder, mit viel Pathos wie der Opener Immer da oder plakativ, wirkungsvoll und NDW-geprägt wie Graffiti Love (auf dem die Humpe-Schwestern mitsingen).
Apropos Mitstreiter: Produziert wurde Lieder von Tobias Kuhn (Sportfreunde Stiller, Thees Uhlmann, Die Toten Hosen), und er leistet hier Großes. Oft gibt es langsame, aber beinahe monströse Beats, das Album profitiert enorm von originellen Ideen wie den elektronischen Anleihen in Wenn du liebst oder den arabischen Einflüssen im eingängigen Herzschrittmacher. Auch die Gastauftritte überzeugen: Sido und Prinz Pi zanken sich im (angesichts dieser Besetzung erstaunlich guten) Aschenflug darüber, ob der Rock’N’Roll-Lifestyle nun erstrebenswert oder bedenklich ist. Matisyahu veredelt das kraftvolle und sehr positive Zuhause, das man sich auch gut von K’Naan vorstellen könnte.
Auch sonst spielt Adel Tawil hier durchaus in einer Liga, die international konkurrenzfähig ist. Der Groove von Weinen würde auch gut zu Gnarls Barkley passen, ebenso wie die geschickt platzierten Streicher und die Tarantino-Gitarre. Der Bonustrack Neujahr ist ein gelungener Popsong, und dass man dabei zuerst an Echt oder Virginia Jetzt! denkt (statt meinetwegen an Robbie Williams oder Roxette) liegt nur daran, dass hier eben auf Deutsch gesungen wird.
Zwei Ausrutscher hat Lieder freilich auch: Unter Wasser klingt, als habe jemand die Münchner Freiheit mit U96 zwangsverheiratet, auch Schnee (aus der Feder von Annette Humpe, übrigens) ist ein schlimmer Schlager. Insgesamt ist das aber vorzeigbar und Adel Tawil ist in jedem Fall stolz auf diese Platte, schließlich ist sie für ihn „das erste eigene Ding, nach Jahren. Das, was ich immer erreichen wollte.“
Aus Ascheflug hat Adel Tawil gleich mal einen Kurzfilm gemacht:
Hingehört: Jake Bugg – “Shangri La”
Mehr Vielfalt, mehr Band-Sound: Jake Bugg entwickelt sich schnell weiter.
| Künstler | Jake Bugg |
| Album | Shangri La |
| Label | Mercury |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Genau 13 Monate und 3 Tage liegen zwischen den Veröffentlichungsterminen von Jake Buggs Debütalbum und seiner neuen Scheibe Shangri La. In dieser Zeit schaffen es Klaxons gerade mal, ihre Smartphones zu finden, um die Bandkollegen wieder zusammenzutrommeln. Lady Gaga braucht wahrscheinlich so lange, um die ersten zwei Kostüme für ihr neues Video auszusuchen. Und Axl Rose, naja, reden wir nicht drüber.
„Ja, es ist nicht viel Zeit vergangen, aber Musik ist eben das, was ich mache, um allem anderen zu entfliehen“, sagt Jake Bugg. „Selbst als alles sehr verrückt wurde, nahm ich, wann immer ich Zeit hatte, meine Gitarre in die Hand. Außerdem bin ich sehr viel gereist, also hatte ich ohnehin eine Menge worüber ich schreiben musste.“ Das sind gute Argumente, doch der 19-Jährige aus Nottingham hat noch ein paar mehr Gründe zur Eile. Zum einen ist da der alte Spruch vom Eisen, das man schmieden soll, solange es heiß ist. Zum anderen sorgt ein schnelles zweites Album dafür, dass man noch ein bisschen vom Lorbeer des Debüts zehren kann, bevor dieser schon sichtbar welkt.
Und Lorbeer gab es reichlich: Jake Bugg ist der jüngste männliche Solo-Künstler mit einem Nummer-1-Debütalbum im UK, er hat seit dessen Erfolg mit den Rolling Stones gespielt, eine Brit-Award-Nominierung eingeheimst und datet mittlerweile Topmodel Cara Delevingne.
Man hört der neuen Platte an, wie gerne er diesen Status aufrecht erhalten will. Shangri La entstand in Malibu mit Produzentenlegende Rick Rubin, nach dessen Studio das Album auch benannt ist („Es fühlte sich richtig an, das Album nach Ricks‘ Studio zu betiteln, es kam mir dort vor, wie in einer Zeit fernab der Zivilisation“, sagt Jake Bugg). Es ist eine gute Platte geworden. Sie wird allen gefallen, die das Debüt von Jake Bugg gemocht haben, und sie enthält ein ordentliches Maß an Weiterentwicklung, wie man sie für ein zweites Album erwarten kann, zumal bei einem so jungen Künstler.
Jake Bugg beweist auch auf Shangri La viel Selbstbewusstsein, Charakter und Leidenschaft. Fast alles ist diesmal mit einer kompletten Band eingespielt, was die Klangpalette deutlich erweitert. Gelegentlich klingt Bugg noch immer wie die Wiedergeburt von Bob Dylan (wie im juvenil-energischen Auftakt There’s a Beast And We All Feed It oder dem countryfizierten Rausschmeißer Storm Passes Away), doch auch Westcoast-Entspanntheit (All Your Reasons), satter Bluesrock à la Aerosmith (Kingpin) oder sogar angejazzte Momente wie Kitchen Table stehen diesmal auf dem Programm.
Die wichtigste Bezugsgröße für Shangri La ist allerdings – erstaunlich, wenn man bedenkt, dass das Album in den USA aufgenommen wurde – Britpop. Das epische Simple Pleasures gegen Ende des Albums könnte man sich problemlos von The Verve vorstellen, A Song About Love lässt an die Last Shadow Puppets denken und die Single Slumville Sunrise hat das Feuer der frühen Arctic Monkeys.
Auch Oasis haben gelegentlich ihre Spuren hinterlassen, und Vergleich wie diese illustrieren das Problem von Shangri La: Der Überraschungseffekt, den Jake Bugg als Newcomer noch hatte, ist weg. Im vergangenen Jahr erschien es als ziemlich originelle Idee, eine Platte zu machen, die direkt aus dem Jahr 1963 zu kommen schien. Das Staunen darüber ist nun weg, die Songs von Jake Bugg müssen ohne diesen Effekt auskommen und sich inmitten von Referenzen behaupten, die weitaus geläufiger sind. Meist schaffen sie das, aber Einiges auf Shangri La wirkt deutlich gewöhnlicher, als man es nach dem Debüt erhoffen durfte.
In gewisser Weise tritt der 19-Jährige mit Shangri La zurück ins Glied, auch wenn er sich da noch immer in bester Gesellschaft befindet. Messed Up Kids beispielsweise würde auch Tom Petty zur Ehre gereichen, nicht nur wegen des Jangles, sondern vor allem wegen des tollen Refrains. Me And You, als vierter Track das erste weitgehend akustische Stück des Albums, verbreitet eine herrliche Melancholie im Stile von Donovan und Pine Trees, nur aus Gitarre und Gesang bestehend, ist schlicht wunderhübsch.
Auch What Doesn’t Kill You zählt zu den Höhepunkten: Gitarre und Schlagzeug strahlen da eine enorme Aggressivität aus, aber der Gesang lässt sich davon nicht anstecken, sondern thront auf seltsame Weise darüber, nicht zahm, aber souverän, als habe er schon alles gesehen. Passend dazu gibt es für die Zeile „What doesn’t kill you“ auch keine Forsetzung.
Die Texte sind ansonsten ein Problem auf dieser Platte, und vielleicht hat auch die Erkenntnis, dass er als Nummer-1-Künstler nicht mehr allzu lange über das Aufwachsen in einem Problembezirk von Nottingham singen kann, dazu beigetragen, dass Jake Bugg so schnell mit neuem Material aufwartet. Es gibt ein paar schiefe Bilder und etliche Plattitüden, das trübt den Gesamteindruck ein wenig.
Am grundsätzlichen Talent dieses Songwriters kommen mit diesem Album allerdings keine Fragen auf. Dass er „die Zukunft der Musik“ sei, wie Noel Gallagher vor nicht allzu langer Zeit über Jake Bugg gesagt hat, erscheint nun ein bisschen hoch gegriffen, dass er „bloß ein Typ, der Lieder schreibt“ ist, wie Jake Buggs bescheidene Selbstdarstellung lautet, ist zu tief gestapelt. Shangri La zeigt, dass die Wahrheit wohl irgendwo dazwischen liegt.
Die USA will Jake Bugg nun wohl auch erobern. Conan hat er schon.
Hingehört: Suns Of Thyme – “Fortune, Shelter, Love And Cure”
Suns Of Thyme legen ein sehr eigenständiges Debüt hin.
| Künstler | Suns Of Thyme |
| Album | Fortune, Shelter, Love And Cure |
| Label | Motor |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Man könnte Suns Of Thyme für eine gewöhnliche Band halten. Das Quartett aus Berlin setzt auf eine klassische Rockbesetzung, bestehend aus Tobias Feltes (Gesang und Gitarre), Tim Hoppe (Gitarre), Jascha Kreft (Schlagzeug), Jens Rosenkranz (Bass). Jens und Tobias sind Schulfreunde, alle haben schon ein paar musikalische Gehversuche hinter sich, jetzt gibt es das Debütalbum. So weit, so normal.
Dass dies aber eine eher spezielle Band ist, macht schon die Single Soma (God For Gods) klar. Das ist Stoner-Rock mit der Betoner auf Stoner und einer Stimme irgendwo zwischen David Byrne und Tom Smith von den Editors. Eine Gitarre spielt einzelne, klare, schillernde Töne, die andere Gitarre spielt verwaschene Akkorde dazu – also alles andere als ein klassisches Hitrezept.
Der Song, den es hier übrigens zum kostenlosen Herunterladen gibt, ist damit durchaus typisch für Fortune, Shelter, Love And Cure (mit dem Albumtitel fassen Suns Of Thyme alles zusammen, was sie für eine denkbare Quelle von Glück halten). Songtitel wie Cataclysm 2084 (mit vertracktem Beat, dominantem Klavier und viel Radiohead-Feeling) oder Asato Maa (mit Joy-Division-Bass und einer Stimme, die so tief und verfremdet ist, dass man sie für ein Didgeridoo halten könnte, das sprechen kann) deuten schon den Horizont und die Ambitionen der Band an. Alte Effektgeräte, Lofi-Sound und die Drogen vergangener Zeiten scheinen hier ebenfalls als Bezugspunkte dienen zu können. Einiges auf Fortune, Shelter, Love And Cure klingt so, als hätten die Byrds schon den Black Rebel Motorcycle Club gekannt. Und wenn in The Years We Got Are Not Enough plötzlich Schlagzeuger Jascha Kreft singt, dann sind auch die Doors nicht weit entfernt.
Violent Eyes bildet einen düsteren Auftakt für das Album, das Schlagzeug braucht fast nur die Toms und der Bass klingt, als habe er sich in einer Mondlandschaft verirrt. One Song beginnt mit einem schönen psychedelischen Dröhnen, zieht das Tempo an und lässt erstmals etwas mehr Licht in Fortune, Shelter, Love And Cure. „I wanna be with you“, singt Tobias Feltes – aber er singt es so, als gebe es da gar kein Gegenüber, als würde es ihn beinahe schon trösten, dass er es laut aussprechen kann, immer wieder. Ein ganz ähnlicher Effekt stellt sich später in Blue Phoenix Tree ein, diesmal allerdings mit der noch offenherzigeren Zeile „I love you“.
Ganz am Ende steht Earth, Over (schon wieder so ein maximal bedeutsamer Titel), mit verfremdeter Stimme, Space Odyssey-Feeling und Pink-Floyd-Komplexität. Zum Abschluss eines spannenden, sehr eigenständigen Debütalbums zeigt der Track, wie Suns Of Thyme sich offensichtlich am wohlsten fühlen: Im Ungefähren.
Psychedelik! Und damit ist im Video zu Soma nicht nur der Hut gemeint.
Hingehört: Sumie – “Sumie”
Im höchsten Maße filigran geht es auf dem Debütalbum von Sumie zu.
| Künstler | Sumie |
| Album | Sumie |
| Label | Bella Union |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Es ist eine dieser Platten, auf der man hört, wie die Finger über die Gitarrensaiten gleiten. Man hört dieses Quietschen, man hört das Atmen. Sumie ist ein ganz leises, kostbares, intimes Debüt.
Der Grund dafür ist einigermaßen einfach: Sandra Sumie Nagano, die Künstlerin aus Göteborg, die hier am Werk ist, mag filigrane und minimalistische Klänge. Und sie hat zwei kleine Kinder. „It was not a style or a sudden choice but more me playing my guitar and having two small children, so I could not make much noise“, erklärt sie die Tatsache, dass auf Sumie fast immer nur eine akustische Gitarre und ihr Gesang zu hören sind, der ein bisschen an eine Dolores O’Riordan ohne das geringste Interesse an Rampenlicht denken lässt.
Die Ergebnisse sind trotz dieser Sparsamkeit beeindruckend. Sumie, die erst 2008 und als zweifache Mutter begann, regelmäßig Musik zu machen und deren Schwester Yukimi übrigens die Frontfrau bei Little Dragon ist, kann verloren klingen wie im Opener Spells You, erhaben wie in Burden Of Ease und enorm intensiv wie im grandiosen Show Talked Windows.
Immer wieder schafft die Schwedin mit japanischen Wurzeln berückende Effekte wie die provozierend lässige Frage „What’s the point of putting me down?“ in Never Wanted To Be, das an Laura Marling erinnert, oder den magischen Moment, wenn in Let You Go die zweite Stimme hinzu kommt und mit viel Entschlossenheit, Würde und einem Hauch von Mitleid verkündet: „I’m here to let you go.“
Zu den Beteiligten auf Sumie gehören der deutsche Komponist Nils Frahm, in dessen Studio in Berlin das Album auch aufgenommen wurde, der Amerikaner Dustin O’Halloran (von ihm stammt unter anderem der Soundtrack für Sofia Coppolas Marie Antoinette) und Simon Raymonde, auf dessen Label Bella Union die Platte erscheint, und der zudem als Produzent fungiert. „They understand what I’m doing“, erklärt Sumie die Entscheidung für diese Mitstreiter.
Nur dreimal weicht sie vom Nur-Gitarre-und-Gesang-Prinzip ab. Speed Into hat eine Violine zu bieten, die aber nur ein Flirren ist. Ganz weit im Hintergrund von Midnight Glories ist ein Cello zu erkennen. Und ganz am Ende des Albums, in Sailor Friends, gesellt sich ein Klavier hinzu, das schließlich ganz übernimmt. Das ist insgesamt sehr stimmig, auf mutige Weise altmodisch – und eine verzauberte Musik ohne Zeit.
Bedächtig und reduziert ist auch das Video zu Show Talked Windows:
Hingehört: Lorde – “Pure Heroine”
“Pure Heroine” von Lorde ist kein Debüt, sondern ein Ereignis.
| Künstler | Lorde |
| Album | Pure Heroine |
| Label | Universal |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Vor ein paar Tagen ist Ella Yelich-O`Connor 17 Jahre alt geworden. Das wäre schon deshalb eine wichtige Information, weil sie es unter ihrem Künstlernamen Lorde in diesem zarten Alter bereits zu einer Nummer-1-Single und einem Nummer-1-Album in den USA gebracht hat. Noch wichtiger wird diese Altersangabe aber, wenn man Pure Heroine, eben jenes Album, anhört: Kaum jemand hat es in jüngster Zeit vermocht, die Romantik der Teenagerwelt so gekonnt in Musik zu fassen.
„Der Mensch erlebt das, was ihm zukommt, nur in der ersten Jugend in der ganzen Schärfe und Frische, (…) und von dem zehrt er sein Leben lang“, hat Herman Hesse einmal geschrieben, und wie zutreffend diese Analyse ist, bestätigt diese famose Platte. Die Intensität dieser Lebensjahre, das Neue, die Herausforderung, das Versprechen einer niemals endenden Zukunft, all das umgibt Lorde mit einer enormen Spannung, und all das fängt sie unfassbar reizvoll ein.
Ganz oft singt sie in der Wir-Form, und man kann sie dann wahlweise als Kopf einer Clique oder Sprachrohr ihrer Generation betrachten. Manchmal spricht sie direkt ein Gegenüber an, und auch dann kann man sich gut vorstellen, dass da ein Dialog auf dem Schulhof, ein Krach mit den Eltern oder die vertrauliche Ansprache des eigenen Tagebuchs vertont wird.
Bezeichnend dabei ist, wie wenig unbedarft die Musik dazu klingt. Von der ersten Sekunde an ist Lordes Stimme präsent, ganz oft kann sie es sich leisten, auf sonderlich spektakuläre Zutaten zu verzichten und ihre Lieder sogar erstaunlich minimalistisch zu belassen, weil die Kompositionen so stark sind. „It’s a new art form“, singt sie im betörenden Opener Tennis Court – so weit muss man nicht gehen, dennoch ist Pure Heroine nicht bloß ein Debüt, sondern ein Ereignis.
Royals besteht fast nur aus Beat und Gesang, ist aber im höchsten Maße originell und verführerisch und vor allem voller Klasse. Ribs entwickelt eine schöne Beschleunigung, Team beginnt acappella, um dann mit einem irren Beat zu überraschen, A World Alone macht süchtig. Auch White Teeth Teens ist höchst einfallsreich, die Melodieführung, die Schlagzeugwirbel inmitten eines sehr schmucken Beats und die Orgel im Hintergrund sind nur einige Belege dafür.
Selbstverständlich muss man an Lana Del Rey denken, nicht nur wegen der stimmlichen Ähnlichkeit, die beispielsweise in Still Sane anklingt, sondern auch wegen der Entstehungsgeschichte von Pure Heroine: Erfolg im Netz, sehr frühes Interesse von Majorlabels, eine kurze Schaffenskrise, die im Falle von Lorde durch die Unterstützung von Co-Songwriter Joel Little überwunden wurde.
“This record is about waiting for things, and boredom, and over analysis and angst, and all that. But it’s also about bravery, about confidence, hatred and love. I poured my brain and heart into this, and maybe I’ll hate it in two years, because that’s the nature of being my age, but for now it’s the most powerful thing I can give”, schreibt Lorde im Booklet von Pure Heroine. Die Sorge, dass sie von diesen Liedern womöglich peinlich berührt sein wird, wenn sie etwas älter ist, kann man ihr nehmen: Der Blick auf die wichtigen Themen des Heranwachsens, auf das Gefühl von Mangel, Brüchigkeit, Sehnsucht und Aufruhr hat auf dieser Platte nichts Naives. Im Gegenteil: Lorde schafft es, die Authentizität des eigenen Erlebens mit schlauer Reflexion zu verbinden. Angeblich sagen die jungen Leute heutzutage dazu: Lorde ist gediegen. Sie meinen damit „super, cool, lässig“. Und sie haben recht.
Royals offenbart noch eine Parallele zu Lana Del Rey: massenweise YouTube-Klicks.
Hingehört: Zaz – “Recto Verson (Collector’s Edition)”
“Recto Verso” gibt es jetzt mit neun Zusatzliedern und einer DVD.
| Künstler | Zaz |
| Album | Recto Verso (Collector’s Edition) |
| Label | Sony |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Zuerst die Fakten: Recto Verso ist das zweite Album von Zaz, und es ist ein sehr gutes. Es hat sich hierzulande 100.000 Mal verkauft und bestätigt, dass Isabelle Geffroy (also Zaz) derzeit der beliebteste französische Pop-Export ist. Nun hat Zaz die Platte noch einmal ein bisschen aufgemotzt. Das Album ist gerade als Collector’s Edition noch einmal neu erschienen, mit neun Bonustracks und einer DVD namens Zaz, l’histoire d’une ascension mit einer Spielzeit von knapp 28 Minuten.
Es gibt einen sehr bezeichnenden Moment in dieser Kurzdokumentation, die davon berichtet, wie Zaz sich mit ihrem Gitarristen Benoît, ihrem Bassisten Mathieu und dem Schweizer Alpinisten Dani Arnold im Oktober 2012 auf den Weg zum Mont Blanc gemacht hat. Dieser Moment ist allerdings nicht die Szene, in der sie den Gipfel des höchsten Bergs Europas erreicht hat und dort ihren Hit Je veux singt. Sondern es ist ein Zitat. „Ich glaube, dass ich mit meiner Stimme die Menschen berühre, liegt an meiner inneren Überzeugung. Denn eine Stimme ohne was dahinter klingt nicht“, sagt Zaz da, und das ist ein brillante Analyse ihres Erfolgsrezepts. Zaz lebt ihre Musik, so einfach ist das, und so mitreißend.
Das beweisen auch die neun neuen Lieder der Recto Verso-Neuauflage. Appât de velours, ihr Duett mit Alex Renart, klingt beispielsweise herrlich lebendig, organisch und spontan („Es gibt nichts Tolleres, als in der Gegenwart zu sein“, ist noch so ein zentrales Zitat von Zaz auf der DVD, und dieses Lied ist die Entsprechung davon). Pfeifen, ein Tamburin und ein Banjo sind wichtige Zutaten, und das Ergebnis hätte gut auf den Soundtrack von 8 Frauen gepasst, wenn da Männer zumindest als Duettpartner erlaubt gewesen wären.
Ensemble ist lässig und gut abgehangen, aber nicht träge oder ereignislos, und die Sache mit dem „gemeinsam“ nimmt Zaz durchaus wörtlich: Neben ihr sind in diesem Stück noch acht weitere Beteiligte zu hören („Wir werden es schaffen, weil wir eine Gruppe sind“, spricht sich Zaz in der Dokumentation Mut zu, als das Klettern auf den Mont Blanc wirklich strapaziös wird). La part d’ombre ist ein weiterer Beweis ihrer Klasse: Im Prinzip ist das Stück eine verträumte, beinahe dezente Reggaeballade, aber der Refrain verhält sich zu einem üblichen Radiorefrain wie Haute Couture zu C&A. Auch ihre Coverversion von La vie en rose überzeugt, sie versucht keine Modernisierung, sondern verlässt sich ganz auf die Stärke des Edith-Piaf-Stücks und macht damit alles richtig.
Nicht zuletzt reichen die neun Bonustracks von Recto Verso aus, um die unbändige Kreativität und enorme Musikalität von Zaz zu verdeutlichen. Sie kann sacht und sinnlich sein wie in Je rentre mit Waldhorn-Solo, einen wilden Ragtime wie Laissez-moi hinlegen oder im heiteren Le retour de soleil ihre eigene Ausgelassenheit genießen, die am Ende in etwas mündet, was man unbedingt „Rock“ nennen sollte. En rêve ist zwar nicht überragend (und weist einige Ähnlichkeiten zu Pat Benatars Love Is A Battlefield auf), aber ein weiterer Popsong mit Charakter. Und Belle ganz am Ende der Neuauflage zeigt, dass man Zaz nicht nur das Musizieren im Wohnzimmer mit Bandkollegen, am Lagerfeuer mit spontanen Bekannten oder in einer Spelunke mit harten Kerls zutrauen sollte, sondern auch einen Auftritt mit Orchester im Opernhaus.
Die Musik klingt tatsächlich so, wie die Sängerin auch auf der DVD wirkt: schlau, lebensfroh, sympathisch, bodenständig. Die Erfahrung, auf dem höchsten Berg Europas zu stehen, hat Zaz auch prompt in einen Song namens La lessive gepackt, und selbst beim Klettern in Eiseskälte, mit einem schweren Rucksack und in 3000 Metern Höhe sieht man Zaz hier immer wieder beim Singen. Einen besseren Beweis hätte es nicht geben können: Diese Lieder sind für sie nicht bloß Zeitvertreib oder Broterwerb, sondern Berufung.
Zaz besteigt den Mont Blanc und singt Je veux:
Hingehört: The BossHoss – “Flames Of Fame”
“Flames Of Fame” zeigt: Das BossHoss-Konzept funktioniert weiter.
| Künstler | The BossHoss |
| Album | Flames Of Fame |
| Label | Island |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Wahrscheinlich haben das fast alle Gymnasiasten in Deutschland schon einmal erlebt. Ein Mitschüler kommt zurück aus dem Austauschjahr in den USA und er ist plötzlich total verändert. Im Englischunterricht spricht er immer, als habe er ein Kaugummi im Mund, er trägt Turnschuhe wie von einem anderen Planeten und wenn er von seinen Ausflügen aus der Pampa (da landen Austauschschüler meistens) in die etwas spektakuläreren Ecken des Lands der unbegrenzten Möglichkeiten berichtet, dann sagt er „Nu York“, nicht etwa „Nju York“ wie wir Ahnungslosen.
The BossHoss sind seit fast zehn Jahren diese Austauschschüler. Irgendwann wurden sie mit dem Amerika-Virus infiziert, und zwar mit der staubtrockenen, Cowboyhut-tragenden, Whiskey-saufenden und Truck-fahrenden Variante davon, und Heilung ist auch auf ihrem neuen Album Flames Of Fame nicht in Sicht.
Vor allem die Texte machen das diesmal deutlich: Es sind eher Klischees als Bekenntnisse, eher Slogans als Gedichte. BossHoss klingen wie die Austauschschüler, die ganz viele neue Redewendungen aufschnappen, völlig begeistert sind, alles verschlingen und die besten davon möglichst schnell nachplappern, um dazuzugehören. Das wichtigste Ziel ist: Diese Wörter sollen cool klingen. Das hat natürlich keinerlei Tiefgang, klappt aber meistens.
Eine wichtige Zutat dabei ist Humor. Das fängt schon beim Albumtitel an: Die Flammen des Ruhms lassen natürlich an die Flüchtigkeit und Beliebigkeit von medialer Aufmerksamkeit denken, die Andy Warhol einst vorhersagte. Flames Of Fame ist insofern ein gewagter (beziehungsweise fein augenzwinkender) Albumtitel für eine Band, deren zwei wichtigste Mitglieder gerade wieder als Juroren in einer Castingshow fungieren.
Dieser Humor und diese Entschlossenheit, auf Credibility und allzu viel Kopfzerbrechen im Zweifel einfach zu scheißen, schimmert auch im Opener Bullpower durch – zumindest wenn man um die Verbindung von BossHoss zu Red Bull weiß. Der Brausehersteller hat zuletzt eine US-Tour-Dokumentation der Berliner Cowboys gesponsert, ein Teil von Flames Of Fame wurde auch in den Red Bull Studios in Los Angeles aufgenommen. Dass Bullpower mit der Zeile „It’s the hour / of bullpower“ und einer Herangehensweise, die man schön auf die Worte Riff! Riff! Riff! reduzieren kann, hervorragend als Werbesong für den Energy Drink funktionieren würde, wundert da nicht.
Zwei weitere Erkenntnisse bietet Flames Of Fame. Zum einen haben die Tijuana Wonderbrass, also die Bläsersektion bei The BossHoss, diesmal eine enorm prominente Rolle. Eager Beaver zum Beispiel ist eines von vielen Liedern auf dieser Platte, die okay sind, durch die Bläser aber extra Schmackes und eine neue Qualität bekommen. Zum anderen ist es erstaunlich, wie gut das Konzept von The BossHoss auch auf ihrem siebten Album noch funktioniert: A Little More More More etwa könnte auch von Rodeo Radio (2006) stammen, klingt aber kein bisschen angestaubt, sondern hundertprozentig wirkungsvoll.
Das ist auch gekonnten Variationen zu verdanken wie der funky Gitarre in Whatever, dem akustischen What If oder dem HipHop-Beat und Sprechgesang in Easy To Love You. Das Lied würde definitiv auch Everlast gut gefallen, wenn er es eines Tages im Autoradio (also genau dort, wo es hingehört) entdecken sollte. God Loves Cowboys heißt der letzte (und arschcoole) Track auf Flames Of Fame, und die letzten Zeilen dieser Platte lauten: „God loves cowboys, believe it or not / so if you mess with BossHoss, you mess with God.“ Das stimmt wohl.
The BossHoss spielen Do It live:
Hingehört: Holy Ghost! – “Dynamics”
Mehr Selbstvertrauen und viel Popappeal zeigen Holy Ghost! auf “Dynamics”.
| Künstler | Holy Ghost! |
| Album | Dynamics |
| Label | DFA |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
“I’m trying to make music that makes me as unabashedly giddy as music made me when I was a kid”, sagt Nick Millhiser, die eine Hälfte von Holy Ghost! Der Mann, der gemeinsam mit Bandkollege Alex Frankel dieses Duo bildet, hat auch eine gute Begründung dafür: „I think that’s a big part of why we’re so obsessed with sounds. Because I think more abstract things, like sound, take [you] places. It’s a guttural, sort of ambiguous familiarity to things you grew up with that I think, when you get older, you come back to. And you’re like, ‘Oh – this really is the best.’”
Die Zeit, von der Millhiser spricht, die Zeit seiner Kindheit, sind die Eighties. Auf Dynamics, dem zweiten Album des Duos aus Brooklyn nach dem Debüt vor zwei Jahren, feiern sie fröhlich Urständ. Schon der Opener Okay klingt wie ein Klassiker aus dem Hause OMD oder Erasure, Das zurückgenommene I Wanna Be Your Hand lässt an Crowded House oder Spandau Ballet denken, der leichtfüßige Rausschmeißer Cheap Shots ist wie gemacht für einen John-Hughes-Film.
Dynamics verströmt eine große Anmut, hat viele gute Songs, die oft im letzten Drittel noch ein bisschen besser werden und das besondere Etwas bekommen, und es macht vor allem konsequent gute Laune. Changing Of The Guards klingt beinahe überstürzt, so viel Vorwärtsdrang steckt da drin. Mit der zentralen Aufforderung „Shake it off!“, ganz viel Pop-Appeal und einem tollen Beat zum Hüpfen à la Hot Chip bestreiten sie die mehr als acht Minuten des grandios betitelten Dumb Disco Ideas. Wie Musik aus einer Disco, in der niemand schwitzt und kotzt und ausrutscht und wo sogar der Türsteher gut aussieht und lächelt, klingt Bridge And Tunnel.
Man merkt Holy Ghost! an, dass sie ihr zweites Album mit viel mehr Souveränität angegangen sind. Alex Frankel mag seine Stimme inzwischen etwas mehr als früher, es gibt nicht mehr so viele zusätzliche Gesangsspuren im Hintergrund, hinter denen er sich versteckt. Die Produktion spiegelt die Erfahrungen wider, die Holy Ghost! als Remixer unter anderem für MGMT, Cut Copy, Moby, Phoenix und LCD Soundsystem gemacht haben. Zudem haben sie sich diesmal einen längeren Auswahlprozess gegönnt – mit dem Ziel, die wirklich guten Ideen herauszufiltern.
“Dynamics is really a descriptive term we used to focus on contrast, but it’s also referring to a lot of Alex’s lyrics this time around, which deal with the dynamics of relationships. It’s a good single-word descriptor of what we were trying to do with these songs, something we kept coming back to when writing and recording”, erklärt Nick Millhiser den Albumtitel, und zur Dynamik der Platte gehört auch, dass sie sich keineswegs auf Achtziger-Referenzen beschränkt. Dance A Little Closer beispielsweise beginnt mit einem Schlagzeug, einem Bass und einem Gesang, der wie ein synthetisierter und sehr origineller Motown-Ersatz klingt. Don’t Look Down wird betörend und enthält etwas, das man für einen verfremdeten Dudelsack halten könnte. In The Red wirkt beinahe, als sei es bloß geträumt.
All das macht Dynamics zu einem großen Vergnügen. Auch wenn Nick Millhiser damals vielleicht einfach noch zu klein war, um es zu bemerken: So gut, so cool und so elegant, wie sie hier wiederauferstehen, waren die Eighties gar nicht.
Nicht allzu dynamisch: Holy Ghost! im Video zu Okay:
Hingehört: Son Lux – “Lanterns”
Mal episch, mal minimalistisch kommt “Lanterns” daher.
| Künstler | Son Lux |
| Album | Lanterns |
| Label | Joyful Noise |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Es gibt Alben, jeder Musikfan kennt sie, die brauchen eine Weile. Sie bleiben beim ersten Auflegen rätselhaft oder gar enttäuschend, sie entwickeln sich dann aber, wenn man ihnen die Gelegenheit gibt, bis man sie schließlich umso mehr ins Herz schließt. „Grower“ sagen die Engländer zu solchen Platten.
Lanterns, das dritte Album von Son Lux alias Ryan Lott, passt einerseits in dieser Kategorie, andererseits aber nicht. Wachstum ist hier eine viel zu kleine Kategorie für das, was sich zwischen den einzelnen Durchläufen abspielt. Beim ersten Mal klingt Lanterns belanglos, beim zweiten Mal schon bemerkenswert, beim dritten Mal bedeutend. Es ist wie eine extrem beschleunigte Evolution: Alle 42 Minuten entsteht die nächste Entwicklungsstufe.
Das ist kein Wunder, denn Ryan Lott versteht sich ebenso als Komponist wie als Produzent, und er schichtet als Son Lux wahlweise zig Dimensionen übereinander oder bleibt ganz reduziert. „Lanterns offers up enough sonic challenges to cause a massive battle within anyone’s headspace”, hat Popmatters diesen Effekt beschrieben. Eher wie die Musik für ein Theaterstück oder eine moderne Oper mutet beispielsweise Ransom an, mit Störgeräuschen und Geigen, die wie zu Tode verängstigte Schmetterlinge klingen. Easy hingegen wirkt (kein Wunder bei diesem Songtitel) wie ein Soulklassiker, der bei einem Achtel der regulären Geschwindigkeit abgespielt wird, und Enough Of Our Machines bleibt hochgradig abstrakt.
No Crimes schafft es, lupenreinen Punk und ein brachiales Schlagzeug mit Bläsern und Streichern zusammenzubringen, die eher nach Strawinsky klingen. Lanterns Lit ist abwechselnd minimalistisch und episch, Pyre hat die Tiefe und Innovationskraft der ambitioniertesten Radiohead-Momente. Plan The Escape könnte man eine Hymne nennen, die von ihrer eigenen möglichen Größe verschreckt wird. Lost It To Trying setzt auf einen Beat, der zugleich mächtig und gebrochen ist.
Alternate World heißt der Opener dieser Platte, mit Chören, einer Slidegitarre und Rückwärtselementen, und das ist vielleicht die beste denkbare Bezeichnung für die Musik von Son Lux. Dazu passt auch der Hinweis, dass zwar unter anderem Peter Silberman (The Antlers), oder yMusic (Dirty Projectors, Bon Iver) zu den Gästen auf Lanters zählen, sie aber alle verschmelzen in der Vision von Ryan Lott. Er vereint hier das Digitale mit dem Analogen, die Kalkulation mit der Mystik, und er hat dabei alle Fäden in der Hand.
Der Albumtrailer zu Lanterns:
-
Neueste Rezensionen
Neueste Kommentare
-
Interview mit Sportfreunde Stiller Schön, wenn eine Band den Schlüssel zu ihrem Verständnis im Interview mitliefert: "Wenn der Te...
-
-
Durchgelesen: Christopher Clark - "Die Schlafwandler" wieso "erstaunlich"? Jeder, der sich vorurteilslos mit der Geschichte befasst, ohne zu moralisier...
-
Hingehört: Revolverheld - "Immer in Bewegung" Meine Worte, hätte ich nicht besser ausdrücken können. Am schlimmsten ist wirklich "Das kann u...
-
Young Rebel Set, Werk 2, Leipzig Hallo, auch ich war, gezwungen, nüchtern. Eine Korreukter zu deinen Text: der ganz besonder...
-
