Hingehört: Sun Of Moon – “Sun Of Moon”
Eine Hälfte Pop-, eine Hälfte Filmmusik: Das ist das Debüt von Sun Of Moon.
| Künstler | Sun Of Moon |
| Album | Sun Of Moon |
| Label | Motor |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung |    |
Ich weiß nicht viel über Marcel Blatti, den Mann, der hinter Sun Of Moon steckt. Was ich in Erfahrung bringen konnte: Er treibt in seiner Schweizer Heimat seit einiger Zeit als Lleluja-Ha sein Unwesen und ist seit einer Weile in Berlin zuhause. Auf der Bühne mag er es, sich in geheimnisvolle Kostümierung zu werfen, Soundtracks für Leander Haußman hat er auch schon gemacht, ebenso wie Theatermusik für bekannte Regisseure wie Falk Richter (Schaubühne Berlin) und Stefan Pucher (Münchner Kammerspiele). Was ich nicht weiß, aber stark vermute: Seine Eltern müssen sehr überzeugte Hippies sein, und sie haben ihrem Sohn offensichtlich ein Leben lang immer dieselbe Botschaft mit auf den Weg gegeben: Entfalte dich, Junge!
Denn was Blatti alias Lleluja-Ha alias Sun Of Moon auf seinem Debütalbum unter diesem Namen anstellt, ist im höchsten Maße erstaunlich. Künstler wie OY, Disco Doom, Pola und Feist sind zwar lose mit Sun Of Moon assoziiert, bis auf einige Bassläufe hat er dieses Album aber komplett allein eingespielt, auch die Bläser- und Streicherarrangements hat er übernommen.
Als wäre das noch nicht genug an künstlerischer Entfaltung, ist Sun Of Moon auch gleich noch ein Doppelalbum geworden. CD 1 enthält opulenten Pop, für den Get Well Soon eine gute Orientierung ist. CD 2 ist bis auf zwei Ausnahmen gänzlich Instrumental. „Von meinem Soloalbum wollte ich, dass es wirklich meine Musik repräsentiert und nicht nur einen Teil meiner Musik. Deshalb habe ich beides miteinander kombiniert: eine CD mit Popmusik und eine CD mit Filmmusik“, erklärt Lleluja-Ha.
Den Hippie-Verdacht bestätigt dabei auch die Musik. „And then a sun came up on the horizon“, heißt die erste Zeile des Albums, begleitet von esoterischen Sounds, einer etwas windschiefen Orgel, dezenten Percussions und einer Stimme, die an Neil Tennant erinnert. Auch Past And Present Friends könnte man mit den Pet Shop Boys verbinden, wenn bei denen irgendwann einmal das Instrumentarium überschnappen sollte. Die Melodie von Who Will Fix Our Broken Hearts erinnert stark an Game On von Catatonia, das bemerkt man aber nur, wenn man der Versuchung widerstehen kann, bei diesem Lied an ein Lagerfeuer zu denken, an dem eine Blaskapelle vorbeimarschiert.
Journey To The Sun (Hippies!, ich sag’s doch) beweist, dass es bei Sun Of Moon auch sehr hübschen, eleganten Pop gibt, My Arms Around The World Tonight bringt erfreulichen Schwung in die zweite Hälfte von CD1, das Finale von Ride That Horse ist sogar richtig wild. Aufhorchen lassen auch The Brightest Lights In The Darkest Nights, das wie eine Fortsetzung des Soundtracks zu Eyes Wide Shut klingt, und New Morning, in dem es neben viel Simon&Garfunkel-Seligkeit sogar bellende Hunde und zwitschernde Vögel gibt. Das Lied ist damit typisch für diese Platte: Alles auf Sun Of Moon ist interessant oder sogar schön, aber nur wenig ist wirklich essentiell.
CD 2 bietet mal ausgelassenen Jazz wie Symphony, mal Orchestersounds wie Hotel New York Part I oder wunderbare Lounge-Momente für den Sommer wie Wilma, in denen Lleluja-Ha mit dem Mund sogar Scratching-Sounds imitiert. „Großes Kopfkino“, hat die Basler Zeitung über Lleluja-Ha geschrieben, schon bevor er Sun Of Moon war. Besser kann man es nicht ausdrücken.
Das Video zu My Arms Around The World Tonight berichtet aus dem Leben einer Stuntfrau:
Draufgeschaut: Nicht ohne meine Tochter
Betty (Sally Field) wird von ihrem Mann Moody (Alfred Molina) im Iran festgehalten.
| Film | Nicht ohne meine Tochter |
| Produktionsland | USA |
| Jahr | 1991 |
| Spielzeit | 117 Minuten |
| Regie | Brian Gilbert |
| Hauptdarsteller | Sally Field, Alfred Molina, Sheila Rosenthal |
| Bewertung | |
Worum geht’s?
Das Leben von Betty und Moody wirkt harmonisch: Sie sind seit sieben Jahren verheiratet, sie lieben sich innig und ihre kleine Tochter Mahtab ist ein Sonnenschein. Moody, der aus dem Iran stammt und seit 20 Jahren in den USA lebt, hat allerdings Sehnsucht nach der Familie in seiner Heimat, die er seit zehn Jahren nicht mehr gesehen hat. Auch der latente Rassismus, den er in seinem Job als Arzt erlebt, macht ihm zu schaffen. Er schafft es, Betty zu einem zweiwöchigen Urlaub in Teheran zu überreden. Dort erwartet sie zunächst viel Herzlichkeit, doch dann will Moody im Land bleiben. Betty ist schockiert, denn von einem Leben als selbstbestimmte Frau kann sie im Iran nicht einmal träumen. Doch sie darf das Land nur verlassen, wenn sie ihre Tochter zurücklässt, und das will sie auf keinen Fall. So wird sie zur Gefangenen ihres Mannes, der immer herrischer wird, und ihre Tochter wird zur Geisel.
Das sagt shitesite:
Mit möglichst viel Melodramatik soll möglichst große Herzlosigkeit verdeutlicht werden – auf diese einfache Formel könnte man Nicht ohne meine Tochter bringen. Als Gefühlskino funktioniert der Film leidlich, es gibt reichlich dramatische Szenen, überzeugende Schauspieler, ein süßes Mädchen (das meist nichts anderes sagt als ein herzzerreißendes “Mommy!”) und am Ende auch etwas Spannung.
Als sich Betty entscheiden muss, ob sie alleine flieht oder ihrer Tochter beisteht, entsteht zudem ein recht cleverer Konflikt: Das, was sie zurückhält, ist die archaische Kraft der Familie, und genau diese archaische Kraft ist es auch, die Moody dazu bringt, plötzlich auf seiner Rolle als strenger Ehemann und Vater zu bestehen.
Trotzdem gibt es zwei gravierende Probleme bei dieser Romanverfilmung: Das erste ist die Figur des Moody. Er scheint keinerlei Persönlichkeit zu haben, sondern wirkt immer bloß wie ein willfähriges Produkt seiner Umwelt – sowohl in den USA, wo er vorbildlich assimiliert zu leben scheint, als auch im Iran, wo er sich sofort den moralischen Vorstellung seiner Familie beugt. Seine Liebe zu Betty ist noch nachvollziehbar, seine Liebe zur Heimat aber nicht.
Es wirkt einigermaßen bemüht, wie die Motivation für seinen Sinneswandel konstruiert wird: Zunächst lernt er die Arroganz des Westens kennen und fühlt sich deshalb ausgegrenzt, dann entdeckt er plötzlich seine Frömmigkeit, die er jahrelang nicht ausleben durfte (erst unter dem Schah, dann in den USA). Er wird so zu einem Anti-Individuum, zur personifizierten Radikalisierung.
Damit sind wir beim zweiten Problem von Nicht ohne meine Tochter, und das ist ein kaum kaschierter kultureller Chauvinismus. Als Betty im Iran ankommt, erlebt sie einen Kulturschock, und dem Zuschauer muss es genauso gehen, denn von Beginn an wird das Land als bedrohlich dargestellt: zu viele Menschen, zu viele Emotionen, zu viele Militärs, zu viele Vorschriften. Es gibt ein paar Feigenblatt-Momente, in denen die persische Kultur oder die gastfreundliche Seite des Iran zumindest etwas Raum bekommen, ansonsten ist die Position aber klar: Der Iran ist hoffnungslos rückständig und der Islam ist hoffnungslos barbarisch. Die westliche Welt steht hier für Zukunft und Miteinander, die muslimische für Vergangenheit und Autorität. Auch wenn die Geschichte von Nicht ohne meine Tochter auf einer wahren Begebenheit beruht, gibt es für eine derart tendenziöse Darstellung nur ein Wort: Rassismus.
Bestes Zitat:
„Jeder Glaube scheint primitiv, wenn er nicht dein eigener ist.“
Der Trailer zum Film:
Hingehört: Adel Tawil – “Lieder”
Nach 17 Jahren als Musiker hat Adel Tawil sein Soloalbum gemacht.
| Künstler | Adel Tawil |
| Album | Lieder |
| Label | Universal |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Ich habe gerade noch einmal nachgezählt: 180 Mal ist das Wort „ich“ auf dieser Platte zu hören (auch wenn Adel Tawil es natürlich stets als „isch“ ausspricht). Das macht also, über den Daumen gepeilt: 90 Mal Ich + Ich.
So viel zu den Kalauern. Die Verbindung zu dem Duo, das Adel Tawil mit Annette Humpe bildete und das im Januar 2012 sein letztes Konzert gespielt hat, ist auf dieser Platte allerdings sehr präsent. Zum einen ist da die Stimme des 35-Jährigen, die man sofort erkennt. Zum anderen verkörpert Lieder einen Sound, den man sich auch bei Ich + Ich hätte vorstellen können: Popmusik, meist harmlos, meist solide, meist schick.
Ein paar Unterschiede sieht Adel Tawil, der 1996 seinen ersten Plattenvertrag unterschrieben hat und nun – 17 Jahre später – erstaunlicherweise erstmals vor der Situation steht, ein Album unter seinem eigenen Namen zu machen, aber doch. „Es muss persönlicher sein, mir aus der Seele sprechen“, umschreibt er die Zielsetzung für seine neuen Stücke.
Am deutlichsten wird das im Titelsong. Adel Tawil besingt in Lieder seine Sozialisation durch Popmusik, mit lauter Referenzen an Songtitel und Interpreten und mit viel Leidenschaft. „Und ich singe diese Lieder…“, beginnt der Refrain – bei der letzten Wiederholung am Ende des Tracks wird daraus aber „Und wir singen diese Lieder…“, das ist ein cleverer Verweis auf den Zusammenhalt, der durch Pop entstehen kann.
Besonders viel Tiefgang und Introspektive bietet das Album ansonsten nicht. Kartenhaus handelt von der Vergänglichkeit, Auf Sand gebaut warnt vor einer Sintflut und lässt offen, ob das wörtlich mit Blick auf den Klimawandel gemeint ist, oder doch metaphorisch als eine Warnung vor dem moralischen Verfall. Der Rest sind Liebeslieder, mit viel Pathos wie der Opener Immer da oder plakativ, wirkungsvoll und NDW-geprägt wie Graffiti Love (auf dem die Humpe-Schwestern mitsingen).
Apropos Mitstreiter: Produziert wurde Lieder von Tobias Kuhn (Sportfreunde Stiller, Thees Uhlmann, Die Toten Hosen), und er leistet hier Großes. Oft gibt es langsame, aber beinahe monströse Beats, das Album profitiert enorm von originellen Ideen wie den elektronischen Anleihen in Wenn du liebst oder den arabischen Einflüssen im eingängigen Herzschrittmacher. Auch die Gastauftritte überzeugen: Sido und Prinz Pi zanken sich im (angesichts dieser Besetzung erstaunlich guten) Aschenflug darüber, ob der Rock’N’Roll-Lifestyle nun erstrebenswert oder bedenklich ist. Matisyahu veredelt das kraftvolle und sehr positive Zuhause, das man sich auch gut von K’Naan vorstellen könnte.
Auch sonst spielt Adel Tawil hier durchaus in einer Liga, die international konkurrenzfähig ist. Der Groove von Weinen würde auch gut zu Gnarls Barkley passen, ebenso wie die geschickt platzierten Streicher und die Tarantino-Gitarre. Der Bonustrack Neujahr ist ein gelungener Popsong, und dass man dabei zuerst an Echt oder Virginia Jetzt! denkt (statt meinetwegen an Robbie Williams oder Roxette) liegt nur daran, dass hier eben auf Deutsch gesungen wird.
Zwei Ausrutscher hat Lieder freilich auch: Unter Wasser klingt, als habe jemand die Münchner Freiheit mit U96 zwangsverheiratet, auch Schnee (aus der Feder von Annette Humpe, übrigens) ist ein schlimmer Schlager. Insgesamt ist das aber vorzeigbar und Adel Tawil ist in jedem Fall stolz auf diese Platte, schließlich ist sie für ihn „das erste eigene Ding, nach Jahren. Das, was ich immer erreichen wollte.“
Aus Ascheflug hat Adel Tawil gleich mal einen Kurzfilm gemacht:
Durchgelesen: Klaus Theweleit – “Tor zur Welt”
Als Straßenkicker und Philosoph nähert sich Klaus Theweleit der Komplexität des Fußballs.
| Autor | Klaus Theweleit |
| Titel | Tor zur Welt. Fußball als Realitätsmodell |
| Verlag | Kiepenheuer & Witsch |
| Erscheinungsjahr | 2004 |
| Bewertung | |
Es ist als Kompliment gemeint, als Appetizer, aber man könnte es auch als Warnung verstehen. „Dieses Buch ist zugleich Untersuchung wie auch Ausdruck einer kulturellen Blüte“, schreibt Sportjournalist Christoph Biermann im Vorwort zu Tor zur Welt. „Nie zuvor wurde so viel und so weit changierend über Fußball geschrieben, nie zuvor war der Stand des fußballerischen Denkens so hoch“, fügt er an. Er leitet dabei unmittelbar zu der Frage über (im Fußball würde man wohl von einem „Steilpass“ sprechen): Braucht es noch ein Buch, dass sich aus der Perspektive des großen Denkers dem banalen Kick widmet? Auch noch von Klaus Theweleit, einem Literaturwissenschaftler, der zum Zeitpunkt des Erscheinens von Tor zur Welt als Professor für Kunst und Theorie an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe tätig war?
Die Antwort lautet eindeutig: ja. Theweleit schafft es hier sehr eindrucksvoll, das Philosophische im Fußball zu erkennen, die Wechselwirkung (den Doppelpass?) zwischen Fußball und Gesellschaft zu durchleuchten. Die Bandbreite ist enorm: Er geht auf die erstaunlichen Parallelen zwischen Ligatabellen und Musikcharts ein und schafft es auch, vom Spielstil der holländischen Nationalmannschaft zur Malerei von Vermeer und Mondrian überzuleiten. Gelegentlich schießt er dabei zwar übers Ziel hinaus, dann ist seine Argumentation unrund oder selektiv. Alles in allem ist Tor zur Welt. Fußball als Realitätsmodell aber eine enorm kluge, inspirierende Betrachtung.
Wie unlängst auch Nils Havemann in seiner Geschichte der Bundesliga zeichnet Theweleit nach, wie sehr dieser Sport unser Land (auch all jene, die nichts davon wissen wollen) geprägt hat. Am spannendsten wird es, wenn der Autor der Frage nachspürt, warum dieser Zusammenhang mittlerweile so allgemein anerkannt ist und sogar zunehmend zur intellektuellen Analyse anregt. Theweleits Vermutung: Seit dem Ende der politischen Utopien gibt es nur noch wenige Felder, die sich als Spiegelbild der Gesellschaft nutzen lassen und zugleich eine ausreichend attraktive und wirkungsmächtige Projektionsfläche bieten. Der Fußball ist eines der wenigen davon, und er wird deshalb mit allerlei Theorien und Weltanschauungen befrachtet. „Wer mitbekommt, was sich im Fußball wann und wie verschiebt, ist über andere Gesellschaftsbereiche osmotisch informiert“, schließt der Autor daraus.
Das Beste an diesem Buch ist allerdings, dass Theweleit nicht nur ein kluger Denker und ausgewiesener Kenner der Materie ist, sondern auch ein Enthusiast. Sein Buch ist ein „aus tiefster Fanbrust angestimmtes Loblied auf die welterschließende Kraft des Fußballs“, hat Andreas Rosenfelder in der FAZ richtig bemerkt, und es ist diese Begeisterung für das runde Leder, das weitgreifende Theorien, überraschende Vergleiche und zudem den erstaunlichen Mix aus Taktiklehrgang (am Ende des Buchs analysiert Theweleit sehr eindrucksvoll entscheidende Szenen der WM 2002) und politischem Essay verstehen lässt.
Theweleit ist Straßenfußballer. Er kickte mit dem Gummiball auf selbstgebaute Tore, später auf dem Feld war er als Linksaußen UND Torwart im Einsatz (und ihm wird klar sein, dass da jeder schmunzeln wird, der die alte Fußballweisheit zu diesen Positionen kennt). In Tor zur Welt geht er ausführlich auf sein eigenes Spielen ein, er erzählt „seine Kindergeschichte als komplett am Magneten Fußball ausgerichtet“, wie es im Klappentext heißt.
Das wirkt gerade am Beginn des Buchs sehr subjektiv und liebevoll – und damit unrepräsentativ. Doch dann wird klar: So ist es für jeden Fan. Die Zeiten, Vereine und Spieler ändern sich zwar, doch die Mechanismen und Effekte einer solchen Sozialisation bleiben gleich. Gelegentlich hat auch dieses sehr persönliche Erzählen skurrile Auswüchse zur Folge, so glaubt Theweleit beispielsweise, dass sein fußballgeschädigtes Knie einen Teil seines Denkens übernommen und sogar mehrere wegweisende Entscheidungen in seinem Leben enorm beeinflusst hat. Aber dem stehen sehr weise, sogar poetische Erkenntnisse gegenüber wie diese: „Fußball von Anfang an bestand aus beidem: Körpern und Medien. Bällen auf Plätzen und Bällen in der Imagination, im Radiolautsprecher. Bei Spielen war man immer auch wer anders, ein anderer Spieler oder ein berühmter Verein. Spielen hieß: Weltanschluss. Die Schnittstelle zwischen ‚Ich’ und ‚Welt’: der Ball. Ein Hyper-Ball, in dem auch alle nur gehörten und gefühlten Bälle kreisten.“
Bestes Zitat: „Der Unterschied zwischen den Geschlechtern, vom Ball her gesehen, bestand zunächst darin, dass Mädchen Hände nahmen, wo die Jungs Füße benutzten. Zweitens darin, dass sie heile Bälle hatten und die Jungs nicht. Drittens darin, dass es meist gelang, ihnen mit einem faulen Versprechen ihren Ball abzuluchsen; vorzugsweise mit dem unhaltbaren, er würde ihnen bestimmt heil zurückgegeben. Mit einem geschenkten Bonbon obendrauf. Für den Verdacht, dass Frauen die netteren Menschen sind, gibt es eine Menge Gründe.“
Hingehört: Jake Bugg – “Shangri La”
Mehr Vielfalt, mehr Band-Sound: Jake Bugg entwickelt sich schnell weiter.
| Künstler | Jake Bugg |
| Album | Shangri La |
| Label | Mercury |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Genau 13 Monate und 3 Tage liegen zwischen den Veröffentlichungsterminen von Jake Buggs Debütalbum und seiner neuen Scheibe Shangri La. In dieser Zeit schaffen es Klaxons gerade mal, ihre Smartphones zu finden, um die Bandkollegen wieder zusammenzutrommeln. Lady Gaga braucht wahrscheinlich so lange, um die ersten zwei Kostüme für ihr neues Video auszusuchen. Und Axl Rose, naja, reden wir nicht drüber.
„Ja, es ist nicht viel Zeit vergangen, aber Musik ist eben das, was ich mache, um allem anderen zu entfliehen“, sagt Jake Bugg. „Selbst als alles sehr verrückt wurde, nahm ich, wann immer ich Zeit hatte, meine Gitarre in die Hand. Außerdem bin ich sehr viel gereist, also hatte ich ohnehin eine Menge worüber ich schreiben musste.“ Das sind gute Argumente, doch der 19-Jährige aus Nottingham hat noch ein paar mehr Gründe zur Eile. Zum einen ist da der alte Spruch vom Eisen, das man schmieden soll, solange es heiß ist. Zum anderen sorgt ein schnelles zweites Album dafür, dass man noch ein bisschen vom Lorbeer des Debüts zehren kann, bevor dieser schon sichtbar welkt.
Und Lorbeer gab es reichlich: Jake Bugg ist der jüngste männliche Solo-Künstler mit einem Nummer-1-Debütalbum im UK, er hat seit dessen Erfolg mit den Rolling Stones gespielt, eine Brit-Award-Nominierung eingeheimst und datet mittlerweile Topmodel Cara Delevingne.
Man hört der neuen Platte an, wie gerne er diesen Status aufrecht erhalten will. Shangri La entstand in Malibu mit Produzentenlegende Rick Rubin, nach dessen Studio das Album auch benannt ist („Es fühlte sich richtig an, das Album nach Ricks‘ Studio zu betiteln, es kam mir dort vor, wie in einer Zeit fernab der Zivilisation“, sagt Jake Bugg). Es ist eine gute Platte geworden. Sie wird allen gefallen, die das Debüt von Jake Bugg gemocht haben, und sie enthält ein ordentliches Maß an Weiterentwicklung, wie man sie für ein zweites Album erwarten kann, zumal bei einem so jungen Künstler.
Jake Bugg beweist auch auf Shangri La viel Selbstbewusstsein, Charakter und Leidenschaft. Fast alles ist diesmal mit einer kompletten Band eingespielt, was die Klangpalette deutlich erweitert. Gelegentlich klingt Bugg noch immer wie die Wiedergeburt von Bob Dylan (wie im juvenil-energischen Auftakt There’s a Beast And We All Feed It oder dem countryfizierten Rausschmeißer Storm Passes Away), doch auch Westcoast-Entspanntheit (All Your Reasons), satter Bluesrock à la Aerosmith (Kingpin) oder sogar angejazzte Momente wie Kitchen Table stehen diesmal auf dem Programm.
Die wichtigste Bezugsgröße für Shangri La ist allerdings – erstaunlich, wenn man bedenkt, dass das Album in den USA aufgenommen wurde – Britpop. Das epische Simple Pleasures gegen Ende des Albums könnte man sich problemlos von The Verve vorstellen, A Song About Love lässt an die Last Shadow Puppets denken und die Single Slumville Sunrise hat das Feuer der frühen Arctic Monkeys.
Auch Oasis haben gelegentlich ihre Spuren hinterlassen, und Vergleich wie diese illustrieren das Problem von Shangri La: Der Überraschungseffekt, den Jake Bugg als Newcomer noch hatte, ist weg. Im vergangenen Jahr erschien es als ziemlich originelle Idee, eine Platte zu machen, die direkt aus dem Jahr 1963 zu kommen schien. Das Staunen darüber ist nun weg, die Songs von Jake Bugg müssen ohne diesen Effekt auskommen und sich inmitten von Referenzen behaupten, die weitaus geläufiger sind. Meist schaffen sie das, aber Einiges auf Shangri La wirkt deutlich gewöhnlicher, als man es nach dem Debüt erhoffen durfte.
In gewisser Weise tritt der 19-Jährige mit Shangri La zurück ins Glied, auch wenn er sich da noch immer in bester Gesellschaft befindet. Messed Up Kids beispielsweise würde auch Tom Petty zur Ehre gereichen, nicht nur wegen des Jangles, sondern vor allem wegen des tollen Refrains. Me And You, als vierter Track das erste weitgehend akustische Stück des Albums, verbreitet eine herrliche Melancholie im Stile von Donovan und Pine Trees, nur aus Gitarre und Gesang bestehend, ist schlicht wunderhübsch.
Auch What Doesn’t Kill You zählt zu den Höhepunkten: Gitarre und Schlagzeug strahlen da eine enorme Aggressivität aus, aber der Gesang lässt sich davon nicht anstecken, sondern thront auf seltsame Weise darüber, nicht zahm, aber souverän, als habe er schon alles gesehen. Passend dazu gibt es für die Zeile „What doesn’t kill you“ auch keine Forsetzung.
Die Texte sind ansonsten ein Problem auf dieser Platte, und vielleicht hat auch die Erkenntnis, dass er als Nummer-1-Künstler nicht mehr allzu lange über das Aufwachsen in einem Problembezirk von Nottingham singen kann, dazu beigetragen, dass Jake Bugg so schnell mit neuem Material aufwartet. Es gibt ein paar schiefe Bilder und etliche Plattitüden, das trübt den Gesamteindruck ein wenig.
Am grundsätzlichen Talent dieses Songwriters kommen mit diesem Album allerdings keine Fragen auf. Dass er „die Zukunft der Musik“ sei, wie Noel Gallagher vor nicht allzu langer Zeit über Jake Bugg gesagt hat, erscheint nun ein bisschen hoch gegriffen, dass er „bloß ein Typ, der Lieder schreibt“ ist, wie Jake Buggs bescheidene Selbstdarstellung lautet, ist zu tief gestapelt. Shangri La zeigt, dass die Wahrheit wohl irgendwo dazwischen liegt.
Die USA will Jake Bugg nun wohl auch erobern. Conan hat er schon.
Draufgeschaut: Karniggels
Horst Köpper (Bernd Michael Lade) landet mitten in der Provinz.
| Film | Karniggels |
| Produktionsland | Deutschland |
| Jahr | 1991 |
| Spielzeit | 94 Minuten |
| Regie | Detlev Buck |
| Hauptdarsteller | Bernd Michael Lade, Julia Jäger, Inga Busch, Ingo Naujoks |
| Bewertung | |
Worum geht’s?
Polizeischüler Horst Köpper hofft, dass ihn sein erstes Praktikum in eine Großstadt führen wird, doch er landet in Barmstedt, mitten in der norddeutschen Provinz. Eine mysteriöse Mordserie, deren Opfer jedoch allesamt Rinder sind, zählt dort noch zu den am meisten aufregenden Fällen. Immerhin findet Köpper mit dem dubiosen Elle schnell einen besten Kumpel an seinem neuen Einsatzort. Als er sich auch noch in Annarina verliebt, eine Tochter aus gutem Hause, deren Auto gestohlen wurde, fühlt sich Barmstedt plötzlich gar nicht mehr so blöd an.
Das sagt shitesite:
Nebel, Monotonie und ein sehr gemächliches Tempo sind wichtige Stilmittel in Karniggels. Der Film von Detlev Buck ist nicht so sehr eine Persiflage auf das Landleben inmitten wortkarger Nordlichter, sondern eher eine Meditation darüber.
Das hat etliche sehr komische Momente, vor allem dank der Position von Köpper als Möchtegern-Dorfsheriff. “Recht und Ordnung kriegen wir hier schon selber hin, auch ohne Polizei”, scheint die Einstellung der Menschen in Barmbeck zu sein, und die Wichtigtuerei von Köpper und seinen Kollegen bildet dazu einen hübsch absurden Kontrast. Dass er sich am Ende von der Polizei ab- und einer seltsamen Kombination aus Anarchie und Allmachtsfantasien zuwendet, kann man als Triumph dieser Mentalität über seinen ursprünglichen Karrierewillen deuten.
Zum großen Charme des Films trägt die Selbstverständlichkeit bei, mit der Karniggels all dies zeigt: Selbst das Flirten ist hier spröde, und die wichtigste Form des Smalltalks heißt Schweigen.
Bestes Zitat:
„Die Schuldfrage ist immer so eine Sache. Wer von uns ist ohne Schuld?“
Der Trailer zum Film:
Hingehört: Suns Of Thyme – “Fortune, Shelter, Love And Cure”
Suns Of Thyme legen ein sehr eigenständiges Debüt hin.
| Künstler | Suns Of Thyme |
| Album | Fortune, Shelter, Love And Cure |
| Label | Motor |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Man könnte Suns Of Thyme für eine gewöhnliche Band halten. Das Quartett aus Berlin setzt auf eine klassische Rockbesetzung, bestehend aus Tobias Feltes (Gesang und Gitarre), Tim Hoppe (Gitarre), Jascha Kreft (Schlagzeug), Jens Rosenkranz (Bass). Jens und Tobias sind Schulfreunde, alle haben schon ein paar musikalische Gehversuche hinter sich, jetzt gibt es das Debütalbum. So weit, so normal.
Dass dies aber eine eher spezielle Band ist, macht schon die Single Soma (God For Gods) klar. Das ist Stoner-Rock mit der Betoner auf Stoner und einer Stimme irgendwo zwischen David Byrne und Tom Smith von den Editors. Eine Gitarre spielt einzelne, klare, schillernde Töne, die andere Gitarre spielt verwaschene Akkorde dazu – also alles andere als ein klassisches Hitrezept.
Der Song, den es hier übrigens zum kostenlosen Herunterladen gibt, ist damit durchaus typisch für Fortune, Shelter, Love And Cure (mit dem Albumtitel fassen Suns Of Thyme alles zusammen, was sie für eine denkbare Quelle von Glück halten). Songtitel wie Cataclysm 2084 (mit vertracktem Beat, dominantem Klavier und viel Radiohead-Feeling) oder Asato Maa (mit Joy-Division-Bass und einer Stimme, die so tief und verfremdet ist, dass man sie für ein Didgeridoo halten könnte, das sprechen kann) deuten schon den Horizont und die Ambitionen der Band an. Alte Effektgeräte, Lofi-Sound und die Drogen vergangener Zeiten scheinen hier ebenfalls als Bezugspunkte dienen zu können. Einiges auf Fortune, Shelter, Love And Cure klingt so, als hätten die Byrds schon den Black Rebel Motorcycle Club gekannt. Und wenn in The Years We Got Are Not Enough plötzlich Schlagzeuger Jascha Kreft singt, dann sind auch die Doors nicht weit entfernt.
Violent Eyes bildet einen düsteren Auftakt für das Album, das Schlagzeug braucht fast nur die Toms und der Bass klingt, als habe er sich in einer Mondlandschaft verirrt. One Song beginnt mit einem schönen psychedelischen Dröhnen, zieht das Tempo an und lässt erstmals etwas mehr Licht in Fortune, Shelter, Love And Cure. „I wanna be with you“, singt Tobias Feltes – aber er singt es so, als gebe es da gar kein Gegenüber, als würde es ihn beinahe schon trösten, dass er es laut aussprechen kann, immer wieder. Ein ganz ähnlicher Effekt stellt sich später in Blue Phoenix Tree ein, diesmal allerdings mit der noch offenherzigeren Zeile „I love you“.
Ganz am Ende steht Earth, Over (schon wieder so ein maximal bedeutsamer Titel), mit verfremdeter Stimme, Space Odyssey-Feeling und Pink-Floyd-Komplexität. Zum Abschluss eines spannenden, sehr eigenständigen Debütalbums zeigt der Track, wie Suns Of Thyme sich offensichtlich am wohlsten fühlen: Im Ungefähren.
Psychedelik! Und damit ist im Video zu Soma nicht nur der Hut gemeint.
Durchgelesen: Stefanie de Velasco – “Tigermilch”
Von Sommerferien voller Abenteuer und Tragödien erzählt “Tigermilch”.
| Autor | Stefanie de Velasco |
| Titel | Tigermilch |
| Verlag | Kiepenheuer & Witsch |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Milch, Maracujasaft und Mariacron. Das sind die Zutaten für Tigermilch, den titelgebenden Cocktail für diesen Debütroman und das Lieblingsgetränk der beiden 14-jährigen Hauptfiguren Nini und Jameelah.
Man kann in diesem Rezept auch ein paar der wichtigen Zutaten für das Buch von Stefanie de Velasco erkennen. Die Milch steht für einen Rest von Kindheit, der Maracujasaft für den Traum von der großen weiten Welt und der Weinbrand für das Verbotene. Den Rest von Kindheit spüren Nini und Jameelah immer wieder in sich, gegen ein anderes Leben an exotischen Stränden hätten sie sicher nichts einzuwenden, und mit dem Verbotenen haben sie schon mehr als genug Erfahrung.
Sie leben in einer Berliner Hochhaussiedlung, die Verhältnisse sind nicht prekär, aber doch zerrüttet: fehlende Väter, Kiffen, Nachsitzen und Ladendiebstahl prägen das Leben der beiden besten Freundinnen. Ab und zu machen sie sich sogar einen Spaß daraus, sich in Ringelstrümpfen auf dem Babystrich herumzutreiben und dort die Kerle geil zu machen. Ihr Plan für die Sommerferien lautet: Sie wollen sich entjungfern lassen.
Nini, die als Ich-Erzählerin auftritt, und Jameelah, der in drei Monaten vielleicht die Abschiebung in den Irak droht, sind zwei tolle Hauptfiguren, und das Beste an Tigermilch ist dabei, dass es in dieser Milieustudie nirgends einen erhobenen Zeigefinger gibt, und auch keinen Voyeurismus, der sich am ach so verdorbenen Alltag von Großstadtteenagern weidet.
Das Zweitbeste an diesem Roman ist der gekonnte Sound, den Stefanie de Velasco (Jahrgang 1978) findet. Der ist mit Jugendsprache und Slang authentisch genug, um Tigermilch auch als Jugendbuch zu funktionieren zu lassen („Für Mädchen“, lautet die Widmung ganz am Beginn des Buchs), schafft es aber auch, den Erlebnissen von Nini und Jameelah so etwas wie Tiefgang, Witz und sogar Glamour zu geben. „Am Ende hat man den Eindruck, geohrfeigt worden zu sein – und dazu das Bedürfnis, dafür auch noch Danke zu sagen“, hat Nadine Hemgesberg in der Welt diesen Effekt umschrieben.
Denn trotz aller Leichtigkeit hat Tigermilch doch eine nachhaltige Wirkung. Die Summe aus kleinen Abenteuern und großen Tragödien, aus unbeschwerten Tagen im Freibad und Streitereien von zutiefst verletzender Ehrlichkeit macht klar: Das Heranwachsen ist hier nirgends Verheißung, die Zukunft niemals ein Versprechen.
Alle Figuren in Tigermilch sind nicht nur erstaunlich abgebrüht, sondern auch schon ein bisschen abgestumpft. Niemand träumt hier davon, später die Welt auf den Kopf stellen zu können, alle sind schon froh, wenn sie von der Härte des Lebens nicht allzu früh und allzu oft in die Knie gezwungen werden. Das Erwachsenenleben kann ihnen nichts bieten, was sie nicht jetzt schon haben, aber es wird ihnen ihre Narrenfreiheit rauben, und vielleicht den Glauben an die Unverbrüchlichkeit ihrer Freundschaft. Stefanie de Velasco hat erkannt, was schon immer galt, und heute vielleicht noch ein bisschen mehr: Um die Pubertät zu überstehen, braucht man eine ganze Menge Kraft – und ein erstaunliches Maß an Tapferkeit.
Bestes Zitat: „Ihre Mutter verkriecht sich in Tariks Armen, sie legt die Hände auf seine breiten Schultern und formt sie zu kleinen Fäusten, ich sehe, in der einen Faust hält sie ein weißes zusammengeknülltes Taschentuch. Immer diese Taschentücher, denke ich, wie kleine Stofftiere, nur für Mütter, nur für Sorgen, traurig geknetete Tierchen aus Tränen, jedes mit seiner eigenen Geschichte.“
Hingehört: Sumie – “Sumie”
Im höchsten Maße filigran geht es auf dem Debütalbum von Sumie zu.
| Künstler | Sumie |
| Album | Sumie |
| Label | Bella Union |
| Erscheinungsjahr | 2013 |
| Bewertung | |
Es ist eine dieser Platten, auf der man hört, wie die Finger über die Gitarrensaiten gleiten. Man hört dieses Quietschen, man hört das Atmen. Sumie ist ein ganz leises, kostbares, intimes Debüt.
Der Grund dafür ist einigermaßen einfach: Sandra Sumie Nagano, die Künstlerin aus Göteborg, die hier am Werk ist, mag filigrane und minimalistische Klänge. Und sie hat zwei kleine Kinder. „It was not a style or a sudden choice but more me playing my guitar and having two small children, so I could not make much noise“, erklärt sie die Tatsache, dass auf Sumie fast immer nur eine akustische Gitarre und ihr Gesang zu hören sind, der ein bisschen an eine Dolores O’Riordan ohne das geringste Interesse an Rampenlicht denken lässt.
Die Ergebnisse sind trotz dieser Sparsamkeit beeindruckend. Sumie, die erst 2008 und als zweifache Mutter begann, regelmäßig Musik zu machen und deren Schwester Yukimi übrigens die Frontfrau bei Little Dragon ist, kann verloren klingen wie im Opener Spells You, erhaben wie in Burden Of Ease und enorm intensiv wie im grandiosen Show Talked Windows.
Immer wieder schafft die Schwedin mit japanischen Wurzeln berückende Effekte wie die provozierend lässige Frage „What’s the point of putting me down?“ in Never Wanted To Be, das an Laura Marling erinnert, oder den magischen Moment, wenn in Let You Go die zweite Stimme hinzu kommt und mit viel Entschlossenheit, Würde und einem Hauch von Mitleid verkündet: „I’m here to let you go.“
Zu den Beteiligten auf Sumie gehören der deutsche Komponist Nils Frahm, in dessen Studio in Berlin das Album auch aufgenommen wurde, der Amerikaner Dustin O’Halloran (von ihm stammt unter anderem der Soundtrack für Sofia Coppolas Marie Antoinette) und Simon Raymonde, auf dessen Label Bella Union die Platte erscheint, und der zudem als Produzent fungiert. „They understand what I’m doing“, erklärt Sumie die Entscheidung für diese Mitstreiter.
Nur dreimal weicht sie vom Nur-Gitarre-und-Gesang-Prinzip ab. Speed Into hat eine Violine zu bieten, die aber nur ein Flirren ist. Ganz weit im Hintergrund von Midnight Glories ist ein Cello zu erkennen. Und ganz am Ende des Albums, in Sailor Friends, gesellt sich ein Klavier hinzu, das schließlich ganz übernimmt. Das ist insgesamt sehr stimmig, auf mutige Weise altmodisch – und eine verzauberte Musik ohne Zeit.
Bedächtig und reduziert ist auch das Video zu Show Talked Windows:
Draufgeschaut: Die Verführung – Das fremde Mädchen
Viktoria (Bettina Zimmermann) und Markus (Christoph M. Ohrt) nehmen ein junges Mädchen auf.
| Film | Die Verführung – Das fremde Mädchen |
| Produktionsland | Deutschland |
| Jahr | 2011 |
| Spielzeit | 88 Minuten |
| Regie | Hannu Salonen |
| Hauptdarsteller | Xenia Assenza, Christoph M. Ohrt, Bettina Zimmermann, Jürgen Schornagel |
| Bewertung | |
Worum geht’s?
Für Markus, der einst als DJ erfolgreich war und dann ein Vermögen mit einer Modefirma gemacht hat, und Viktoria, die erst seine Sekretärin war und nun seine Freundin ist, soll es ein geruhsamer Sommerurlaub werden. Dann begegnet Viktoria aber der Ausreißerin Maniche. Ihr Freund habe sie mitten im Urlaub verlassen und zudem auch noch vergewaltigt, erzählt das Mädchen. Viktoria hat Mitleid und nimmt die 17-Jährige auf. Das junge Mädchen bringt schnell das Gleichgewicht der Beziehung zwischen Viktoria und Markus durcheinander – und rührt an alten Wunden.
Das sagt shitesite:
Das Beste an Die Verführung – Das fremde Mädchen ist die Optik. Es gibt schöne Menschen in schönen Outfits in schöner Umgebung, das ist unbedingt ein Augenschmaus. Xenia Assenza, die eine düstere Lolita gibt und die meiste Zeit über so gut wie nackt ist, kann als veritable Entdeckung gelten. Zudem hat der Film solide Spannung und etliche Pointen zu bieten.
Doch die sind nicht unbedingt ein Pluspunkt. Denn die zahlreichen Wendungen sind genauso hanebüchen wie die Ausgangslage. Dass diese Mischung aus Wild Things und Swimming Pool, garniert mit ein paar Horrorelementen, vor lauter logischen Brüchen wimmelt und letztlich weitgehend vorhersehbar ist, ist das größte Problem an diesem Film. Auch Christoph M. Ohrt ist keine allzu glückliche Besetzung: Man kann ihn sich weder an der Spitze eines Firmenimperiums noch als DJ auf Ibiza vorstellen. Die Verführung – Das fremde Mädchen versucht zwar teilweise, Rollenbilder von Frauen zu hinterfragen, begnügt sich aber dann doch wieder mit Klischees.
Bestes Zitat:
„Du bist ein Fluch, das Schlimmste, was einem Menschen passieren kann. Ich bin deine Tat.“
Der Trailer zum Film:
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